Rememorando veranos cinematográficos(1990)

[rafaelgg]

Viajemos 30 años en el pasado para rememorar alguno de los títulos más estelares de la más estelar de las épocas a nivel cinematográfico, por lo menos en lo referente a taquilla(En cuanto a premios y prestigio cinematográfico, la época más importante suele ser finales de año).

  "La Jungla 2: Alerta Roja".

   

   Con este hoy en día desusado título es como se conoció en el momento de su estreno "Die Hard", la secuela del film de John McTiernam que de la noche a la mañana convirtió a un Bruce Willis hasta entonces asociado a la comedia(Hasta el punto que en las salas de cine la gente reía con el trailer de la película por lo mucho que les chocaba la idea de Willis como tipo duro de acción, como cambian las cosas) en uno de los tipos duros de Hollywood capaz de codearse con Stallone(Entonces algo de capa caída) y con Arnold Schwarzenegger, sin necesidad de poseer un físico tan contundente como ellos, cobrando por volver a ponerse en la piel del policía John McClane la muy alta para la época, cantidad de 7,5 millones de dólares.

  Lo cierto es que sobre el papel resultaba bastante forzada y poco verosímil la idea de que  el humilde detective de Nueva York se viera involucrado de nuevo en un complot terrorista de altos vuelos(Nunca mejor dicho dado que esta vez el escenario es un aeropuerto),  y encima de nuevo en Navidad, pero en Hollywood importa más el explotar la gallina de los huevos de oro que el hecho de que que sea lógico hacer una secuela de un film con una historia perfectamente cerrada, de hecho el guion firmado de nuevo por Steve de Souza(Aunque aquí coescribe Doug Richardson sino Jeb Stuar) no escode lo absurdo de la premisa sino que lo reconoce abiertamente ponindo diálogos en la boca e McClane en que este comenta lo inverosimil de estar viviendo un situación como en la del film anterior.  Mismo esquema, pero tamizado por el lema de "más grande y ruidoso", gracias aun presupuesto de 70 millones, frente a los 25-30 del film previo,  que la convertían en el film más caro de la Historia. 

  Si el libreto del primer film bebía de una novela de Roderich Thorp(A quien se volvería a acreditar aquí pero no escribiendo correctamente su apellido) y bebía descaradamente de un clásico del cine de catástrofes de los setenta como "El Coloso en Llamas", aquí la inspiración venía de otro libro y otro novelita: "58 minuto" de Walter Wagen, sobre un policía que esperando la llegada de su hija en vuelo al aerpuerto JFK de Nueva York ha de detener a un terrorista que ha provocado un apagón y "secuestrado" toda la infraestructura de comunicaciones del aeropuerto, sometiendo a las autoridades a un chantaje. El protagonista deberá de detener sus planes antes de los 58 minutos titulares, que es el tiempo de combustible que le queda al avión de su hija antes de estrellarse. Por tanto aquí el film de catastrofres de los últimos sesenta/primeros setenta es "Aeropuerto" y sus posteriores secuelas e imitaciones.

  Así pues el escenario ya no es un rascacielo, sino el gigantesco aeropuerto de Dulles, en Washington(Escenario que permite a la película  hacer alarde de escenas multitudinarias de extras presas, del pánico como ninguna otra de la saga), tomado por unos terroristas liderados por un psicótico ex-oficial del ejército (El siempre duro William Sadler pasándoselo en grandes) reconvertido en mercenario que intenta liberar a un  narcodictador que vuela camino del aeropuerto para ser entregado a las autoridades, el general Esperanza, interpretado por un Franco Nero que volvía a lo grande al cine de Hollywood con un personaje claramente inspirado en el  dictador panameño General Noriega). Aumenta el número de terroistas a matar por McClane(Es la película con mayor "body count" de toda la saga y la única en que absolutamente todos los villanos mueren a manos del héroe) y aumenta el número de vidas amenazadas al inutilizar los terroristas la torre de control del aeropuerto y suplantar sus comunicaciones con los aviones que permanecen en vuelo esperando aterrizar, entre ellos el que transporta a la mujer de McClane, estando en posición de enviarles falsos rumbos que les hagan estrellarse contra el suelo o simplemente mantenerlos indefinitamente en el áire hasta que caigan por falta de combustible.

   John McTiernam iba a repetir como director, pero su compromiso con la primera película sobre el personaje de Jack Ryan de Tom Clancy en "La Caza del Octubre Rojo"(Donde al final el auténtico protagonista acabaría siendo el capitán de submarinos soviético que interpretaba un inmenso Sean Connery en lugar del propio Ryan interpretado por Alece Baldwin) le impidió estar disponible. Fox escogió al entonces emergente y hoy exiliado en la industria cinematográfica china director danés Renny Harlin, ya que habían quedado muy impresionados por el visionado del material de rodaje  de "La Aventuras de Ford Fairlane"....lo que demuestra el poco olfato y gusto de los ejecuivos de Hollywood, al no percatarse de que estaban viendo un futuro bodrio de proporciones cósmicas que se la pegaría en taquilla. En todo caso Harlin hasta entonces solo había dirigido películas de presupuestos bajos (Como la cuarta entrega de "Pesadilla en elm Street") y el film del detective rockero demostraba que podía asumir el reto de manejar la logística de un film de gran presupuesto, aunque "Die Hard 2" demostró ser un film mucho más duro de rodar de la que ya de por sí era en un principio.

  En primer lugar se tuvo que descartar el rodar en el autentico aeropuerto de Dulles ante un invierno inusualmente caluroso en Washington que evitó la existencia del ambiente nevado que exigía la película, por lo que hubo que rodar en el aeropuerto de Stapleton en Denver, Colorado, en el de Alpena(Michigan) donde se rodó la secuencia en que un avión se estrella y para tomas del interior  de las terminales se usó el Aerpuerto Internacional de Los Angeles. No obstante en el rodaje en el de Denver ante la falta de nieve hubo que recrearla artificialmente para escenificar las tormentas de esta.

  El tono megalómano y altamente pirotécnico de la película hizo necesario el requerimiento de los servicios en los efectos especiales de Industrial Light & Magic, lo cual era algo inusual para un film de acción(La empresa de Lucas solía estar asociada a colaborar films de ciencia ficción y fantasía). Por primera vez en la Historia del Cine se recurió a la composición digital usando el ordenador para, en el plano final, unir un matte painting que representaba varios aviones aterrizados en plena nieve con imágen real. Sin embargo a pesar del intenso trabajo realizado por la empresa de Lucas, con gran cantidad de efectos especiales que ahora se llaman "tradicionales"(Maquetas sobre pantalla azul, matte painting, explosiones reales), el resultado no impresionó en exceso hasta e punto que tuvieron que ver no solo como no eran nominados a los mejores efectos especiales, sino que encima lo ganaría la empresa más joven en el gremio "Dream Quest" por los de "Desafio Total", dando a entender que el incuestionbale cuasi-monopolio de la ILM sobre el oscar a esta categoría iba a romperse en los 90.

     El film superó todas las espectativas, , recaudó 117 millones en USA y 240 en todo el mundo recuperando holgadamente su inversión y siendo el film de acción y de calificación "R" más taquillero del año (Solo superado a nivel mundial por films que iniciaron la bonanza del cine  romántico en los 90 como son "Ghost" y "Pretty Woman" y  un films más familiar y por tanto con mayor "target"  como "Solo en Casa", y las críticas aunque menos entusiastas por lo repetitiva de la fórmula,  siguieron siendo mayormente positivo. En una época en que James Bond estaba de capa caída e Indiana Jones parecía haberse retirado definitivamente de la pantalla, John McClane parecía sentarse en el trono del cine de acción en los primeros 90....Hasta que 1 año más tarde Terminator volvió a lo grande:

[rafaelgg]

"DICK TRACY".

