Ell verano cinematográfico hace 45 años(1977)

[rafaelgg]

Hablar de los estrenos que tuvieron lugar en la temporada de verano, inevitablemente, conlleva hablar de esa película que a todos se nos viene a la mente. Pero por una vez aparquemos sacar a colación a esa saga cinematográfica que de tan omnipresente gracias a Disney, empieza a hacerse pesadísima, y demos prioridad antes de hablar de ella de otros films reseñables de aquella temporada:





  A finales de los 60 el hoy olvidado Peter Yates creaba una revolución en el cine en cuanto a como rodar escenas de persecución automovlisticas. Hasta ese momento, esas escenas consistian en alternas tomas en auténticos exteriores, consistentes en planos generales de los vehículos conducidos por los especialista, con otros rodados en estudios en los que los actores del reparto, con ayuda de metraje retroproyectado y un volante de pega, fingian ser ellos los que conducían esos coches. Yates cambió eso no solo al rodar el 100% de su mítica persecución en las calles de San Francisco, sino al situar al mismísmo Steve McQueen en el centro mismo de la acción, situando la cámara dentro del coche o bien adosada a la carrocería del vehículo, con tomas que delataban claramente que era el propio actor el que estaba dentro de un coche en movimiento, y dejando la participación del "stuntman" para planos generales fuera del vehículo que mostraran maniobras al volante que solo un experto de élite podría realizar. Una forma de rodar este tipo de escena que recientemente Matt Reeves ha replicado en "The Batman". Además era una época donde en Usa, a pesar de la crísis del petroleo de 1973, arrasaba la moda de los "muscle cars" que son básicamente coches con  de una potencia y velocidad digna de un superdeportivo europeo como los Ferrari o Porsche, pero asequibles al bolsillo de la clase media americana por carecer de los refinamientos y el acabado lujoso de estos. Osea un coche "de currante", pero con un motor gigantesco de 8 válvulas.

   A consecuencia de eso a finales de los 60 y sobre todo a principio de los 70, hubo un auténtico "boom" de películas que apoyaban parte de su reclamo(Cuando no todo este) en mostrar espectaculares escenas de vehículos desbocados por las calles os carreteras comarcales de la amplia red de Estados Unidos: "The French Connection"(1971) y "El diablo sobre ruedas"(1972) producida para televisión pero estrenadas en cines europeos, son los ejemplos más representativos, pero hay otros como "Gone in 60 seconds"(1974) dirigida, producida, interpretada y escrita por el especialista en conducción H.B Halicki que nunca conoció estreno en España(A diferencia de su famoso remake con Nicholas Cage), o "Punto límite cero"(1971) serie "B" dirigida por Richard C. Sarafian y con guion del mismísimo Guillermo Cabrera Infante. Estos dos últimos films destacaban porque quienes mostraban su habilidad al volante no eran policias como Bullit o Popeye Doyle persiguiendo a un maleante, o a un ciudadano anónimo como en el telefilm de Steven Spielberg, sino tipos que se situaban fuera de la ley y del sistema que usaban sus coches y las vías de asfaltos como forma de huída en un acto de rebeldía que les emparentaba con la figura del cowboy solitario de la mítica del "far west", también muchas veces situado al márgen de la ley.

    Si bien todas las películas mencionadas se caracterizaban por su tono dramático, poco a poco se empieza a dotar a estas películas de acción automovilística de un tono más distendido y ligero. Primero lo veriamos, curiosamente en una saga británica: La de 007, en dos de las películas de sabor más "americano" de la franquicia gracias a la intervención en ellas del guionista Tom Mankiewicz: "Diamantes para la eternidad" (1971) y "Vive y deja morir"(1973). Luego vendría "Moonrunners"(1975) film de bajo presupuesto protagonizado por James Mitchum. El film trata sobre una familia de fabricantes y contrabandistas de alcohol ilegal y de las continuas persecuciones que protagonizan huyendo de la policía debido a su negocio. Esta película es poco conocida en España pero en Estados Unidos tendría un peso cultural al ser la película que generó la ultrapopular serie "Los reyes del peligro" en original inglés "Dukes of Hazzard" emitida entre 1979 y 1985 con gran éxito de audiencia, o "Locos al volante"(1976) con Michael Sarrazin, una comedia de acción sobre una carrera ilegal desde Nueva York a California y los disparatados personajes que compiten en ella y donde vemos a un jovencísimo Raul Julia.

  En este contexto aparece la figura de Hal Needham. Needham nacido en Tennesse en 1931 era alguien que tras volver de participar en la guerra de Corea se introdujo al mismo tiempo en el mundo de la publicidad, del cine y la tv como modelo y actor ocasional, pero sería en estos dos últimos medios donde empezaría a despuntar como "stuntman" ejerciendo de dobles de actores como Richard  Boone, Clint Walker y ojo, a Burt Reynolds. La figura de Needham ha tenido cierta relevancia ya que el personaje que interpreta Brad Pitt en "Erase una vez Hollywood" es un sosicas de él(Aunque aclaro que Needham nunco fue sospechoso de haber matado a su mujer). El bueno de Hal se convirtió en los 60 y los 70 en uno de los profesionales de su gremio más solicitados y prestigioso.

  No obstante Needham aspiraba a ser algo más que un doble de acción y actor ocasional, quería dar el salto a la dirección, algo que consiguió de forma parcial cuando se convirtió en director de segunda unidad de "Rompehuesos"(1974) de Robert Aldrich, de nuevo aquí aparece el nombre de Burt Reynolds protagonista del film. Quizás inspirado por el exito de H.B Halicki con "Gone in 60 seconds" se decidió a escribir una comedia de acción centrada en la faceta de su trabajo que más le fascinaba: Las secuencias de acción automovilística. 
  
  Así pues el futuro realizador escribió una historia sobre un un par de pillos, apodados "Snowman" y "Bandit" que aceptan la oferta de un excentrico millonario y su también excentrico hijo de hacer un viaje de ida y vuelta de Georgia a Texas para recoger 400 cajas de cerveza "Coors", de contrabando. A esto hacer una aclaración del contexto. En esa época el traslado de dicha marca de cerveza más allá del este de Texas estaba prohibido por la ley norteamericana debido a la negativa de la marca de añadir conservantes y aditivos a su producto, lo que hacía que en pocos días se estropeara y no fuera apta ni saludable para el consumo humano. Por ello la ida y vuelta se deberá hacer en el imposible plazo de 28 horas y por eso ambos millonarios pagan a la pareja la astronómica cifra de 80.000 dólares y el precio de un muscle car de alta gama que conducido por "Bandit" servirá de cebo para atraer la atención de la policia. En mi opinión es pagar demasiado por 400 cajas de Coors, que por muy natural que sea no deja de ser allí la cerveza "de la clase obrera"(Vamos la Cruzcampo yanky) pero como se demostró en los tiempos de la ley seca nada como prohibir algo para que los yankys, en su rebeldía e individualismo, se obstinen en consumirlo.