  A finales de 1989 y principios de 1990, en muchos cines de barrio y/o de sala única(Ya prácticamente desaparecidos todos, empezamos a ver en sus "lobbies" este cartel.



  Muchos se preguntaban que demonios anunciaba esta imágen, tal  y como pasó en la primavera y principios de verano de aquel 1988 en que unos posters similares mostraban el entonces poco conocido por el público español lógo de Batman(Si queridos milennials, aunque ahora cueste creerlo muchos españoles no conocían el logo de Batman o quien es el Joker antes del film de Tim Burton). Solo aquellos que leíamos sobre cine y además eramos fanáticos del cómics y nos informábamos sobre la actualidad de las múltiples adaptaciones cinematográficas que surgían a tenor del éxito del film con Jack Nicholson y Michael Keaton, sabíamos que era uno de los proyectados eventos del verano, con el que Disney pretendía clonar el éxito de Warner con el personaje de Bob Kane, mediante un personaje de las viñetas, de escaso calado histórico en España, pero que en USA es todo un clásico y una institución dentro de las tiras de prensa. El detective y policía Dick Tracy, creado a principio de los años 30 por el gran Chester Gould.

   No terminan ahí los paralelismos con "Batman", al igual que el personaje de Bob Kane, la idea de llevarlo al cine ya germinaba en los años 70. En 1975 el que acabaría siendo su principal artífice Warren Beatty, fan incondicional de la tira, ya tenía un esbozo del posible film pero los derechos pertenecían al director, productor y guionista Michael Laughllin, que no consiguió interear a nadie en el proyecto. En 1980, United Artist mostró interés tanto en el desarrollo de un film de Batman como en otro de Dick Tracy, ambos con la pluma del guionista, si bien como director solo se encargaría del primero, pero ni las adaptaciones de cómic eran un negocio seguro entonces ni las arcas de United Artist estaban para correr muchos riesgos, las exigencias de control artístico por parte del creador del personaje, Chester Gould, terminaron de hacer naufragar el proyecto.
  
  Floyd Mutrux y Art Linson, los productores que desarrollaban el proyecto de "Dick Tracy" para United Artist, terminaron llegando a un acuerdo con Universal Pictures para hacer el film y empiezan a sonar como eventuales protagonistas, nombres como Clint Eastwood, Harrison Ford, Richard Gere, Tom Selleck, Mel Gibson o el ya nombrado Warren Beatty, mientras que para la dirección tras ser ofrecida en primera instancia a Steven Spielberg cae en un principio en manos de un entusiasmado John Landis, que apuesta por Eastwoood como protagonista,  trae como guionistas del proyecto a Jim Cash y Jack Epps, a los cuales les da como única directrices que la historia tenga un aire a lo revista "pulp" de los años 30 y que el principal antagonista sea Alphonse "Big Boy" Caprice(Gangster claramente influenciado en Al Capone y que es a Dick Tracy lo que Lex Luthor y el Joker son para Superman y Batman). Sin embargo, Max Allan Collins, entonces escritor oficial de la tira de prensa, calificará los borradores de guion creados por Cash y Epps como "horribles" por su excesivo tono "campy" y su superficial y esquemática trama.

  Finalmente Landis abandona el proyecto para realizar la "maldita" "En Los Límites de la Oscuridad"(El film que hundió su ascendete carrera merced a su desgraciado y triplemente mortal accidente en el set) y será John Silver quien asuma las funciones de productor y Walter Hill como director, el cual le da por fin a Warren Beatty el papel de Dick Tracy que tanto ansía. Empiezan a construirse los decorados pero de repente el proyecto se viene abajo ante las repentinas desavenencias entre el director y la estrella protagonista. El primero quiere realizar un film violento, crudo y realista, el segundo quiere pagar tributo a la creación de Chester Gould recreando de forma milimétrica la irreal y estilizada estética de sus viñetas. Además el actor desea como sueldo 5 millones y un porcentaje de los ingresos de taquilla, y Universal se niega en rotundo.

  En este orden de cosa, con Cash y Epps todavía trabajando en reescrituras de guion Paramount activa su propio proyecto paralelo basado en Dick Tracy con Richard Benjamin de director con un  presupuesto bajo. Finalmente, cansado de esperar, y revertiendo los derechos cinematográficos a sus proietarios originales, Tribune Media Service(la empresa propietaria del Chicago Tribune, el periodico que publica la tira), Beatty adquiere por 3 millones los derechos sobre el personaje y sobre el guion de Cash y Epps y llega a un acuerdo con Jeffrey Katzemberg, que ha abandonado Paramount para convertirse en CEO de Disney para protagonizar la película. En un principio Beatty quiere como director a Martin Scorsese(Si niños, antes de "Joker" al tito Martin le ofrecían ya en 1985 adaptaciones de personajes de cómics), pero finalmente considerando que su visión será más fácil de lograr si la realiza él y no a través de otro, se decidirá el mismo a dirgirla.

  La decisión de Beatty de dirigir el mismo el film no es vista con buenos ojos por una Disney a la que le asusta la fama de derrochador que Beatty arrastra desde su aclamado film "Rojos"(1981) y solo accede bajo la promesa de que el film no superará los 25 millones de dólares, pero finalmente el coste total acabará rondando los 46. A pesar de hacer contribuciones al guion original de Cash y Epps, las reglas del sindicato de guionisas impiden a Beatty y a su colaborador Bo Goldman quedar acreditados en la confección del libreto. Planteada originalmente como una producción a estrenar bajo el sello Disney, finalmente se estrenará bajo el sello adult de la casa "Touchstone Pictures", muy posiblemente por la escena en la que Dick Tracy y la mayoría de los gangsters que aparecen de villanos en el film, protagonizan un intenso tiroteo cuando los últimos intentan escapar en coches de un night club, siendo varios de estos últimos acribillados brutalmente, una secuencia que a pesar de no mostrar heridas y sangres es por su intensidad bastante incompatible con la "blanca" imágen que el sello Walt Dinsey Pictures quería vender de sí misma entonces. De hecho, por lo que me consta, la película está excluida del catálogo cinematográfico de Disney Plus, incluso en este verano en que cumple 30 años.

  Al día de hoy algo olvidada, tanto entonces como ahora "Dick Tracy" es clara hija del éxito y la repercusión que "Batman" de Tim burton habían tenido el año anterior y las pretensiones de Disney pasaban por tener un éxito similar. Sin embargo tal y como sucediera en los 70 cuando Paramount intentó repliar el éxito de "Star Wars" con el primer film de "Star Trek", el incuestionable éxito en taquilla del fim de Tracy quedó cuestionado por la "major" ante el hecho de que, habiendo costado bastante más que el film sobre el hombre murcielago(11 millones más lo cual era mucho entonces) el film de Beatty se quedó muy lejos de los números del de Burton, en concreto, recaudó 162 millones a nivel mundial frente a los 411 de "Batman", esto, unido a posteriores disputas legales sobre los derechos del personaje, hizo que la proyectada secuela nunca llegara a plasmarse a pesar de los deseos de Beatty por ponerse de nuevo la gabardina amarilla.