   Todo irá sobre ruedas(Nunca mejor dicho), hasta que en su coche "Bandit" recoga a una novia a la fuga, Carrie, a la que apodará "rana", una bailarina reconvertida en novia al la fuga al decidir, a última hora, dejar plantado al muy limitado mentalmente hijo del sheriff del lugar. Dicho sheriff se tomará el plantón como una afrenta personal y les perseguirá a través de varios condados, sin importarle el tema de la jurisdicción e involucrando a las fuerzas policiales de los territorios por los que fugitivos y perseguidor pasan.

   La idea de Needham era la de hacer un film de serie "B" de 1 millón de dólares de presupuesto, con su amigo Jerry Reed en el papel de "Bandit", pero he aquí que Burt Reynolds leyó el guion y aunque le pareció bastante tosco, consideró que se podía sacar un film divertido de rodar(En su biografía admitió que se lo pasó en grande en el set) y de visionar, por lo que de repente, con el apoyo del que entonces era el actor de Hollywood más taquillero(Aunque al día de hoy casi todas  sus películas de la primera mitad de los 70 hayan caido en el olvido salvo "Deliverance") el proyecto pasó a ser una producción "mainstream" avalada por un gran estudio como Universal y con unos holgados 5 millones de prespuesto. No obstante a última hora Universal decidió restarle un millón a dicho presupuesto lo que fue un quebradero para Needham que a las puertas de iniciar el rodaje, tuvo que rehacer todo el plan de este.
    Asumiendo "Reynolds" el principal papel protagonista de "Bandit", Jerry Reed pasó a heredar el papel de "Snowman", el conductor del camión. Carrie, alias "Rana" fue a las manos de Sally Field debido a la insistencia por parte de su representante de que participara en una producción importante de estudio porque su carrera en ese momento lo necesitaba. Los ejecutivos de Universal no estaban muy de acuerdo con la elección porque consideraban a la actriz "Físicamente poco atractiva"(Que póco ha cambiado Hollywood ¿Verdad señores productores de "Top Gun: Maverick"?).  




   ¿¿¿Poco atractiva???. Desde luego los señores dirigentes de la Universal en el 77 debían ser unos autentico "follamisses".

  El papel del tozudo sheriff que persigue a los protagonists fue a parar al cómico Jackie Gleason y el nombre de su personaje: Buford T. Justice, era el de un auténtico sheriff de Florida para el que había trabajado el padre de Burt Reynolds. Aunque es evidente que la base de este tipo de sheriff paleto del sur está en el que interpretaba Rod Steigger en "El calor de la noche"(1968), el personajue de Gleason recuerda por su comicidad, más al  del sheriff J. W. Peeper que interpretaba Cliffton James en la ya nombrada película de 007 "Vive y dejar morir", y que de forma muy forzada, regresaría en la siguiente entrega de 007 "El hombre de  la pistola de oro".  Ambos son obesos, petulantes y no pueden evitar evidenciar su prejuicios sureños más profundos hacia los negros, así como su paranoia anticomunista. Mike Henry, el actor de imponente físico que interpretó a Tarzan a finales de los 80 y que aparecia tambien luciendo placa de sheriff en "Rio Lobo"(1970) de Howard Hawks, encarnaba al estúpido hijo del sheriff al que acompaña en todo momento.

   Parecido más que razonables.

     Tras su estreno, la película se convirtió en Estados Unidos en el mayor éxito de ese año solo superado por "la otra" película de 1977 que todos tenemos en mente. 125 millones nada más y nada menos solo en USA y aunque la cifra no es muy fiable, se estima que recaudó 300 en todo el mundo. Eso la colocaría como la tercera de más éxito a nivel mundial, por encima de otros títulos como "Fiebre del Sábado Noche", "La espia que me amo", "Abismo" o "Annie Hall". La película consagraría a Burt Reynolds como una variante de tipo duro de la pantalla  más pícara y simpática que la que encarnaba en aquellos años su rival Clint Eastwood, pero incluso el éxito de este film hizo que el interprete de "Harry el Sucio", optara por explorar una versión más ligera de su imágen cinematográfica con el díptico "Duro de pelar" (1978) y "La gran pelea"(1980) con el personaje del camionero Philo Beddoe acompañado de su fiel orangután Clyde, siendo además ambos, films que también estaban dirigidos por  un "stuntman" metido a director: Buddy Van Horn.

    Estamos ante una película que tanto en su premisa argumental como en su desarrollo no podría ser más simple. Toda a la pelicla es una continua persecución sin pausa a mayor gloria de la otra gran estrella de la película: El Pontiac Trans Am del 77 que conduce Burt Reynolds, que tuvo la suerte de ser escogido por Hal Needham tras verlo en una publicidad gráfica y que no pudo tener mejor "spot" que esta película, haciendo que su proyección de ventas se disparase(En realidad Pontiac cedió 4 módelos que eran del 76, no del 77 pero con las parrillas delanteras cambiadas). Protagonizando escenas de saltos, acelores y derrapes que, quizás a los ojos de los espectadores de los 70 podrían parecer lo más en cuanto a espectacularidad, pero que a la generación actual criada a la sombra de producciones como la franquicia "Furious" no los parecerá nada del otro mundo. Es en la plasmación de estas escenas donde la dirección de Needham pone toda la carne en el asador siendo la labor de dirección en el resto de la película de lo más impersonal, pasando totalmente desapercibida. Tan solo hay cierto nivel en la presentación de los personajes de padre e hijo millonarios, "Big Enos" y "Little Enos Burdette, interpretados por el físicamente enorme Pat MacCormick y por el minúsculo Paul Williams, que vestidos con sendos trajes de millonario texano celeste pastel, parecen sacados de una comedia surrealista de los hermanos Coen. Incluso da la impresión de que pudieron servir de inspiración a Mike Myers para los personajes de Doctor Maligno y MiniYo(Aunque Myers en su momento comentó que la idea le surgió de la versión del Doctor Moreaus interpretada por Marlon Brando donde aparecía Verne Troyer, el actor que interpretó al clón en miniatura de su personaje). Pero más allá de este detalle el retrato de los personajes no podría ser más superficial y epidermico, reducido a simples estereotipos y donde la improvisación en los dialogos por falta de unos bien escritos salta a la legua.