   Lo cierto es que pese a ese molesto tono de "derivado" que imita muchos hallazgos del film de Tim Burton, la irreal ambientación urbana, el ser fiel al cómic desechando cualquier pretensión de realismo, o incluso el hecho de que se recurra aquí también a los servicios de Danny Elfman, o de que ambos compartan los mismos defecos (Una trama anémica, un exceso de protagonismo del villano que opaca al héroe), desde un punto de vista técnico el film de Beatty es mucho más pulido como fruto de la mayor experiencia tras las cámaras de un Warren Beatty frente a un Tim Burton que estaba empezando y que era primerizo dentro del terreno de las grandes producciones. La dirección artística y la fotografía de Vittorio Storaro solo pueden ser calificadas de "excelentes" y recrean a la perfección un mundo de colores primarios que nos retrotraen a los cómics de los años 30/40. Excelente es también el trabajo del maquillador  John Caglione Jr. galardonado con un merecido Oscar que convertía a muchas estrellas amiguetes de Beatty(Al Pacino, Dustin Hoffman, James Caan, William Forsythe, Henry Silva...entre otros) en perfectas réplicas en carne y hueso de los grotescos personajes que pueblan la galería de villanos de Dick Tracy(Que en su tiempo inspirarían a su vez a los villanos "freaks" de la de Batman). Curiosamente, tal vez por un exceso de vanidad, o por miedo a no poder usar su rostro como reclamo comercial, Beatty rechazó la posibilidad de él mismo someterse a maquillaje y ponerse una nariz protésica que asimilara más su imágen a la del héroe de las viñetas. Madonna en el papel de "Breathlesss" Mahoney, "fan fatale" rubia y sexy habitual de la tira, tampoco necesitó maquillaje para encarnar dicho papel y que aquí pudo darse el lujo de cantar algunas composiciones del mismísimo Stephen Sondheim, contratado para colaborar en la banda sonora(Otro lujazo que se permitió Beatty a costa de la chequera de Disney). Por supuesto, durante el rodaje, Madonna pasó a formar parte de la larga lista de conquistas del mujeriego Beatty

  Pero sin duda de todos los que intervinieron en el reparto, el que más disfrutó es Al Pacino en el papel del principal antagonista, el antes citado Alphonse "Big Boy" Capprice, ya que el caricaturesco, le daba total rienda suelta para liberar esa vena histriónica y sobreactuada que tanto gusta a veces al actor y que debido a la naturaleza del papel aquí no desentona. De hecho tanto entusiasmo acabó granjeándole una sorprendente nominación al Oscar, más sorprendente cuando se tiene en cuenta que el año anterior no fue nominado a Jack Nicholson por su papel de "Joker" y aunque el personaje de "Big Boy" es uno de los puntos más destacados y divertidos del film d Warren Beatty, no sientes al verlo que estás asistiendo a la creación de un personaje que va a ser icónico dentro de la Historia del Cine como si pasaba cuando veías a Nicholson encarnando a la némesis de "Batman".
 
  Esa refinado acabado técnico y estético que Beatty supo darle a la película hizo que, todavía al día de hoy, sea una de las películas basadas en cómic que más nominaciones a los Oscars ha cosechado y la que más hasta entonces. A las ya mencionadas de mejor maquillaje y mejor actor secundario para Pacino hay que añadir los de mejor dirección artística, a la fotografía de Vittorio Storaro, al mejor vestuario, maquillaje, mejor canción original("Sooner or Later" de Sondheim) y mejor mezcla de sonido, osea 7 nominaciones frente a la única nominación(Y Oscar ganado) por "Batman". Al final junto a la de maquillaje, fueron las de mejor canción original y mejor dirección artística, las que la película se llevó al coleto.

[manuwar]

Que yo recuerde, en el año 1990 la única película que fui a ver al cine fue Las Tortugas Ninja.

PD: Ford Farlaine es cojonuda.

[rafaelgg]

En los años 80, el sexo y la violencia, sobre todo lo segundo gracias al "boom" del género de acción y estrellas como Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone, junto con el uso de los avances en efectos especiales más sofisticados, se conviriteron en herramientas vitales del cine comercial de Hollywood a la hora de atraer a las masas.

  Sin embargo, dos películas en la temporada de verano de 1990 cimentaron el valor, de cara a la taquilla, del cine más sentimental y romántico, con el público femenino como principal público potencial, pero si desdeñar al resto, y generaron toda una progenie de títulos a lo largo del primer lustro de la década de los 90 mayoritariamente femenino, pero con algún interpreta masculino también(Hugh Grant).

  PRETTY WOMAN:



  Empezamos con aquella que representa el cine romántico en su vertiente de comedia. Ya habiamos tenido el precedente el año anterior de "Cuando Harry encontró a Sally", recibida bastante bien tanto por el público como para la audiencia. El siguiente film, si bien no obtendría tantas críticas elogiosas,  tuvo una resonancia popular y en taquilla muchísimo mayor lo que la convirtió en el paradigma de film de este subgénero.

  Lo curioso es que el libreto originalmente fue concebido como un drama oscuro sobre la prostitución en el Los Angeles de los años 80 que no escatimaba en elementos escabrosos. Así pues la protagonista principal Vivian, además de prostituta era cocainómana y en el trato que hacía con el tiburón de las finanzas que la contrata como acompañante, Edward, se incluía que esta se mantuviera alejada del polvo blanco una semana. Además el film terminaba de forma bastante cruda con el personaje de Edward tirando a Vivan de su coche y esta junto con sus amigas prostitutas cogiendo un autobús hacia Disneylandia. 

  Fue Jerry Katzenberg, CEO de la Disney y el responsable del renacimietno de la compañia en los últimos 80 y primeros 90, el que decidió que dicho guion se reconvirtiera de drama oscuro en comedia romántica amable, se eliminaron los aspectos más turbios(El tema de la adicción a la cocaina fue reducido a lo mínimo y pasó del personaje de Vivian al de su mejor amiga). Convirtiéndose la historia en un cuento de hadas moderno mezcla de "La Cenicienta" y "My Fair Lady"(O "Pigmalion" sí se prefiere) e la que el personaje de Edward transformaba  a Vivian de prostituta callejera en una refinada dama. A pesar del "blanqueamiento" del tono del guion que el personaje femenino principal se dedicara al oficio más viejo del mundo ponía nervioso a unos ejecutivos de Disney(A pesar de que el film se estrenaría bajo el sello "adulto" Touchstone Pictures) que por contra año después no mostrarían ningún reparo con un film "R" estrenado también bajo un sello de la compañia(Hollywood Pictures) como es "La Roca de Michael Bay. Pero así son los yankys: "Sexo y erotismo no por favor(Aunque sea tan light como el que muestra este film)no mejor armas, balazos, amputaciones y explosiones. La adicción a la cocaina de Vivian fue eliminado del personaje y pasó, aunque difuminándolo bastante, al de su mejor amiga y confidente, la tambén prostituta Kit De Luca.

  Aunque ahora nos parezca imposible imaginar a la pareja protagonista con otros rostros diferentes a los de Richard Gere y Julia Roberts. En un principio se quería que los protagonistas fueran Christopher Reeve y Kim Bassinger. Tras barajarse nombres como Al Pacino, Burt Reynolds, Kevin Kline, Daniel Day Lewi o Denzel Washington, el personaje fue ofrecido a un Reeve que demostró como tantas otras veces, su habilidad para rechazar papeles que hubieran reverdecido el estrellato que consiguió con "Superman", y a su vez volvió a erigirse de nuevo en involuntario benefactor de un Richard Gere que ya había heredado previamente de él el protagonista de "American Gigoló". Gere no se mostró muy interesado en un principio pero terminó aceptando protagonizar la película que relanzaría su entonces tambaleante carrera.