 
    A todos aquellos que os escandalizais porque las películas de Marvel o DC dirigidas por James Gunn ó Taita Waikiki, obtengan el visto bueno de la crítica que según vosotros no merecen por simplonas y de humor poco sofisticado deciros que,  a pesar de las múltiples carencias de este film y de su descerebrada  simplicidad que por comparación, convierten "Thor Ragnarok" o "The Suicide Squad" en poco menos que densos dramas shakesperiano, fue un éxito de crítica en su momento en Estados Unidos, y que incluso aquí, en su momento un medio como ABC en su reseña la aplaudió considerando que se necesitaban más propuestas ligeras y festivas de este tipo, casi poniendo a Hal Needham a la altura de un Blake Edwards. Bien es cierto que en aquel marzo de 1978, cuando se estrenó el film en España, la cartelera estaba azotada por una invasión de todo ese cine europeo y de autores como Passolini o Fassbinder que durante años, debido a la censura, no podía haberse estrenado antes y que se unía al de la misma naturaleza que se producía en el viejo continente entonces, que era abundante, y que por ello dicha cartelera estaba saturada de dramas intelectualmente densos y/o narrando historias oscuras y deprimentes. Quizás en ese contexto sea explicable que un divertimento tan intrascendente como este fuera tan bien reecibido. Un divertimento que a pesar daba para seguir explotándolo  generó 2 secuelas. La primera de ellas en 1980 recaudó en USA la mitad de su predecesora pero que bastó para que siguiera siendo un éxito de público, que no de crítica, que la vapuleo por unanimidad. La tercera, estrenada en 1983, con Jerry Reed subido a protagonista y Reynolds limitándose a hacer un cameo, ya fue un fracaso a todos los niveles que acabó la franquicia. Si bien en 2020 apareció la noticia de que Seth McFarlane planeaba un remake en forma de serie de tv.

[rafaelgg]

Si en eh el hilo del 82 va a tener un gran protagonismo los extraterrestres y seres de otros mundo, en este del 77 dicho protagonismo va a acapararlo en gran parte los vehículos de ruedas y a motor, porque al film anterior añado ahora este que hacehonor al adjetivo de su título:





    A mediado de los 70 William Friedkin era uno de los más alabados y cotizados directores del Hollywood, entonces ilustre representante de una nueva ola de cineastas como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Roman Polanski, Robert Altman, John Schlezinger o George Lucas, los cuales se habían convertido en el relevo generacional de ilustres maestros del Hollywood clásico(John Ford, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, Fritz Lang....) todos retirados ya salvo Billy Wilder(Aunque el austriaco enfilaba ya el final de su carrera). Además habían llegado pisando fuerte estableciendo unos nuevos moldes narrativos, muy influenciado por movimientos europeos como la nouvelle vague francesa, el neorrealismo italiano o el Free Cinema inglés y habían terminado de desmontar el ya caduco código Hayes tocando temáticas hasta entonces tabú como las drogas, el sexo, el satanismo y la violencia brutal y sangrienta. Friekin era de los mejor situados gracias al éxito en taquilla y el triunfo en los oscars de "The French Connection"(1971) y el exito económico aún mayor de "El exorcista"(1973) tenia la industria a sus pies y podía hacer lo que quisiera. Al final el cineasta acabaría emborrachado de esa liberta y poder y lo acabaría pagando.

   Habiendose escogido los productores al más veterano John Frankenheimer para la secuela "The French Connection 2"(1975), no se sabe si porque Friedkin rechazó la oferta de trabajar con los nuevos productores o porque estos temían colaborar con él(Esto último muy posible, dada lo que se va a contar aquí). el director nacido en Chicago en 1935 puso sus ojos en uno de sus grandes deseos: Reversionar "El salario del miedo"(1953) film de suspense francés que se había convertido, en los años 50 en uno de los pocos films franceses en adquirir un éxito a nivel global. Sin embargo, antes de ponerse a la obra quiso entrevistarse con el director de aquella Henri-Georges Clouzet y obtener el visto, bueno, cosa que consiguió(Friedkin se lo agradeció dedicando su película al director galo). Con la filosofía, no de hacer una fotocopia del la película original sino una nueva versión de la novela de Georges Arnaud en la que se basa este, comprando los derechos al escritor que es quien los poseía.
   
  Comenzaría un proyecto que se acabaría convirtiendo en una odisea con tintes de pesadilla, un viaje al corazón de las tinieblas similar al que muy poco después viviría su colega Francis Ford Coppola con "Apocalipse now", cinta con muchos paralelismo con la que en un principio iba a titularse "The wage of fear"(Tal y como se llamó el original en el mercado anglosajó para terminar llamandose "The socerser"(El hechicero)  elección de título que a la postre resultaría poco atinada, mientras que aquí la conoceriamos con el más atinado de "Carga maldita".

    El film se inició como un proyecto con un modesto presupuesto de 2,5 millones de dólares, pero la megalomanía de su realizador dejó claro desde un primer momento que iba a ser algo mucho más costoso. En primer lugar, fiel a su estilo documentalista y realista, Friedkin quiso desde un primer momento no solo rodar en diferentes zonas del mundo.  A fin de diferenciarse del film de 1953 quiso que el recorrido de los protagonistas con sus dos camiones llenos de explosivos, en lugar de situarse en un territorio árido y desertico, tuviera lugar a través de una forndosa e impenetrable junga, por lo que se escogió en primer lugar Ecuador como lugar de rodaje. No obstante cuando se vio que el rodaje en dicho país sería excesivamente caro se cambió por la República Dominicana. Finalmente el rodaje se tendría que hacer entre ese país México. Además de tomas en Estados Unidos: En Nueva Jersey y Nuevo Mexico. Pero es que además, de nuevo para diferenciarse de la versión previa, Friedkin quiso desarrollar una primera parte, se narraba 4 segmentos que narraban los antecedentes de los que pasarían a ser los protagonistas del peligroso viaje por la jungla. Cuatro individuos procedentes de las más remotas partes del mundo: Francia, Israel, Mexico y Estados Unidos, insistiendo el director en ir a grabar en todos esos lugares a pesar de que en algunos casos dichos prologos eran de muy escasa duración (En concreto el del asesino latinoamericano y el terrorista palestino). Aparte claro de las dificultades de rodar en territorio israelí en una época en que el conflicto con el pueblo palestino estaba en una fase muy virulenta. Sin embargo Universal, encantada de tener bajo su manto aceptó paulatinamente los aumentos de presupuesto que las decisiones de Friedkin conllevaban, aunque en un momento dado decidió asociarse con Paramount para coproducir la película y disminuir el riesgo financiero. Friedkin llegó incluso a despedir  productor David Salven, colaborador con él en "El exorcista"porque según él gastaba excesivo dinero buscando localizaciones y prefirió asumir las riendas él mismo.