  En cuanto a Julia Roberts, simpre ha afirmado que estará eternamente agradecida a Kim Bassinger por negarse a interpretar a Vivian. Lo cierto es que previamente tambén hubos otras candidatas como Molly Rigwald(Que lo rechazó por sentirse incomoda ante la idea de interpretar a una prostituta) pero también audicionaron Winona Ryder y Jennifer Connelly que fueron rechazadas por ser consideradas demasiado jóvenes. La que entonces era conocida como "la hermana menor de Eric Roberts" que intentaba hacerse un nombre en Hollywood en films corales independientes como "Mistic Pizza" o de gran estudio como "Magnolias de acero" fue sin duda la más beneficiada por la película, convirtiéndose de la noche a la mañana en la "novia de America" y la reina del género de la comedia romántica, si bien no tardaron en salirle pronto duras competidoras como la Meg Ryan(No solo por el éxito de "Cuando Harry encontró a Sally" sino también por el que obtuvo en el 93 con "Algo para recordar" o Sandra Bullock(Que también triunfó en 1995 con "Mientras dormías"). Sin embargo  la Roberts no tardó en querer quitarse la etiqueta de "reina de la comedia romántica blandita y comercial" y buscar de forma reiterada ser considerada como actriz "seria" con films como "El Informe Pelícano"(1993), dirigido por un Alan J. Pakula en horas bajas intentado recuperar su prestigio como director de thriller políticos o "Mary Reilly"(1996) nueva versión del mito del Doctor Jekyll y Mister Hyde que adaptaba un best seller que narraba la historia desde el punto de vista del científico , dirigida por un Stephen Frears al que se le nota mucho más torpe en el terror gótico que el Tim Burton de entonces que era quien originalmente debía dirigirla. También intentó ganar prestigio como actriz con colaboraciones con autores "indies como Robert Altman en la supueta comedia(Carente de todo humor y hoy olvidada) "Pret-a porter"(1993) o con Woody Allen con la más lograda "Todos dicen I Love you"(1996). Pero al final de la década volvería a la comedia romántica con "La boda de mi mejor amigo"(1997) y "Novia a la fuga"(De nuevo con Richard Gere y con el mismo director de "Pretty Woman").

  Hay que adjudicar que aunque Garry Marshall quedara convencido con las actitudes interpretativas de Julia Roberts no lo estuvo tanto con su escualida figura a la hora de rodar las escenas en los primeros planos de las piernas de vivian cuando esta se pone las medias por lo que en dicha escena y al parecer en alguna otra más, se optó por las más torneadas y rotundas curvas de la doble de cuerpo  Shelley Michelle,cuyo cuerpo también fue usado en el poster del fim, insertándose luego el rostro de Julia Roberts. Es aquí donde Hollywood muestra su peor cara vendiéndono unos cánones de belleza que ni sus propias estrellas pueden conseguir. En un principio la cosa no trascendió hasta que poco después alguna actriz cuyo cuerpo había sido doblado por el de Michelle,  como fue el caso de Anne Archer en la película "El cuerpo del delito"(1992) de Uli Edel con Madonna(Al parecer también doblada por Shelley en el film) empezó a presumir de cuanto se esforzaba en gimnasio para que su cuerpo se viera tan escultural en pantalla, provacando que Michelle Shelley se manifestara publicamente alegando que el mérito era suyo y no de ellas. Entonces hubo polémica y debate en cuanto a como Hollywood promovía unos canones de belleza que solo los que tienen una genética afortundad y/o muchísimo tiempo para dedicar al ejercicio, pueden exhibir.



  

  Aquí el realizador escogido fue Garry Marshall, gris artesano con filmografía hasta  entonces bastante gris, donde su film destacado era otra comedia romántica(Aunque en clave más familiar, incluso había niños de por medio,): "Un mar de lios" con el matrimonio en la vida real Kurt Russell/Goldie Hawn, film que argumentalmente maneja elementos parecidos a los de Pretty Woman(Pareja perteneciente a polos del espectro social totalmente opuestos que por circunstancias excepcionales acaban conviviendo y compartiendo el día a día, teniendo uno de ellos que almodarse a una forma de vida totalmente opuesta a la suya y con el amor entre ambos surgiendo esponataneamente). A pesar de haber realizado películas de todo tipo, con este film ya no se quitaría la etiqueta de director de comedias románticas amables,  a pesar de que 2 años más tarde con "Frankie y Johnny"(1992) con Al Pacino y Michelle Pfeiffer presentara una historia de amor  que era una especie de "anti-Pretty Woman", con personajes y situaciones mucho más terrenales y sin "glamour" lejos del tono de cuento de hadas de este film.

    La película recaudó la friolera de 463 millones de la época(Una cifra al día de hoy respetable y entonces estratosférica),  el segundo más taquillero a nivel mundial, solo superado por el otro film romántico del que luego hablaro y convirtiéndose a su vez en uno de lo más taquilleros de la Historia. Además en el entonces recién inaugurado mercado de la venta de películas en VHS se convrtió en un fenómeno con millones de cintas vendidas en todo el mundo que se convirtió en uno de los regalos estrellas de Navidad y por supuesto del San Valentín del año siguiente. En nuestro país la cinta fue especialmente popular convirtiéndose en un fenómeno mediático, hasta el punto de que, en los 90 con la llegada de las televisiones privadas y el inicio de la lucha por los índices de audiencia, sus emisión por parte de TVE se convirtió en un valor seguro al ser un evento televisivo que generó uno de los ratings de audiencia y de millones de espectadores convirtiéndose, a pesar de la fragmentación de la audiencia debido a la aparición de Telecinco, Antena 3 y las autonómicas, en una de las emisiones cinematográficas más vistas de la Historia de la tv en nuestro país, y aún al día de hoy sus emisiones se cuelan entre lo más visto del día, ya que para el público femenino nostálgico que se ha criado con ella, su visionado es prácticamente obligatorio.

  Mención especial para el éxito paralelo que obtuvo su banda sonora a base de artistas del pop y  el rock de éxito como David Bowie ("Fame 90"), los hoy olvidados Go West("King of Wishful thinking") y las dos canciones más populares de todo el disco. La emblemática "It must have been love" con la que Roxette se consagraron en Usa tras haber triunfado en Europa y por supuesto la canción de la que el film saca su título: Ese "Pretty Woman" con el que Roy Orbison año y medio después de haber fallecido obtenía un éxito y una popularidad a unos niveles a los que nunca se acercó en vida. Sin duda sus herederos fueron junto con Julia Roberts los mayores beneficiados del éxito del film:



  Mañana hablaré del otro film romántico de aquel año que se convirtió en un éxito todavía mayor. Supongo que habrá quien haya adivinado cual es.

[rafaelgg]

Bueno he estado ocupado y no he podido hacerlo hasta ahora, pero aquí va la otra película que convirtió el romanticismo y los "chick films"(Cine para chicas, aunque mejor digamos  "para mujeres" así no nos llamaran machistas militantes de patriarcado), que demostró que con un film apelando al lado más sensiblero de las féminas se podía conseguir no solo que estas pasaran por caja, sino que arrastraran también a sus sufridos maridos, novios, amigos(Con derecho a roce o sin él) e incluso a sus hijos e hijas). Eso explica que estemos ante la campeona total de la taquilla a nivel mundial aquel ya lejano año 1990, con una impresionante taquilla de 505,7 millones. Si hoy todavía es una cifra respetable, imaginad hace 6 lucros con, una menor población mundial, la inflación de entonces y sin existir todavía mercados como China o los países de Europa situados detrás del antiguo telón de acero, que aún no había abierto del todo sus puertas a Hollywood y su cine, efectivamente, estoy hablando de....

 "Ghost"




   Según Jerry Zucker, el propósito de querer hacer esta película tras una década formando parte del trio de directores David Zucker(Su hermano), Jim Abrahams y el mismo, responsable de firmar a 6 manos comedias delirantes y surrealistas que parodiaban otros géneros como el de catastrofes ("Aterriza Como Puedas"). ell espionajes ("Agarralo Como Puedas" o el espionaje "Top Secret"(Raro que aquí no la rebautizaran como "Espía Como Puedas" aunque en los 90 finalmente hubo un film de este estilo protagonizado por Leslie Nielsen que parodiaba la saga Bond y que se estrenó con tal título en España), no fue buscar nuevos retos, o abrir un nuevo capítulo. Según él tan solo le movió el intentar hacer el mejor film posible, y el guion de Bruce Joel Rubin le llamó la atención porque respondía a la pregunta que el director se hizo a si mismo años atrás viendo una actuación de Hamlet, cuando al contemplar la escena en que se aparece el espectro del padre del protagonista, fabuló sobre lo interesante que sería contar una historia de fantasmas desde el punto de vista de estos y no del de los vivos a los cuales se les aparece.

  El guionista de este film, Bruce Joel Robin, siempre ha tenido interés por historias que hablen sobre la perdida de la vida y la ruptura de vínculos interpersonales que ellos conlleva, como demuestra no solo este film, sino también la posterio "Mi Vida"(1993) que él mismo dirigió y que magnificamente interpretada por Michael keaton y Nicole Kidman narra la historia de un enfermo de cáncer que intenta sobrevivir el tiempo suficiente para conocer a su hijo a punto de nacer, o "Deep Impact"(1998) de Mimi Leder, película que tomaba la misma premisa que "Armaggedon"(Bueno aquí es un cometa en lugar de un asteroide) pero desde una perspectiva más humanista y menos "fallera". Rubin tenía en gran estima su guion y no estaba por la labor de que un director de astracanadas ridículas como Jerry Zucker lo estropeara intentando convertirlo en comedia, para él los mejores elecciones eran Milos Forman o Stanley Kubrick(Apuntaba alto el hombre), pero cuando Zucker le convenció de que iba a respetar el tono dramático del guion, ambos trabajaron durante muchísimos meses para refinar el libreto, y al parecer la contribución de Zucker fue vital a la hora de otorgarle una estructura sólida a la historia. Lo que más les costó, y en o que trabajaron durante semananas, fue escribir la última frase que el personaje de Sam, tras haber sido asesinado y volver de la otra vida como fantasma para proteger a su amenazada novia y amor Molly de sus propios asesinos, debía decir como última linea del film una vez que este había cumplido su labor y emprendía por fin el viaje definitivo "al otro lado".

  ¿De verdad necesitaron semanas y semanas para decidir que la frase final de Sam fuera "Hasta Luego"?.......Joder en Hollywood cualquiera es guionista.


   Una de las cosas con las que Zucker consiguió terminar de ganarse a Rubin fue el conseguir que Patrick Swayze aceptara el papel de Sam Wheat, el asesinado protagonista que deambula por este mundo como espectro incorporeo e invisible. Al parecer Rubin había visto en una entrevista como Swayze al recordar a su fallecido padre, no había podido contener las lagrimas y pensó que la imagen de un tipo tan masculino como Swayze llorando por un ser amado, sería lo ideal para la película. La verdad es que Swayze cumplió a la  perfección consiguiendo con su mirada, su gestualidad y su voz que el espectador se meta en su piel(Aunque en la mayor parte del film carezca de cuerpo físico). Según declaraciones del propio actor en vida, Sam Wheat fue el papel más duro de su carrera por tratarse de un papel no activo sino "reactivo" ante los demás personajes. Si embargo su esforzada interpretación, que demostraba que como actor podía dar mucho más de sí de lo que le había permitido su papel de galan bailarín en "Dirty Dancing" o su papel de gorila vigilante de puticlub en "Road House: De Profesión Duro"(1989), "premiado" con una nominación a peor actor en los "razzie". Sin embargo a pesar de su meritoria labor, su trabajo en el film de Zucker fue injustamente ignorado por la Academia a la que quizás su prejuicio hacia los films excesivamente taquilleros pudo influir en que no quisiera otorgarle demasiadas nominaciones a la película (Dicho prejuicio acabó diluyéndose, como demostraron las 14 nominaciones a "Titanic" 7 años más tarde).

  Para el papel de Molly se escogió a Demi Moore, también por su habilidades lagrimales que le permitían soltar una lágrima en el momento requerido. La actriz llevaba trabajando en el cine desde 1981, como curiosidad en 1982 había trabajado en una película que parodiaba los culebrones e hospitales titulada "Young Doctors in Love" dirigida por ...Garry Marshall, osea el director del otro bombazo romántico de ese año "Pretty Woman". En el 84 había incluso trabajado junto a Michael Caine a las órdens de un grande como Stanley Donen en "Lio en Rio"(El último film del maestro), pero lo cierto es que había quedado opacada por la presencia de la mucha más opulenta y voluptuosa Michelle Johnson(¿Que habrá sido de esta actriz?). También el año anterior había trabajado a las órdenes de Stephen Frears junto a Robert De Niro en "Nunca Fuimos Angeles" pero el film fue un  inesperado  y sonoro fracaso en taquilla y de público.

   Sinceramente ¿Con la Johnson al lado quien se iba a fijar en Demi Moore?:


   Demi Moore no conseguía destacar más allá de por ser la mujer y consorte del astro Bruce Willis, pero gracias a "Ghost" no solo puedo ver que el matrimonio Willis/Moore se convertían en el más taquillero de Hollywood, sino darse el gustazo además de superar a su marido. Fue el inicio del periodo dorado de una Moore mucho más  exhuberante(Gracias a la silicona) y madura que la de "Lio en Rio" que la llevó a convertirse en una de las actrices más populares de los 90, hasta su decadencia en los años finales de dicha década a pesar de llegar a trabajar en las entonces pujantes cintas animadas de Disney (Poniendo voz a la Esmeralda de "El Jorobado de Notre Dame" de 1996) o con el siempre admirado y deseado por los actores de Hollywood Woody Allen en "Descostruyendo a Harry"(1997), de lo mejorcito del maestro en esa década. Pero su decisión de anteponer por encima los números de ceros del cheque le llevaron  participar en proyectos de dudosa calidad como "Striptease"(1996),  un autentico ñordo que ni siquiera daba el morbo que prometía y que si daba, por ejemplo "Showgirls"(1996) de Paul Verhoeven, o "La Teniente O´Neill"(1997), panfleto militarista y facistoide considerado lo peor que ha rodado Ridley Scott y en la que la actriz era convertida en una "marimacho" en su concepción más vulgar y chabacana hicieron que su carrera se desinflara aunque aún no había cumplido los temidos 40 años....en 2003 pareció remontar con su papel de villana en la secuela de "Los Angeles de Charlie"(2003) pero la cosa se quedó en fuego fatuo.

  Ese mismo año el público vio la anatomía de Salma Hayek en un escueto bikini en "Abierto Hasta El Amancer" y claro al comparar debieron pensar "Lo natural mejor":



  Pero si Moore y Swayze ganaron "status" de estrella con la película fue la tercera en discordia, Whoppy Goldberg, en el papel de Oda Mae Brown, la vidente que se convierte en colaborada y "escudera" del personaje de Swayze por ser la única que puede oír su voz la que se llevaría el prestigio. Haciendo gala de una comicidad fastuosa pero sin llegar nunca a convertir al personaje en una caricatura bufonesca, Goldberg, iniciada en el cine gracias a Steven Spielberg y su muy dramática "El Color Púrpura"(1984) se llevó un montó de premios a la mejor actriz secundaria, entregados por los críticos de diferentes partes de USA así como el BAFTA y el Oscar en dicha categoria. Bruce Joel Rubin ha declarado en más de una ocasión que el personaje de Mae Brown, la vidente que al principio de la película es una picara timadora que engaña a la gente haciéndoles creer que se comunica con los muertos pero que descubrirá horrorizada gracias a Sam que verdaderamnete posee tal poder, es su personaje favorito de todo los que ha creado y es muy posible que en ello haya influeido la extraordinaria labor de Whoopy Goldberg. Además no olvidemos que si bien hoy todavía hoy a los filmes de género fantástico les cuesta que se le reconozca la labor de sus interpretes, en 1990 la cosa ya era totalmente imposible, lo que dice mucho del mérito de la actriz afroamericana. Bruce Joel Rubin se llevó el otro Oscar del film por el guion llevándoselo en solitario, al no estar acreditada la importante colaboración de Jerry Zucker en este.