     Con un guion escrito por Walos Green, capaz de lo mejor("Grupo Salvaje" de Sam Peckinpack) y lo peor ("Robocop 2") que creaba nuevos personajes y las circunstancias que les llevaba a un remoto país sudamericano, empezó la tarea de casting que fue bastante frustrante, ya que de los cuatro elecciones iniciales para los protagonistas, solo el actro francomarroquí Amidou(1935-2013) sería el aceptar, en el papel del terrorista palestino que habiendo huido de una redada por parte del ejercito y la policía israelí tras cometer un atentado, acaba en un ignoto país sudamericano. 

   Para el papel de Jackie Scanlon, delincuente de poca monta que ha de huir porque en un fallido atraco ha sido herido de bala el hermano de un poderoso gangster y este busca represalias(A pesar de que Jackie ni siquiera fue el agresor porque actua como conductor, no como pistolero) Friedkin quería a Steve McQueen, pero este se mostró esquivo a viajar a centroamerica para un largo rodaje a no ser que su mujer obtuviera también un papel o al menos actuara de productora, ya que no quería separasre de Ali McGraw tanto tiempo. Inasumible para el director la otra opción propuesta por el actor: La de rrodar en Hollywood en falsas localizaciones, el director giró la vista hacia actores como Gene Hackman, Jack Nicholson, Clint Eastwood o Kriss Kirsstoferson, que lo rechazaron alegando que el guion era demasiado violento o que al igual que McQueen no deseaban rodar en sitios tan apartados de la civilización. Al final el papel iría a manos de un Roy Scheider con el que ya había trabajaod en "Teh French Connection" y que se había convertido en una estrella gracias a "Tiburón". Con el tiempo el realizador afirmaría que fue la peor elección de casting que había hecho nunca ya que aunque la actuación de Scheider le pareció excelente, el actor siempre manifestó su preferencia por papeles secundarios y no tenía mentalidad de estrella. Quizás por eso la relación entre actor y director fue muy conflictiva, negándose el primero a hacer caso a las sugerencias que le daba el segundo. Aún así Scheider dio muestras de un gran compromiso y profesionalidad al ser el mismo el que condujera uno de los camiones en varias secuencias peligrosas, en especial aquella en la que su personaje a de conducir y atrvesar un puente en ruinas, que el propio actor consideró siempre como la escena más peligrosa que había hecho nunca. Al final llegaría a declarar que el tortuoso rodaje de "Tiburón"  había sido un día de picnic comparado con el de "Carga maldita". Lo cierto es que gran parte de las escenas peligrosas en las que los personajes conducianel camión por estrechos y pedregosos caminos solían ser realizadas por los propios actores, para frustración de unos "stuntman" que acababan siendo meros espectadores en el set.



   Uno de los referentes para la caracterización del personaje de Scheider fue el que interpretaba Humphrey Bogart en "El tesoro de Sierra Madre".

  Marcelo Mastroniani era la elección para interpretar al corrupto banquero francés cuyos turbios chanchullos le obligan a huir(Dada la nacionalidad del actor ignoro si originalmente el personaje mantenía esa nacionalidad gala) mientras que Lino Ventura debía interpretar a Nilo, el asesino profesional que a última  hora se une al grupo(Mientras que en la versión de Clouzot se insinuaba que el personaje equivalente asesinaba al conductgor inicialmente elegido para sustituirle, aquí dicho asesinato queda bastante evidenciado), ya que deseaban compartir escenas con Steve McQueen, pero cuando este se bajó del proyecto, lo hicieron ellos. siendo sustituidos por Bruno Cremmer y por nuestro Paco Rabal(Que no olvidemos era la elección original de Friedkin para el papel que realizó Fernando Rey en "The French Connection"). Rabal no quedaría demasiado satisfecho de su participación en el film, tanto por su trayerctoria en la taquilla mundial, como por el hecho de que tras soñar durante años con rodar una película de Hollywood cuando por fin tuvo la oportunidad acabó rodando en diversas localizaciones del mundo pero no en la propia meca del cine. Además su personaje quedó tremendamente desdibujado por culpa de los recortes en el montaje que exigieron los productores, reduciendo al mínimo el prólogo dedicado a su personaje y haciendo desaparecer todas las motivaciones de este.

  Sin embargo hay otros dos protagonistas, tan importante como los 4 mencionados: Los dos camiones. Bautizados con los biblicos y mitológicos nombres de "Lazaro"(Que entronca con las motivaciones de los personajes de "renacer" a través del premio por su trabajo dejando atrás sus pecados comentidos y el purgatorio al que estos les han llevado) y "Sorcerer"(Hechicero). Este último nombre debido a las resonancias místicas y filosóficas que la historia tenía para el director, ya que para él lo que contaba era la historia de como 4 personas intentaban tomar el rumbo de su destino y lo futil de su intento porque el ser humano siempre está sometido al capricho de fuerzas esotéricas que rigen su destino. El diseñador de producción John Boix y Friedkin, tomaron buena nota de lo conseguido por Steven Spielberg con "El diablo sobre ruedas" a la hora de mostrar el rostro de un camión como el de una bestia mitológica, con faros que recordase a ojos y parrillas a hileras de dientes, creando unos vehículos mucho más estilizados y expresivos que los del film de 1953 que no hubieran desentonado en en "Mad Max: Fury Road":