Ganar un oscar interpretativo en un film fantástico y encima siendo negra. Supera eso Mery Streep.



  Uno de los aciertos de la película es su plantel de secundario más allá de Whoopy Goldberg. Tony Goldwy por ejemplo tuvo que luchar denodadamente contra los prejuicios de  Jerry Zucker que lo veía demasiado encantador y simpático para encarnar al villano Carl Burner, el amigo y compañero de trabajo de Sam e instigador de su asesinato(Para ocultar unos tejemanejes en el seno de su empresa que Sam ha descubierto casualmente y de las que el propio Carl es responsable). Pero Goldwyn consiguió convencer a Zucker que de que Carl sería más interesante si a su villanía se le añadía encanto, simpatía y atractivo. El actor cuenta la anecdota de como una vez en un restaurante una camarera le miraba con una gran hostilidad. Al final se decidió a hablar con ella y cuando esta reconoció en él al villano de Ghost le comentó "Es que sentía que te odiaba por algo pero no podía recordar por él"....eso dice mucho a favor de la labor del actor en el film.

 Otra breve pero memorable aportación fue la de Vincent Shciavelli, genial secundario cuyo peculiar físico le encasillaba en papeles excentricos, como uno de los internos del psiquiatrico de "Alguien Voló Sobre El Nido Del Cuco" (1975) o el organillero al servicio del Pingüino en "Batman Vuelve"(1992) y que interpreta a un espíritu confinado en el metro que ayuda a Sam una vez muerto a interactuar como espíritu con el mundo físico. Una triste casualidad es que el personaje de Schiavelli es el espíritu de alguien que en vida fue un fumador compulsivo que echa de menos la sensación física del tabaco y el hecho de que Schiavelli y también Swayze, murieran ambos de cáncer de pulmón a la misma edad de 57 años.

Dos actores, un mismo trágico destino.



  Un caso curioso es el del actor Luis Guzman, el cual no interviene en el film pero que constantemente ha de corregir a los que le identifican con Willie López, el delincuente barriobajero que asalta a Sam por orden de Carl y acaba asesinándolo. Guzman tiene que aclarar constantemente que dicho papel o interpretó Rick Aviles y no él.

   Luis Guzmán y RRick Aviles ¿Parientes?




  Poco más que añadir: Un éxito estruendoso, un recibimiento crítico bastante bueno(Que Jerry Zucker ya no pudo repetir nunca más aunque reincidiera en el fantástico romántico con la horrible versión del mitro artúrico que fue en 1995 "El Primer Caballero") al igual que Pretty Woman todo un clásico que congrega masivamente a la audiencia femenina con cada pase televivisivo, y como en el film de Garry Marshall una canción rescatada del pasado: La formidable "Unchained Melody" de los Righteous Brothers, que volvió a escuharse en la radio masivamente y quedó unida indeleblemnte a la película al sonar en su secuencia más recordada, aquella en la que Sam y Molly moldean arcilla en un barro y que está bañada de un evidente erotismo. El propio Swayze afirmaba que era la escena más "sexy" que había rodado nunca.. Ambos actores tuvieron que asistir a clase de alfarería durante semanas para poder realizarla y aunque no estaba previsto que el barro se desmoronase en mitad de la escena, ellos siguieron actuando y Zucker dejó la escena tal cual. Al menos al cortarse el pelo previamente Moore, se libró de llenar su cabellera de barro. El nuevo look con el pelo muy corto no fue muy bien recibido por Jerry Zucker cuando esta se presentó ante él, pero finalmente decidió que dicha imagen encajaba con el personaje tal y como era.

  Como curiosidad el pasado año se estrenó en nuestro país un musical basado en el film protagonizado por Christian Sánchez y la hipnoticamente  bellísima(Tanto por voz como por físico) Cristina Llorente. Quien ha asistido como espectador a dicho musical atestiguan que el personal femenino sale de él con lágrimas en los ojos, lo que demuestra que la creación de Zucker y Bruce Rubin siguie siendo tan eficaz hoy en día como hace 30 años.

[rafaelgg]

  

  No me detendré mucho en esta porque hace un par de meses más o menos ya recordamos que en el verano hace de 30 años se estrenó la película que junto a "Los Gemelos Golpea Dos Veces", marcó un punto y aparte en la carrera de Arnold Schwarzenegger. Si el film de Ivan Reitman sirvió para que el austriaco fuera vendible al público como actor de comedia, esta le permitió interpretar a un papel que iba más allá del forzudo que va pegando tiros con armas inmensas y repartiendo mandobles por todos lados.

  No lo tuvo fácil el austriaco. Los guionistas Ronald Shusett y Dan O´Bannon habían escrito el primer libreto de la película en los 70, antes incluso de que realizaran el de "Alien". Los derechos de dicho guion fueron adquiridos por el gran magnate y productor Dino De Laurentiis a mediado de los 80. La previa adaptación de un relato de Phillip K. Dick: "Blade Runner"(1982) había sido un fracaso de crítica y taquilla pero desde el mismo momento en que llegó a los videoclubs, se inició un proceso de reconsideración y revaloración por parte de los críticos y espectadores que hicieron que en muy pocos años llegara a ser considerado un título fundamental en la Historia del Cine, lo que hizo que Laurentiis no cejara en su empeño de llevar esta adaptación de un relato corto del autor a la gran pantalla. Durante años David Cronemberg, el eventual director, colaboró con O´Bannon y Shussett realizando alrededor de 12 versiones del guion, pero llegó un punto en que los objetivos de uno y otros chocaron eventualmente. Mientras que Cronemberg, fiel a sus inquietudes, quería un film cerebral y reflexivo, totalmente afín al espíritu de Dick, los coguionistas de "Alien" apostaban por un tono más de "montaña rusa" trepidante y lleno de acción, definiéndola como una especia de "En Busca del Aca Perdida en Marte". En un principio De Laurentiis pareció apoyar la postura de Cronemberg, pero el fiasco de "Dune" hizo que el italiano perdiera su entusiasmo, considerando que esto probaba que el público de los 80 no  estaba dispuesto a esforzar muchos sus neuronas y preferian pagar por algo cercano a "Star Wars" que a la frialdad cerebral de  "2001: Una Odisea en el Espacio".

   Schwarnegger, por aquellos tiempos atados contractualmente a Dino De Laurentiis, se entusiasmó enseguida con el guion nada más leerlo y rogó encarecidamente a De Laurentiis para que le permitiera protagonizarlo. Pero el productor consideraba que el ex-culturista solo valía para papeles tipo Conan  o Terminator, y que lo que se requería eran los servicios de un William Hurt(Al parecer el preferido de Cronemberg), un Richard Dreyfuss o Jeff Bridges, todos ellos serios aspirantes a encarnar a Richard Quaid.

  Sin embargo la caída del imperio cinematográfico de De Laurentiis en la segunda mitad de los años 80 fue aprovechada por Schwarzenegger para entablar contacto con la Carolco Pictures de Mario Kass y Andrew Vajna para que estos adquiriesen los derechos del guion a fin de que él pudiera ser el protagonista. Carolco habían pasado de ser una modesta productora cuando produjeron el primer film de Rambo "Acorralado" a ser capaces de producir la hasta entonces más cara producción cinematográfica: "Rambo 3", así que no tuvieron ningún problema en aceptar la oferta de la otra gran estrella musculosa del momento, pero habiéndose desentendido David Cronemberg del proyecto ¿Quién debía dirigirlo?.

  La respuesta la dio el propio Schwarzenegger. El austriaco había visto "Robocop" (1987) de Paul Verhoeven y había quedado enamorado de la mezcla de adrenalina, sátira y reflexión que su director el holandés había inyectado el film. Schwarzenegger sentía que tanto Verhoeven como él compartían la misma sensibilidad europea que les llevaba a aspirar a algo más que hacer un carrusel de  explosiones, acción y efectos especiales, de hecho tras aceptar dicho director a protagonizar el film, ambos conectaron a las mil maravillas y tuvieron una excelente relación, a pesar de que el director de la futura "Instinto Básico" demostró ser un director tan exigente y duro como el otro gran secuaz de Arnold Schwarzenegger en su carrera: James Cameron.
  
  Verhoeven se ecargó de la reescritura del libreto final para almodarlo a la personalidad cinematográfica de héroe del actor, añadiendo secuencias de acción que le permitieron dar rienda suelta a su gusto por la violencia brutal, cínica y descarnada, y como era de esperar, a pesar de tratarse de un film "mainstream" tampoco se privó de añadir su sátira feroz y sus habituales toques de erotismo, aunque esto último algo más licuado de lo habitual en él(Al fin y al cabo se trataba de un film de presupuesto estratosféricos y en USA tienen menos tolerancia a la representación del sexo que a la de la violencia). Pero quedan momentos como la mutante de 3 pechos.

  Para el reparto Verhoeven se trajo como villanos a Ronny Cox, que ya había hecho tales labores en "Robocop" y a Michael Ironside, a quien había querido contratar para interpetar al cyborg policía, pero tuvo que desechar dicha idea porque el actor tenía una complexión demasiado ancha y achaparrada para que luciera bien con la armadura puesta.  Pero la gran revelación estuvo en el lado femenino del casting. Evidentemente no me refiero a Rachel Ticotin, la morena actriz neoyorquina de orígenes puertorriqueños que interpreta a Melina  la heroina compañera de aventuras del personaje de Arnold Schwarzenegger, sino a Sharon Stone, que encontró en esta película el punto de despegue de una carrera que hasta entonces se había caracterizado por apariciones en bodrios como "Loca Academia De Policia 4" o una de las películas de Allan Quatermain protagonizadas por Richard Chamberlain y producidas por la inefable Cannon Pictures.  En su papel de sensual villano, la actriz mostraba una mezcla entre morbosidad y frialdad, que rememoraba mucho a las enigmáticas musas rubias de los thrillers de Alfred Hitchcock, por lo que Verhoeven no lo dudó cuando 2 años más tarde buscaba su protagonista femenina para su thriller erótico "Instinto Básico", el film que definitivamente terminó de poner a Sharon Stone en el Olimpo de Hollywood.

  La película se rodó en México ya que allí existía la combinación perfecta de arquitectura futurista(Imprescindible para la ambientación del film en una época en que aún  no se podían recrear paisajes urbanos  como la de "El Quinto Elemento" con CGI  y pantalla verde) y la existencia de unos grandes estudio como los Churubusco, donde se podían crear los inmensos sets necesario para la película que recreaban la fictica colonia minera de Marte o las milenalias instalaciones alienígenas escondidas en las entrañas de una montaña de forma piramidal en dicho planeta.

    El film fue un éxito enorme en todo el mundo, no solo a nivel económico(261 millones de entonces) sino también por parte de la crítica que dieron bueno incluso al elemento que más dudas generaba: La interpretación de Arnold Schwarzenegger en un papel mucho más exigente de los que había interpretado hasta entonces, en el que sin llegar a asombrar cumple sobradamente. De hecho el propio Schwarzenegger es tan consciente de la importancia que este papel tuvo en su carrera de cara a ganar "la respetabilidad" como actor que años más tarde tituló "Desafio Total" a su autobiografía. Otro triunfo del film fue que la empresa "DreamQuest" ganó el Oscar a los mejores fx´s venciendo a la hasta entonces casi imbatible "Industrial Light & Magic" de George Lucas que ni siquiera vio film suyo alguno nominado.

     La obra de Phillip K. Dick, tras el fracaso años atrás de "Blade Runner" se puso por fin de moda en el cine y en años venideros aparecieron nuevas adaptaciones de sus obras, incluido un "remake" de este mismo film tan correcto como aséptico (Len Wiseman está a años luz por detrás de Verhoeven y aunque Collin Farrell es mejor actor que Arnold ni de lejos tiene su carisma para liderar un film de acción y aventuras). Durante años incluso se intentó hacer una secuela a pesar de que el film tenía un final perfectamente cerrado y se puso las miras en otro relato de Phillip K. Dick para adaptarlo y convertirlo en secuela: "Minority Report", pero finalmente se acabaría llevando a la pantalla como una historia independiente, de forma bastante brillante, por Steven Spielberg con Tom Cruise en 2002.  En 1999 se estrenó "Desafio Total 2070", una serie de TV concebida como secuela del film de Paul Verhoeven pero que tenía más en común con "Blade Runner" que con la propia "Desafio Total"

[rafaelgg]

Vamos a rememorar ahora un film que se estrenó como "cinta familiar para ver en familia" cuando en realidad se trata de una de las gamberradas más subversivas que se ha hecho jamás dentro de los blockbusters. Porque por mucho que algunos aleguen cosas como "Deadpool"  no hay que olvidar que esa franquicia se estrenó con calificación "R" mientras que esta se vendía como la película con la que pasar un rato con tus hijos:

  "GREMLINS 2: LA NUEVA GENERACIO":




  El primer film de los traviesos diablillos se había convertido en todo un éxito en 1984  y colocó a Joe Dante dentro de los grandes estudios tras sus primeros pasos en la serie "B" dirigiendo para Roger Corman "Piraña"(1978) y más tarde para Embassy Pictures(Productora muy afín en los últimos 70 y primeros 80 a colaborar con directores del género fantástico como John Carpenter o el propo Dante) "Aullidos". Pero el éxito de estos films no puede equipararse con el que consiguió "Gremlins", donde el gusto por la sátira y el humor negro del bueno de Dante, junto con los toques de fabula tierna y amable de Spielberg no se anulaban sino que creaban un cóctel ideal para generar el perfecto film navideño de los 80.

  La idea de una secuela no fue idea de la Amblin de Spielberg como podría pensarse, sino de Warner que quería que el realizador empezase "ipso facto" la producción de una secuela. Sin embargo Dante nunca ha sido muy  de plegarse a los requerimientos de los estudios y además consideraba que el film tenía un final perfecto, así que hizo oídos sordos y además el rodaje de dicho film había sido agotador, por las dificultades con los efectos animatrónicos, po lo que preferió centrarse en otros productos como el film "Amazonas en la luna"(1987) codirigido junto a otros cuatro directores(Entre ellos John Landis) en donde se parodiaba las cintas fantásticas de serie "B" del pasado que eran carne de emisiones televisivas noctámbulas y varias producciones para Amblin como "Exploradores"(1985), "El chip prodigioso(1987) y "No matarás al vecino"(1989) para "Imagine Entertaiment", la productora de Ron Howard y su socio Brian Grazer. Sin embargo, de todas ellas tan solo esta última comedia con Tom Hanks fue un éxito en taquilla: "Amazonas..." fue un fracaso al igual que "Exploradores"(De los pocos que tuvo Amblin en los 80 en el seno del cine juvenil) y aunque "El chip prodigioso" funcionó muy bien en el mercado internacional, en la taquilla estadounidense sus resultados económicos fueron algo débiles.

  En vista de esto Dante tuvo que reconsiderar su negativa inicial y aceptó el film a pesar de que, como él mismo reconoció posteriormente, había pasado demasiado tiempo desde el film original para retomar de nuevo a las criaturas(Hoy estamos acostumbrados a secuelas que se retrasan 5, 6, 7 o más años pero entonces no era lo usual y el público estaba acostumbrado a que la continuación llegara 3, 2 o incluso solo 1 año más tarde). Pero como ocasión "sine quan no", exigió un total y absoluto control creativo y a pesar de que el film costó unos astronómicos para entonces 50 millones de dólares(El año anterior  "Batman" le había costado a Warner "solo" 35 millones), la major cumplió su promesa y dejó hacer a Dante todo lo que quisiera.