   Un aspecto a destacar es como Friedkin en su visión de la historia de Arnaud hace prevalecer el retrato de personajes sobre el suspense en el que se ceñia la original. Tan solo en el segmento central del film vemos alguna escena de tensión que rememora las de Clouzot. Al mismo tiempo hace gala de un tono mucho más politizado, con una nada sutil crítica al colonialismo norteamericano, perfectamente reflejado en el dibujo del poblucho donde los 4 protagonistas huyen de sus pasadas vidas. Dicho poblucho situada al lado de un rico yacimiento petrolífero, explotado por una empresa norteamericana(Cuyo logo se parece sospechosamente a los de la simbología nazi) con la complicidad de un regimen dictatorial(Vemos fotos del dictador y este guarda un sospechoso parecido físico con Pinochet, que no olvidemos llegó al poder con ayuda de los Estados Unidos). Una empresa que tras una explosión enorme, entrega a los familiares de los trabajadores fallecidos, los cuerpos calcinados de estos envueltos en plastico, tirándolos desde lo alto de un camión como quien tira desperdicio.  Además  a pesar de esa riqueza natural el pueblo es una autentico vertedero de calles enfangadas sin asfaltar, chabolas o edificios carcomidos por la humedad ambiental, basura y vehículos a motor oxidados y desvencijados, todo mostrado con un naturalismo sin filtros ni edulcorantes que hace que dificilmente esta película pueda usarse para potenciar el turismo en la República Dominicana. A ello mucho la fotografía a cuatro manos de John M. Stephen y Dick Bush(Este sustituyendo al primero) que hace que practicamente huelas el olor a basura del lugar y que convierten los planos de la selva donde los personajes realizan su viaje no en postales de un paradisiaco vergel, sino en una escenografía tétrica y lóbrega, de bochornosa humedad que asfixia a los protagonistas en su propia sudoración, donde abundan los momentos bajo cielos nublados con con lluvia torrencial y que incluso cuando se rueda en dias soleados, la luz atraviesa con dificultad la frondosidad de la vegetación. Uno no puede evitar pensar que cuando 10 años más tarde rodaron "Depreador", tomaron notas de este film sobre como convertir la selva en un lugar sombrió, casi gótico, ideal para una pesadilla de terror.
  
  Tras 2 años luchando afanosamente por terminar el film este se estrenó en junio de 1977 en medio de una gran expectación, pero aunque los primeros días la afluencia del público a los pases fue bastante buena, esta fue declinando de forma meteorica, al mismo tiempo que una película llamada "Star Wars" que se había estrenado un mes antes en unas pocas salas, iba aumentando de forma escandalosa su recaudación a medida que aumentaban las salas donde se exhibian. A ese respecto Bud Smith, montador de la película, ya profetizó la situación el día que fue a ver "Star Wars", precedida por el trailer de "Carga maldita". Tras la exhibiciónb del trailer, el cierre de las cortinas y la apertura de este para ver el film de Lucas, y ser testigo de la reacción del público ante la icónica aparición del destructor imperial sintió que por comparasión "Carga maldita" era una pelicula amateur cutre y se puso en contacto con Friedkin para decirle literalmente, "Nos han volado de la pantalla". Para colmo de males, titular a la película "Hechicero" en una época en que la audiencia no le resultaba tan fácil como hoy informarse sobre la temática del film, promovia una percepción erronea, haciendo creer a alguno que se trataba de una película de género fantastico que justo en ese momento empezaba a consolidarse como bastión de la taquilla(A pesar de que el cartel de la película dejaba claro que no era precisamente un film basado en Tolkien).
   
  Al final el resultado no pudo ser más desastroso, ya que Paramount y Universal habian gastado 22 millones para conseguir una recaudación de 5,9 millones en USA y 9 a nivel mundial. El solo hecho de pensar que Friedkin se había gastado el doble de lo invertido por George Lucas en su épica space opera, solo para contar la historia de 4 tipos moviéndose lentamente en 2 camiones por una selva, es para volarle a uno la cabeza. Es como si en 1997 Johnathan Mostow para rodar "Breakdown" se hubiera gastado el doble que Steven Spielberg en "El mundo pérdido". El exceso de ego, megalomanía y carácter incendiaro mostrado en el set del director de "The French Connection" al final le pasaba factura y con esta película terminaba con las majors de Hollywood, siendole a partir de entonces, mucho más difícil, conseguir que le contrataran.

  Pero además el fracaso en el mismo verano de "Carga maldita" y el éxito de "Star Wars" y en menor medida también el de "Los caraduras" evidenciaba una realidad: Que ese momento de bonanza artística y libertad creativa que vivieron ese grupo de realizadores que en los 60 y 70 habían conseguido triunfar en taquilla con películas que no renunciaban a la excelencia artística("El padrino", "Taxi Driver", "Chinatown" o las ya mencionadas cintas de Friekin) tocaba a su fin y que con "Star Wars"  certificaba una nueva era iniciada previamente con "Tiburón" en la que Hollywood se guiaría por parametros mucho más mercantilistas. Enfocando la temporada veraniega y los altos presupuestos a películas de puro entretenimiento, ligeras y con una temática y tono que las hiciera accesible y atractivas a todo tipo de público, especialmente el infantil, siendo este un consumidor compulsivo del merchandising de aquellas películas que le toquen la fibra. La audiencia había dictado sentencia y había dejado claro que quería naves espaciales y Pontiac Trans Am moviendose a ritmo vertiginoso en la gran pantalla, no pesados camiones moviéndose a 20 por hora, y que a la hora de abordar el género de aventura, no quería lentas, adultas y oscuras historias introspectivas de personajes y alegóricas entroncadas con Ernste Hemingway , Herman Melville, Joseph Conrad o en el propio cine, John Huston,  sino que el púbilco quería que las referencias fueran los seriales de los años 30 con su ritmo acelerado, su tono alegre y ligero, su acumulación vertiginosa de secuencias de acción y sus personajes basados en arquetipos sencillos, como quedó demostrado de nuevo en 1981 con "En busca del arca pérdida", film cuya recaudación convertía la de "Carga maldita" en pura calderilla. Y así hasta el día de hoy..

  No obstante al día de hoy "Carga maldita" es un film de culto objeto de una fuerte revindicación, lo que ha motivado una edición en blu ray de la películ ade una excelente calidad. Incluso William Friedkin, a pesar de las mutilaciones a las que fue sometida por el estudio en el momento de su estreno, al día la considera su film preferido por encima de sus éxitos más taquilleros.

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 El mundo de los escritores "Best Sellers" es altamente volatil. Existen casos como el de Stephen King o Michael Chricton cuya popularidad consigue mantenerse más allá del momento en que su fenómeno eclosiona y su libros se venden por millones. Pero en la inmensa mayoria se tratan de un fenómeno pasajero que se desvanece con el tiempo. Pasó en los 60 con Ian Fleming cuando las películas hicieron que las aventuras literarias de 007 se vendieran como la espuma. Ha pasado recientemente con los hoy bastante olvidados John Grisham y Dan Brown(Este último aún mantiene algo de la popularidad pero a años luz de la época de "el código Da Vinci".

    Uno de esos fenómenos efímeros fue el de Peter Benchley. Un autor que de la noche a la mañana se encontró en la cresta de la popularidad gracias a la adaptación de "Tiburón" realizada por Steven Spielberg que barrió en las taquillas de todo el mundo. Pero la alta cotización de Benchely en la pantalla grande fue muy corta, ya que el fracaso de "La isla" film, que no tiene nada que ver con la película de Michael Bay, ya que se trata de una producción de 1980 dirigida c por Michael Ritchie con Michael Caine de protagonista sobre un reportero y su hijo queue en mitad del Caribe ha dee enfrentarse a unos piratas causante de la desaparición de varios barcos y yates. Producida por los mismos productores de Tiburón con un generoso presupuesto de 22 millones para adapta rla novela recien salida de la imprenta.. La película buscaba replicar el éxito de la película del escualo con las constantes habituales de las historias de Benchley: Aventuras en el mar en bellas localizaciones, aderezadas  con toques de thirller y terror. Pero el público no picó convirtiéndose en un fracaso en taquilla y de crítica que incluso le granjeó a Michael Caine una nominación a los "razzies". A partir de entonces solo la tv se interesaria por la literatura de Benchley a través de producciones televisivas como "La bestia"(1996) sobre un calamar gigante o "La criatura"(1998) muy libérrima adaptación de su novela "White squall".

   Sin embargo "Abismo" estrenada 3 años antes sí que llegó a conectar con la audiencia, contando una historia con muchos elementos en común con "La isla".

   Se nos narra las vicisitudes de David Sanders(Nick Nolte) y Gail Berke(Jacqueline Bisset) dos turistas que se dedican a realizar buceo en las Bermudas. En una de sus excursiones acuaticas encuentran un medallón y una ampolla de color ambarino. Asuzada su curiosidad buscan información en la figura de Romer Treece(Robert Shaw) antiguo cazador de tesoros,  ahora reconvertido en farero que les informa de que el medalón puede pertenecer al tesoro de un antiguo galeón español hundido. Pero al mismo tiempo la ampolla con el liquido hará llamar la atención de individuos más indeseables como Henri Cloche(Lou Gosset Jr) un señor de la droga que usa la magia negra como instrumento de terror en dichas islas y  que cree que dicha ampolla pertenece al cargammento de un barco de guerra norteamericano hundido durante la segunda guerra mundial, y que contaba entre los suministros que transmportaba, con una gran cargamento de morfina destinada para uso médico en el frente. Creyendo firmemente que una gran tormenta ha removido del fondo tanto el tesoro español como la carga de mofrinda, David, Gail y Romer iniciaran su busqueda al mismo tiempo que sufriran la amenaza y acoso de un Henri ansioso por conseguir a través de ello la droga. Pero además el trio descubrirá que en el fondo del mar hay otras alimañas igual o más peligrosas que Henri y su banda.



  Una pareja que era el perfecto reclamo para ellos y ellas.

   La película, dirigida por un especialista en el cine de acción y aventuras como Peter Yates("Bullit")fue la primera producción(Y el primer éxito en taquilla) del luego conocido y popular Peter Guber,  que más tarde se asociaria con el también productor John Peters para producir films tan exitosos como "Batman", "Rain Man" o "Gorilas en la niebla". La película salió al año siguiente de que Benchley publicara el original literiario gracias a que Columbia(El estudio que auspició el film) motivada por los millones que Universal había ganado con "Tiburón" adquirió los derechos cinematográficos de la novela antes de su publicación. Ese deseo de replicar el éxito de Spielberg queda aún más evidenciado por el hecho de que se contratara al gran Robert Shaw para un papel que tenía cierta reminisciencias con el de Quint en la cinta previa. Quizás por la fama de fuertre carácter que tenía el actor, no se puso pegas a su sugerencia de que se rodara la mayor parte posible bajo el agua, lo que obligó al reparto a recibir clases de submarinismo. 


  Robert Shaw compartiendo escena con el gran Eli Wallach(Este en un pequeño papel). Todo un choque de colosos y un lujo para el espectador.

   Aunque en determinadas tomas por razones logísticas para evitar la necesidad de descompresión, se realizó en un estudio en un tanque, gran parte del rodaje se hizo en las propias Bermudas y en la Gran Barrera Arrecife de Australia(Donde es fácil el avistamiento de tiburones). A diferencia de en "Tiburón", aquí Peter Benchley tuvo el privilegio de que se usasen sus servicios como guionista, si bien su libreto fue revisado por el guionista Tracye Keenan Wynn(El rompehuesos) y Tom Mankiewicz, entonces guionista habitual de la saga Bond  y posteriormente de varios films de Richard Donner como "Superman" y su primera secuela o "Lady Halcón"(1985)- Al mismo tiempo se permitió que Nick Nolte y Robert Shaw reescribieran parte de sus dialogos(Shaw era un excelente escritor como demostró cuando en "Tiburón" pulió el famoso monólogo del Indianápolis). Y hablando de la saga Bond, para la banda sonora se contó con el lujo de los servicios del gran John Barry.

   Sería injusto no mencionar la espectacular labor de dirección de fotografía, uno de los platos fuertes de la funciión, a cargo del operador Christopher Callis. Callis consigue no solo asombrarnos con majestuosos planos del paisaje de las Bermudas que quitan el aliento, sino que también sabe plasmar toda los colores, brillos y tonalidades de los fondos marinos mediante el uso de los sistemas de iluminación y cámaras más modernos, como la cámara "Peterman"). Sin duda "Abismo" es una de esas películas de los 70 que a pesar de no estar rodada con la tecnología audiovisual de hoy en día, sonn dignas de verse en formato HD.

   La película fue agresivamente publicitada por Columbia en el momento de su estreno en pleno verano y los resultados fueron óptimos, recaudando unos excelentes 100 millones de dólares a partir de un presupuesto de 9, aunque las críticas fueron divididas. Lo cierto es que "Abismo" es una pelicula que adolece de un ritmo algo lento y de escasez de escenas de acción o trepidante y esto se hace más evidente desde la perspectiva de los tiempos actuales en que el espectador exige que este tipo de historias estén narradas con un ritmo vertiginoso y las persecuciones, las escenas de peligro para los protagonista y los tiros /o explosiones trufen todo el metraje. Además la labor de Peter Yates no pasa de correcto limitándose en su puesta en escena a exhibir la belleza de las localizaciones y su pareja protagonistas, dos sex symbols de la época(Sí porque aunque parezca raro hubo una época en que Nick Nolte enloquecía a las mujeres gracias a su rudo papel en la teleserie  "Hombre rico, hombre pobre" que le permitió el salto  a una gran producción como esta.

  Entonces ¿Cual fue la clave del éxito de"Abismo"?. Peter Guber lo tiene claro y lo ha dicho sin tapujos. La clave fue esta:





  Pues sí amgos, porque aunque en 1977, al menos hasta donde yo se, aún no se hacían concursos de "Miss camiseta mojada", una Jacqueline Bisset de 33 años en toda su esplendorosa belleza, se pasa durante buena parte del metraje con una humeda prenda ceñida a su torso bajo la que sus evidentes encantos se vislumbran al transparentar dicha prenda. Para alegría de la audiencia masculina de entonces(Y la de ahora que puede ver esos turgentes pechos en HD en su tv de plasma. Puede que en el set, hubiera alguien encargado de ponerle un albornoz encima en cuanto saliera del agua para evitar que el equpo de rodaje se deleitara con la visión de su cuerpo, pero lo cierto es que Columbia no tuvo ningún reparo en usar la imagen de Bisset y su camiseta transparentadose para publicitar la película, y vaya si funcionó Peter Guber no ha tenido ningún reparo en afirmar que le debe su carrera como productor a esa camiseta mojada. Aunque supongo que en estos tiempos del "Me too", se cuidará muy mucho de repetir tal afirmación porque podría significar el fin de esa misma carrera.

  En fin ya podría la Jessica Alba en "Inmersión letal"(film muy similar a este) haber hecho lo mismo por nosotros.

  Como curiosidad final, el hecho de que la distribuidora de Columiba en España entonces, la extinta "Filmayer" registrara para esta película el título "Abismo", fue lo que obligó a que en 1989 la célebre película de James Cameron no pudiera estrenarse en España con su título traducido a nuestro idioma.

[rafaelgg]

Como dije en el verano del 97 fueron los bodrios, en el del 82 las películas con extraterrestre y en el 77 fue el verano cinematográfico de los vehículos a ruedas:



   (Pedazo de cartel que ese genio de la carteleria a mano pero aún así humilde persona que era Mac hizo para el mercado español).



   Los años 70 fueron años de bonanza para el el llamado "cine de explotación", gracias a la existencia de los cines de Grindhouse(En Usa) que aquí se llamaban "cines de sesión doble" (Como loos que había en los extrarradios de las grandes ciudades), los autocines que hacian su agosto(Nunca mejor dicho) en verano en el territorio USA o su contrapartida española que eran los cines de verano al aire libre(Que uno añora muchísimo).

    Ese cine de explotación que vivía a base de imitar los modos de las grandes producciones exitosas y a remolque de esta, y que fue perdiendo vigencia en las salas con la llegada del video domestico en los 80, no tenía porque tener venir solo de pequeñas productoras independientes, como la New Concorde de Roger Corman. Tampoco de productoras italianas, especializadas en "sucedaneos" más bien cutres de los grandes éxitos de Hollywood(De los que el ínclito productor José Frade se hartó a distribuir en España en los primeros 80) ni de Hong Kong. 

   A veces las mismísimas "majors" del cine norteamericano se atrevían a ofrecer este tipo de producto, cuyo bajo coste y predicamento entre el sector más joven de la población, que además gozaba de bastante tiempo de ocio que llenar en periodo estival, los hacían fácilmente rentables. Lo bueno es que, pese a ser producciones baratas, el que vinieran avaladas por un gran estudio faciliataba que los recursos económicos y materiales fueran más generosos de lo habitual y que en ellos hubieran involucrados personales más cualificados de lo habitual en este tipo de cine, de tal manera que el resultado era, por lo menos a nivel técnico mucho más refinado, por mucho que Quentin Tarantino y Robert Rodriguez con su díptico "Grindhouse", nos quieran vedner que todo ese cine era sinónimo de cutrez.

   En el caso de "Asesino Invisible" tenemos un película "explotation" de manual. Un film que bebe de dos éxitos previos de un director poco conocido aún llamado Steven Spielberg como fueron "El diablo sobre ruedas"(1971) y "Tiburón", mezclado con un aderezo de cine de terror de temática demoniaca que poco antes había hecho saltar la banca de la taquilla con "El exorcista"(1973) y "La profecía". El resultado una premisa que por delirante y absurda sobre el papel no deja de ser audaz, porque lo que tenemos aquí es la historia de como la tranquilidad de una sencilla comunidad norteamericana es sacudida por la llegada de un ente que comienza a acabar con la vida de los lugareños o de algún transeunte ocasional, obligando al oficial que lider la policia del lugar a enfrentarse a ella. Lo que ocurre es que dicha amenaza no se trata de un enorme tiburón escualo, ya que la comunidad se ubica en el seno de los deserticos parajes de Utah, sino de un misterioso y sobrenatural coche de color negro que según todos los indicios es la encarnación del mismísimo diablo. Así como suena.

  Semejante premisa argumental puede parecer propia de una de las costrosas películas producidas por el antes mencionado Roger Corman como "La carrera de la muerte del año 200". Pero aquí no es Roger Corman quien está detrás de la producción sino la mismísima Universal Pictures, y es por ello que pese a su tono de serie "B", nos encontramos con nombres que le dan un pulido a la película por encima de este tipo de producciones: Así en los mandos tenemos a un director de cierto prestigio entonces como era Elliot Siverstein, que había convencido años antes a público y crítica con dos westerns, la cómica "La balada de Cat Ballou"(1965), Que le granjeó a Lee Marvin el oscar como mejor actor por su interpretación de pistolero borrachuzo) y la más dramática "Un hombre llamado Caballo"(1970) film que cimentó el estrellato de Richard Harris. Esa experiencia en el género nortemericano por antonomasia(Y cuyo éxito permitió a Silverstein dejar el medio televisivo para consolidarse en el cinematográfico) se deja traslucir en la presente película, ya que por muchos momentos la película toma un tono de "western sobrenatural", gracias al trabajo de cámara del director, el cual saca un enorme partido a los monumentales paisajes desérticos de Utah. Claro que para ello cuenta con la alluda de reputado profesional como era el director de fotografía Gerald Hirschfeld, colaborador habitual de Mel Brooks para el que realizó la estupenda fotografía en blanco y negro de "El jovencito Frankenstein"(1974).



  Otra prueba de que aquí hay unos mimbres más cuidados de lo usual en este tipo de producciones es que la banda sonora corre a cargo del compositor Leonard Roseman, recien salido de colaborar con el mismísimo Stanley Kubrick en "Barry Lyndon"(1975). Al parecer fue idea del compositor el peculiar sonido del claxón del demoniaco coche fuera la letra "X" en código Morse. Al mismo tiempo para acrecentar las implicaciones satánicas de la historia, a la hora de crear el tema central, se basó en el "Dies Irae" de Hector Berlizzo tradicionalmente usado en las misas católicas(Tema que por cierto también usaría Stanley Kubrick para los títulos iniciales de "El resplandor"(1980). También que los efectos especiales corran a cargo del ilustre Albert Whitlock, colaborador habitual de Alfred Hitchcock y entre cuyos títulos se incluyen el "Dracula"(1979) de John Badham o "La cosa"(1982) de John Carpenter.



  En cuanto al reparto también aquí hay más mimo de lo habitual. El principal protagonista es un James Brolin que aún postulaba para convertirse en uno de los galanes prominentes de Hollywood(Aunque al final se tendría que conformarse con estrella televisiva de los 80 gracias a la serie "Hotel") y que en su papel de capitan de policia Wade Parent, que tras ver como el sheriff y superior suyo es asesinado por la maquina infernal ha de ser él quien se enfrente a la amenaza. Al igual que pasaba con el sheriff Brody de Rot Scheider, el personaje de Brolin se nos presenta como un individuo corriente a pesar del uniforme que luce, que deberá hacer acopio de todo su valor y astucia para proteger a sus convencinos y seres queridos como son sus dos hijas, fruto del matrimonio con su esposa ya difunta) y a su actual pareja Lauren(Kathleen Lloyd, actriz de carrera básicamente televisiva) de una amenaza que le sobrepasa. Entre sus aliados estará el oficial Luke Johnson, que se debate entre el miedo y la fidelidad hacia Parent, interpretado por un Ronny cox pre-Robocop que entonces no estaba encasillado en papeles de villano despreciable, sino en "buenos tipos" como este. 


 
  Cox y Brolin con unos looks más setenteros y melenudos de lo que estamos acostumbrados a verles.

  Pero de la misma manera que en "Tiburón" el principal protagonista es el escualo apenas vista, aquí sucede lo mismo col automovil que da nombre a la película en su título original. Fue creado por George Barris, especialista en crear vehículos para cine que ya había diseñado previamente el batmovil del Batman de Adam West y que en el futuro se haría cargo de otro coche también negro pero más benevolo como era el Kitt de "Knight Rider"(En España "El  coche fantástico") y   del DeLorean de la trilogía de "Regreso al futuro"(Aunque en torno a esto último hay controversia). Invirtiendo 84.000 dólares de la época Barris modificó 4 Lincoln Continental Mark III del año 1971(Para los no entendidos, el modelo coche que usaba Fernando Rey para transportar la droga de Francia a Nueva York en "The French Connection") y a fin de hacerlo más amenzante, rebajó ostensiblemente su techo(A fin de darle un aspecto de fiera rectante), y le dotó de una parrilal ostentosa, como si fuera unas grandes fauces y unos también ostentosos guardabarros traseros y delanteros, así como grandes faros que parecen ojos de mirada penetrante. De esa manera consiguió lo que, entre los amantes de los coches cinematográficos, de las "cult movies" y del cine fantástico es un icono que sigue siendo al día de hoy inspiración de muchos productos de merchandising.



  Estrenada en mayo de 1977 pero con vistas a que gran parte de su explotación en salas fuera en veranos(En aquellos tiempos las cintas duraban mucho más en el circuito de exhibición y esta era una cinta ideal para los autocines veraniegos), el ser una película mucho más cuidada y pulida de lo habitual en su cine no le impidió ser objeto de críticas furibundas. Los gacetilleros se cebaron con lo absurdo de su premisa, al igual que calificaron de "ridículos" los dialogos del film. Pero a pesar de la cuasihunanimidad de las críticas algunas se contradecian, con profesionales como el ínclito Gene Siskel del Chicago Tribune calificando de "pobres" los efectos especiales al mismo tiempo que su colega del "Los Angeles Tim" Kevin Thomas alabándolos, quizás por la, para época, bastante impresionante escena final en la que en medio de una explosión una nube de fuego adopta una forma monstruosa, momento que incluso hoy sigue funcionando. En cuanto al público, su estreno fue 10 días antes de cierta películita galáctica de ese año que todos conocemos así que, como podeis deducir, el público joven(El principal target de este tipo de producciones) quedó demasiado cegado por el espectáculo visual que era "la otra película" como para prestarle atención a esta serie "B", imperfeca pero voluntariosa. El film fracasó y con él se esfumó la carrera como director de cine de Silverstein que tuvo que volver a la pequeña pantalla, pero aún vivo, como vemos todavía se le pregunta por este film.

  Pero al día de hoy estamos ante u film de culto, al que Reel One en España le ha dedicado una edición en blu ray de excelente calidad de imagen y recuperando el doblaje setentero original que las ediciones de Universal en VHS habían deshechado en aras de uno más moderno pero por supuesto, de calidad interpretativa inferior. También el sello "Shout! Factory" la ha hecho objeto en USA de una cuidada edición, con una caratula que reproduce el muy espectacular y cuidado arte promocional que Universal elaboró para su lanzamiento en cines. 


  Entre los fervientes defensores y reivindicadores del film se encuentran los creadores de "Futurama" ya que en un capítulo de la serie en el que el robot Bender se transformaba en un malévolo "coche lobo" la forma de dicho coche era la del vehículo de este film y también el ínclito Guillermo del Toro, que supongo contará esta película como una de las que vió de adolescente en cine y le marcaron, hasta el punto de que el orondo director presume de tener como vehículo de su propiedad una exacta réplica del coche creado por George Barris para este film. Inclsuo John Willson, creador de los "razzie awards" en su libro "Razzie Movie Guide", la incluyó en la lista de "Las 100 películas malas más disfrutables de todos los tiempos


   El homenaje de Futurama. Y abajo las fotos que un orgullos Guillermo del Toro colgó en su twitter de la réplica de su propiedad. Según él solo lo usa los domingos para ir a tomar un helado.

[rafaelgg]

Como detalle adicional y muestra de que la película ha ganado popularidad con el paso de los años Universal, en 2019, a través de su sello especializado en lanzamientos directos al mercado domestico, produjo una especie de "secuela no oficial". Esta se situaba en un enotrno urbano futurista en la que un fiscal del distrito era asesinado siendo arrojado desde las alturas con su coche negro, para volverm ambos, coche y propietario de la otra vida para ejercer demoniaca y letal venganza. Aquí las fuerzas satánicas se modernizaban y conducian un Chrisler 300 C, versión LX, fabricada entre 2005 y 2010. Porque hasta al demonio le gusta fardar de coche nuevo:

[Raziel Monsalud]

No he visto "Asesino invisible", pero ha sido leer el argumento y ver los carteles y recordar esto (que es posterior):