    Dante contactó con el guionista, novelista y actor ocasional(Aparecería en 1994 en el futuro film de Dante "Matiné") Charlie S. Haas y concibieron uno de los guiones de espíritu más "destroyer" que se pueda imaginar. Un libreto que no era más que un encadenado continuo de "gags", algunos de un surrealismo digno de los mismísimos Monty Python, sin una esqueleto argumental que la sustentase, tan solo a partir de la premisa: "Los Gremlins invaden un edificio dotado de la más alta tecnología propiedad de un socias de Donald Trump".

  Porque en una época en que el hoy presidente de los Estados Unidos era el ejemplo a imitar por millones de norteamericanos como ejemplo del perfecto triunfador, Dante y Haas, a través de dicho socias Donald Clamp(Que usa com símbolo de sus conglomerado empersarial una "C" oprimiendo una bola del mundo hasta aplastarla como si fuera una tenaza, como vemos no fue muy sutil Dante) satiriza de forma cruel tanto a la figura del empresario, retratado como un tipo algo memo y totalmente desconectado del daño que hace con su labor en pro de consumismo más feroz, como la sociedad y el modo de vida de consumismo extremo que promueve en el interior de ese edifico, en el que la moderna tecnología, lejos de hacer la vida más cómoda a las personas, acaba siendo fuente de continuos problemas, siendo los Gremlins la representación evidente de estos(De hecho la nueva "camada" surge por culpa del mal funcionamiento de una fuente que acaba mojando a Gizmo. No deja de ser irónico que dicha crítica satírica al consumismo se hiciera a través de un "blockbuster" de Hollywood diseñado no solo para vender millones de entradas, sino para generar una gran cantidad de merchandising. Eso sí el "Clamp" de Dante, que al final de la película encontraba el amor con una mujer llamada "Marla"......el mismo nombre que la que en 1999 contraería matrimonio con "Trump" demostraba al final del film tener buenas intenciones y sensatez, cosa que de momento cuesta ver en actual inquilino de la Casa Blanca. 

  El precio a pagar por este enfoque fue la perdida de esos toques de "cuento de terror para niños" que hicieron al film original tan especial(Y polémico), totalmente desaparecido en favor de un tono tan abiertamente "cartoon" que hasta Bugs Bunny y el Pato Lucas aparecían al principio del film junto al logo de Warner para presentar el film.

  Zach Galligan y  Phoebes Cates, que a pesar del éxito del primer film no habían conseguido establecer una carrera sólida en Hollywood volvían a interpretar a los ahora algo menos jóvenes y casados Kate y Billy.  El entrañable Dick Miller, secuaz habitual de Dante y la actriz Jackie Joseph volvían como el señor y la señora Futterman. Teniamos nuevos colaboradores como el siempre excelente John Glover(El Lionel Luthor de "Smallville") como el cretino pero en el fondo de buen corazón Donald Clamp, Robert Picardo, otro secuaz habitual de Dante, como un empleado de Trump algo despótico, Robert Prosky, como un actor de segunda, empleado de los estudios de tv Trump y que va siempre caracterizado como el Dracula de Bela Lugosi(Los habituales guiños del director al fantástico) clásico) y un Christopher Lee pasándoselo en broma en el papel de "mad doctor" tan arquetipico y cliché que es una parodia autoconsciente(El actor parece querer homenajear a sus producciones de la Hammer donde alguna vez interpretó a un científico de estas características).

  La sorna de Dante le llevó a ofrecerle a Leonard Maltin, afamado crítico que había valorado negativamente el film original por considerarlo inadecuado para el público joven al que iba dirigido, un cameo como él mismo , mostrándo en una escena como los Gremlins aparecían mientras el ponía a parar el film para hacérselo pagar caro (En el film también hay cameos de gente como Hulk Hogan y Paul Bartel, director de comedias "indie" muy popular en los 80, en un momento que es pura metaficción con la película "quemándose" porque los Gremlins supuestamente se han hecho con la sala de proyección, con Hogan apareciendo como un empleado de cine y Hogan como espectador de la sala exigiendo a los bichejos que vuelvan a poner la película. En su edición en video el "gag" no tenía mucho sentido por lo que fue sustituido por los Gremlins haciendo travesuras "catódicas" y John Wayne poniendo los puntos sobre las "ies".



   Pero evidentemente las estrellas son el adorable Gizmo y los traviesos diablillos que surgen de él. Chris Wallas, que se había encargado de recrearlos mediante animatronics rechazó la oferta debido a la ingente labor que signficaba esta vez. Esta vez había que recrear muchas más criaturas, en algunos planos debiamos de verlos de cuerpo entero caminando(Algo que casi no se vió en el primer film por las limitaciones técnicas de entonces) y además esta vez, tanto los "mogwai" como los "Gremlins" debían de tener una fisonomía propia cada uno que les hiciera diferenciables y que se ajustase a su personalidad. Esto último fue lo que atrajo al proyecto a un Rick Baker en un principio rehacio a limitarse a reproducir lo que  otro ya había hecho en el pasado. Otra de las aportaciones de Baker fue rediseñar a Gizmo, dándole a él (Y al resto de los mogwais) un aspecto menos cabezón, con difernetes ojos y con un pelo menos corto y encrespado en su rostro y orejas y boca más grande dándole una expresión aún más tierna a su rostro, como la de un bebé. Es la versión de Rick Baker de Gizmo y no la de Wallas, la que se ha ido quedando en el inconsciente colectivo(Y en el merchandising). Por supuesto el trabajo de Baker se beneficiaba de los  6 años de avances den animtaronica, siendo más sofisticados y luciendo una mayor movilidad y gestualidad:









 En cuanto a los Gremlins, además de darles facciones distintiivas, se les dio un aspecto más reptiloide a su piel y una mayor gestualidad facial


  Estrenada a mediados de junito el film perdió en su primer fin de semana en taquilla frente a la ultrapublicitada "Dick Tracy", el público no conectó con el tono anárquico, tremendamente irreverente y muy alejado del film original y algunas coñas, como el Gremlins "transexual" que adquiere la condición femenina por tomar hormonas y acosa sexualmente al personaje de Robert Picardo eran demasiado "burras" para los padres de mentalidad más conservadora. El film terminó recaudando en USA solo 41 millones, 9 de menos de su presupuesto y no consiguió ser el fenómeno que fue la entrega anterior, a pesar de contar con una fuerte campaña de productos licenciados de merchandising, entre ellos un videojuego para los ordenadores de 8 y 16 bits de entonces "made in Spain", pues de su realización se encargó Topo Soft, una de las empresas forjadoras del boom de los videojuegos de 8 bits hechos en nuestro país. Con títulos tan míticos como "La abadía del crimen".

  La caratúla del videojeugo en cuestión:



  Así era el juego en su versión 16 bits:



  El fracaso en taquilla, marcaría el principio de la devaluación de Joe Dante como director de confianza en la industria, lo que sumado a otros fracasos posteriores como la mencionada anteriormente "Matiné"(1993) haría que paulatinamente su carrera se fuera apagando hasta la situación en la que se encuentra hoy en día, prácticamente retirado del cine y realizando algún encargo esporádico para la series de tv como "Hawai 5.0"....Tan solo en 1998 su carrera pareció recuperarse con el éxito de "Pequeños guerreros". Triste ocaso para uno de los directores más interesantes, rebeldes y únicos del cine fantastico de los ochenta. Ojalá algún día vuelva al candelero: