Efemérides cinematográficas y televisivas en 2026

[rafaelgg]

Quería hablar de ella la semana pasada, pero entre una y cosa y otra....

    Antes de hablar de Drácula dije que en este hilo iban a aparecer dos personajes que cumplían efemérides el mismo día y que representaban, cada uno a su manera, el mismo estereotipo: El del monstruo que oculta su naturaleza grotesca y perversa bajo un barniz exterior de seductora y carismática elegancia. Posiblemente alguno de vosotros ya adivinasteis quien era el segundo:

  "El silencio de los corderos" (1991)

   El propio Stephen King ya lo dijo en su momento: "Hannibal Lecter es el conde Drácula de la era de los ordenadores y los teléfonos móviles." Una era en la que, gracias a la ciencia, ya no nos creemos que existan vampiros que salgan de los ataúdes para chuparnos la sangre, pero si podemos creernos que alguien con la mente trastornada nos arrebate la vida de la manera más terrorífica.

   Un personaje que desde aquel lejano 1991 forma parte de la cultura popular, por más que no fuera aquel el año de su primera aparición en la gran pantalla, pero cuando se plasmó la versión por la que todo el mundo le reconoce. Lo cierto es que el idilio del creador del personaje, el novelista Thomas Harris, nacido en Jackson, Tennessee, en 1940 con el cine venía ya de los años 70. Harris, siempre ha sido un tipo muy receloso con la vida privada y elusivo en lo referente a dar entrevistas aunque sea para promocionar sus libros, sin embargo vio como su primera novela "Domingo negro", a pesar de tener un moderado éxito de ventas y críticas en su lanzamiento en 1975 llamó la atención inmediata de un Hollywood que compró los derechos. La trama de la novela, inspirada en la masacre terrorista palestina de las Olimpiadas de Munich, fantaseaba sobre la posibilidad de que unos activistas palestinos de septiembre negro, planearan un atentado con miles de víctimas en plena celebración de la "superbowl", mediante el uso de un dirigible y la ayuda de un trastornado piloto norteamericano, veterano de guerra. Llevada al cine en 1977 por John Frankenheimer, la película, a pesar de contar con el protagonismo de un Robert Shaw recién salido de "Tiburón" tuvo un éxito de crítica y público discreto, a pesar de su espectacular "climax" final sobre los cielos de Miami,  por lo que nada hacía presagiar que en el futuro más novelas de este escritor se adaptaran.

   
    "Domingo negro" era fruto de la creciente paranoia ante una oscura realidad ominosa, de la que en los años 70 el público tomaba cada día más conciencia gracias a sucesos que copaban los titulares de los medios como la citada masacre de Munich, la masacre del aeropuerto de Lod en Israel en 1972 (Por no hablar de atentados ocurridos en nuestro país como el magnicidio de Carrero Blanco en 1973 o el atroz asesinato masivo de la cafetería Rolando en 1974, ambos protagonizados por la banda terrorista ETA). Para su siguiente libro, Thomas Harris se fijaría en el otro fenómeno ominoso que también multiplicaba su aparición en los medios del momento: El fenómeno de los asesinos en serie. Harris, para la creación de "Domingo negro",  se había entrevistado con investigadores del FBI y había asistido a conferencias impartidas por miembros que formaban parte del germen que en los 80 sería "Ciencias del comportamiento" dentro de la propia agencia. Gracias a eso, pudo conocer de primera mano casos como el de Ted Bundy, del que tomaría prestado algunos elementos para su novela. 

    Este segundo libro, publicado en 1980 se titularía "El dragón rojo". Su trama giraba a como un retirado agente del FBI Will Graham debía de reincorporarse al FBI para ayudar a atrapar a un asesino en serie que mata a familias en las fases de luna llena, a pesar de que su capacidad, no solo para entender la mente de los asesinos que persigue sino incluso para adoptar su forma de pensar, le hace emocionalmente inestable, de ahí su retiro. Pero a la postre, lo que acabará siendo más trascendente de la novela es el hecho de que Graham, a fin de conseguir resolver el caso, deberá acceder a entrevistarse con un psiquiatra asesino psicópata que él mismo metió en la cárcel y que puede arrojar luz sobre este: Hannibal, "El canibal" Lecter.

   Lo más sorprendente es que, si damos por cierta las afirmaciones del propio Thomas Harris, Hannibal Lecter no fue inspirado por ninguno de los asesinos a los que el FBI persiguió. Según el escritor, en 1963, cuando era un joven periodista al servicio de la revista "Argosy", viajó a la prisión de Nuevo León en México para entrevistar al convicto Dykes Askew Simmons. Durante su visita a la prisión fue atendido por un individuo que se identificaba asimismo como "Doctor Salazar" y que amen de unos modales elegantes e impecables, mostraba una gran inteligencia y comprensión sobre los mecanismos de la mente criminal. Al salir de la prisión Harris preguntó al director de la prisión cuanto tiempo llevaba Salazar ejerciendo como médico de la prisión. El director se sorprendió de que Harris no supiera que había hablando con uno de los más "insignes" convictos de la prisión: Alfredo Ballí Treviño, un joven médico que en 1959, con 28 años, al recibir en su consulta la visita de su joven amante de 20. Jesús Castillo Rengel, lo había asesinado y descuartizado tras una fuerte discusión. Así surgía el germen de uno de los futuros iconos del terror cinematográfico.
 

Balli Treviño, "el autentico" Hannibal Lecter en su juventud y en 2008 meses antes de su muerte.

   "El dragón rojo" fue muy bien recibida en el momento de su publicación, llegando Stephen King a denominarla como "la mejor novela popular publicada en América desde El padrino". Su  enfoque procedimental del género policiaco, incidiendo mucho en la descripción de los métodos científicos y forenses policiales, así como el subtexto sobre lo difusa que puede llegar a ser la línea entre cazador y presa, es decir, entre policía y criminal, eran temáticas afines a la del productor y director Michael Mann, por lo que aceptó al instante la oferta de Dino De Laurentiis, que había comprado los derechos de la novela y de potenciales secuelas en 1981, para que se encargara de la adaptación. William Petersen, que acababa de trabajar en otro thriller policiaco "Vivir y morir en Los Angelles" (1985) de William Friedkin, fue contratado para interpretar al principal protagonista, Will Graham, por otro lado el entonces aún desconocido para el público, actor escocés Brian Cox, se haría con el secundario papel de Hannibal Lecter (Aquí renombrado como "Lektor"). Debido al fracaso de su anterior producción  "The year of dragon" (1985) aquí tiulada "Manhattan Sur", y ante el temor de que la película fuera confundida con una de artes marciales, se prescindió del título original de la novela en favor del de "Manhunter" pese a que a mucho de los implicados (Incluidos los propios Michael Mann y Brian Cox) no estaban en absolutos convencidos con el nuevo título.:
 

 

Cartel norteamericano del film.



Brian Cox, el rostro de Lecter que pocos conocemos.

     "Manhunter", se estrenó en agosto de 1986, cosechando una recepción crítica dividida y un fracaso en la taquilla norteamericana que tuvo como consecuencia, que aquí en España se editara directamente a VHS bajo el sello Dister (Con un doblaje pésimo, no por los actores que intervienen, como Ramón Langa, sino porque se nota realizado de forma apresurada sin el mimo que tendría una cinta destinada a salas). La verdad es que quizás la temporada veraniega, en pleno mes de agosto, no era el momento más oportuno para estrenar un thriller adulto que además coincidió en su fecha de estreno con "La mosca" (1986) y de David Cronemberg. Además las dificultades económicas que la productora de De Laurentiis pasaba tras fracasos tan estruendosos como el de "Dune"(1984) no solo afectaron a la propia producción de la película (En el tirtoeo final, ante la imposibilidad de conseguir los efectos físicos de los impactos de bala Mann tuvo que sustituirlos por grabar a los actores antes y despues de los impactos y realizar cortes de montaje entremedias) sino que incluso impidió una inversión decente en promocionarla. Es por ello que cuando 2 años más tarde Thomas Harris publica "El silencio de los corderos", a pesar de la buena recepción que recibe esta nueva novela, que recicla la estructura narrativa de la anterior, pero dando más protagonismo a Lecter y sustituyendo al personaje del veterano Will Graham por un investigador inexperto, cadete aún, y además mujer, Dino De Laurentiis ni se plantea adaptarla.

    Entra en escena entonces Gene Hackman, el cual se siente atraído, no solo por interpretar a Hannibal Lecter (O el de jefe del FBI, Jack Crawford) sino que incluso desea debutar en la dirección y para ello convence a Orion Pictures, con la que el intérprete tenía una fructifera relación gracias films como "Hoosiers" (1986) y otro thriller policial: "Arde Missisipi"(1988), para conseguir la sesión de De Laurentiis de los derechos de la novela, cosa que el italiano acepta hacer de forma totalmente gratuita (Lo que demuestra la poca fe y el desencanto del productor tras Manhunter). En un principio se le ofrece al propio Thomas Harris la posibilidad de adaptar su propia novela a la pantalla, oferta que el director declina, así que se delega dicha labor en el guionista Ted Tally,  en noviembre de 1987. El nuevo guionista no solo había expresado en el pasad, al recibir un avance de la novela,  su deseo de adaptarla, sino que había llegado a tener tratos personales con el propio Harris.

   Sin embargo cuando Gene Hackman recibe el primer borrador de la novela, le preocupa el tono de este, ya que sus hijos le han manifestado abiertamente su deseo de que se aleje de filmes con exceso de violencia, violencia que ese primer borrador no escatima, por lo que decide desligarse del proyecto. En un momento dado se baraja la idea de pasarle el proyecto a Amblin para que lo dirija Steven Spielberg, sin embargo estamos en una época en la que el director de "Tiburón" aún no ha firmado sus obras más violentas y oscuras como "La lista de Schinder" (1993) o "Munich" (2005) y estando entonces asociado principalmente con la acción y la ciencia ficción, se consideró que no encajaba con su estilo. Posteriormente 

  Steven Spielberg admitiría públicamente su arrepentimiento por no haber aprovechado la oportunidad de rodar "El silencio de los corderos" y cuando el director finalmente elegido Johnathan Demme triunfó en la gala de los óscars gracias al film, fue el único realizador que se molestó en felicitar por carta al realizador afirmando que verdaderamente ese año había ganado la que era la mejor película.

   Johnathan Demme era un director muy bien valorado en Orion Pictures, para la que había dirigido el thriller "hictcockiano" "El eslabón del Niagara" (1980), y las comedias negras "Algo salvaje"(1986) con Melanie Griffith y "Casada con todos"(1986)con Michelle Pfeiffer, por lo que les fue ofrecida a ambas el papel de la protagonista de "El silencio....", la recluta del FBI Clarice Starling, pero ambas rechazaron el guion por su tono violento y macabro (En especial Pfeiffer que admitió públicamente que encontró el guion "incomoo" y "malvado"), las mismas razones motivaron la negativa de otras actrices como Meg Ryan. Finalmente, la elegida sería Jodie Foster, la cual había intentado comprar en su momento los derechos de la novela adelantándosele Hackman. La carrera de Foster había pasado una mala época, debido al incidente ocurrido 1981 cuando John Hinckley, un perturbado fan obsesivo suyo, intentó llamar su atención intentando asesinar al presidente Ronalad Reagan. Gracias a su aclamado labor en el drama "Acusados"(1988) había conseguido con pleno éxito la transición de antigua intérprete niña prodígio a actriz adulta.  Para Demme fue verla caminar hacia él con paso firme para tener plena consciencia de que era perfecta para encarnar el carácter firme y determinado de Clarice Starling. Además la actriz no solo conseguiría un oscar con su papel en el film, sino el apoyo de Orion Pictures a su debut como realizadora con "El pequeño Tate" (1991), iniciando de esa manera los años más esplendorosos de su carrera (La primera mitad de los 90).

Pfeiffer, una Clarice a la que Lecter seguro que hubiera querido hincarle el diente.

  Para el papel del psicópata a atrapar, Jame Gumb alias "Buffalo Bill", un personaje creado a partir de elementos de asesinos reales como Ted Bundy(Su estrategia para atraer a las víctimas a su furgoneta) o Ed Gein(Su obsesión con transformarse en mujer mediante un vestido hecho de piel humana), quedó claro desde un primer momento que Ted Levine era el candidato ideal, incluido para la actriz Brooke Smith que interpretaba a su secuestrada y potencial futura victima (Papel para el que la actriz tuvo que engordar 11 kilos). Levine estudió perfiles del FBI de asesinos en serie y visitó bares de transexuales de cara a componer su papel, resultando inquietante y terrorífico desde el primer momento. En cuanto al papel del jefe de Clarice en el FBI, Jack Crawford, interpretado en "Manhunter" por el siempre rudo Dennis Farina, fue sustituido por un Scott Glenn que daba al personaje un aire más intelectual y sofisticado. Mientras que Anthony Heald, interpretaba a Doctor Chilton, competente psiquiatra en la novela y en la previa versión de Michael Mann por Benjamin Hendrickson, pero aquí convertido en un pomposo, rijoso, narcisista y mediocre profesional, a fin de forzar más las simpatías del espectador hacia su contrincante Lecter (Este quizás sea el punto más burdo y por tanto reprochable de un guion por todo lo demás milimétrico y perfecto).

  Pero por supuesto faltaba el vital personaje de Hannibal Lecter, huérfano de interprete tras la deserción de Gene Hackman. La lista de candidatos fue enorme: Jack Nicholson, el recientemente desaparecido Robert Duval, John Hurt Christopher Lloyd(Puede que a mucho os choque este nombre pero si miráis "Star Trek 3: En busca de Spock" vereis que Doc Brown podía interpretar villanos sin toques caricaturescos) o Robert De Niro. Uno de los nombres que sonó con más fuerza fue el de Lous Gosset Jr. pero Orion se echó atrás por miedo a la controversia de mostrar como asesino caníbal a un actor de color (Y visto lo que pasó en el momento del estreno tenían motivos, pero ya hablaremos de eso). Sin embargo, dada la naturaleza elegante, casi aristocrática que se le quería dar al personaje, inmeidatamente las opciones derivaron a actores británicos, como Kenneth Branagh(Hubieramos tenido a un Lecter mucho más joven), Derek Jacobi(Algo falto de presencia física), Sin Connery (Los que hayais sufrido "Los Vengadores" que no son los de Marvel sabréis que lo suyo era ser pícaro canallita, no villano), o el mejor situado: Jeremy Irons, sin embargo este último había hecho para Orion Pictures "El misterio Von Bullow"(1990) y a pesar del óscar ganado, no le apetecía interpretar otro papel de tintes sombrio.

El Lecter que tuvimos (Hopkins) y el que casi tuvimos (Irons).

  Fue entonces cuando Johnathan Demme sugiere el nombre de Anthony Hopkins, un actor que había compartido debut con su también compatriota galés Timothy Dalton en "El leon en invierno"(1968) junto a Peter O´Toole y Katherine Hepburn, y que durante años había intentado establecerse en Hollywood. Pero fracasos como el muy injusto de "Motín a bordo"(1984) tercera versión(Y la más fiel de todas) de la famosa rebelió de la fragata Bounty donde Hopkins interpretaba al capitán Bligh, habían minado la confianza del interprete, que barajaba abandonar sus aspiraciones hollywoodienses para centrarse en su carrera en el teatro inglés, cuando recibió el guion de la película por parte de su representante.  Irónicamente, al leer el título "El silencio de los corderos" en un principio pensó que se trataba de una historia para el público infantil. Más tarde al preguntarle el actor a Johnathan Demme el porqué había pensado en él para tan siniestro personaje este alegó su trabajo como el compasivo Doctor Frederick Treves en "El hombre elefante"(1980) de David Lynch. "¡Pero aquel era un buen hombre!", exclamó sorprendido Demme: "Lecter también es un buen hombre, lo que pasa es que se encuentra atrapado por su locura", replicó Demme.

  Hopkins se tomó el papel como la última oportunidad de hacerse un nombre en Hollywood. Estudio y visitó a auténticos asesino así como asistió a juicios en los que estos explicaban sus "proezas". Concibió a Lecter como el equivalente a la computadora Hal 9000 de "2001" de Stanley Kubrick. Es decir un ente de alta inteligencia, capaz de captar la realidad y procesarla con una lógica extrema, y provisto de toda emoción lo que le hace capaz de forma fría y sin remordimientos. Es por ello que decidió imitar la voz fría y apasionada del actor canadiense Douglas Rain(1928-2018) que había dotado de voz a dicho personaje en la versión original del clásico de Kubrick. Hopkins realizó muchas contribuciones al personaje de Lecter, muchas de ellas destinadas a causar una autentica respuesta emocional de incomodidad en Jodie Foster, como la línea en la que Lecter se burla del acento sureño de Clarice en su primera entrevista, consiguiendo que la actriz se sintiera genuinamente incómoda cada vez que tenía que compartir escenas juntos. Incluso consiguió que, en el segmento en que Lecter es transportado del sanatorio a Baltimore, luciera ropas blancas asépticas en lugar del proyectado mono naranja, al considerar que el personaje luciría más perturbador y con un aspecto más "clinico" de esa manera. 

  Originariamente la película debía estrenarse en el otoño de 1990, sin embargo Orion Pictures quería potenciar la promoción de "Bailando con lobos" de Kevin Costner que se estrenaba en octubre de ese año, por lo que se decidió retrasarla a febrero del año siguiente, en la época menos deseada del año de cara a los estrenos y a donde se relegan los filmes de lo que no se espera gran cosa.

  Todos sabemos lo que pasó: "El silencio de los corderos", con su muy moderado presupuesto de 19 millones, acabó siendo un éxito mundial recaudando 272,2 millones en todo el mundo, 130 millones de ellos en USA y consiguiendo unas excelentes críticas, si bien hubo algún profesional como Gene Siskel que la calificó de "estúpida" y "espantosa". Todo ello a pesar de que desde el momento de su estreno, el colectivo LGTB sacó su lado más beligerante contra la película alegando que asociaba homosexualidad y transexualidad a conductas homicidas, debido al personaje de "Buffalo Bill", repitiendo el colectivo las mismas manifestaciones ante los cines que una década antes realizaron en el estreno de "Cruising"(1980) de William Friedkin y que realizarian al año siguiente con el de "Instinto básico"(1992) de Paul Verhoeven. Dichas críticas por parte de este colectivo, fueron claves para que posteriormente Johnathan Demme se decantara por el drama activista pro-gay sobre el Sida "Philadelphia"(1994). Como he dicho muchas veces, los "ofendiditos", no surgieron cuando el término "woke" se popularizó en la década de los 2010. La polémica aún resuena al día de hoy y recientemente el actor Ted Levine pidió disculpa al colectivo trans por la percepción negativa que de dicho colectivo pudiera haber transmitido su personaje.

  Pero la sorpresa más grande fue sin duda cuando, habiendo pasado más de un año de estreno, en la gala de los oscars de 1992 la película de Demme hizo pleno en las categorías más importatante de los oscars: Película, director, guion, actriz y director (Siendo Hopkins al día de hoy el actor que ha ganado un oscar como protagonista con menos minutos en pantalla, 12 en concreto), perdiendo de sus 7 nominaciones, solo las de mejor montaje y mejor sonido. Aún al día de hoy, de las 97 films premiados en dicha ceremonia la mejor película es la única que pertenece al género del terror (Lo cual lo dice todo sobre los prejuicios de los académicos hacia el género), si bien no son pocos los que, como Frank Darabont, enamorado del género, afirman de que tal galardón fue posible porque Orion astutamente la vendió como un thriller policiaco no como una perteneciente al género del horror.

   

   En todo caso, su pertenencia al selecto club de películas que han hecho pleno en las categorías "gordas" , a la que solo pertenecen ella "Sucedio una noche" (1934) y "Alguien voló sobre el nido del Cuco"(1975) atestiguan lo que el film de Johnathan Demme es: Un mecanismo cinematográfico perfectamente engrasado en la que cada una de las piezas importantes: dirección, interpretación, guion (Por más que el cabo suelto del bolígrafo con el que Lecter escapa fue la pregunta estrella de los correos de revistas de cine y de todas las tertulias radiofónicas de cine en la que los oyentes solían preguntar sobre cual era la explicación meses y meses después del estreno), destacando a un Hopkins que convirtió en estrella a un Anthony Hopkins que ya superaba los 50, gracias a una interpretación que con su histrionismo intenso pero con un punto de juguetona ironía(Sin caer en lo paródico y "camp"), su elegante y seductora elegancia  y sus miradas hipnóticas, parecía homenajear al otro monstruo que Bela Lugosi dio a conocer al mundo justo 60 años antes del estreno del film de Demme. Yo diría que la frase de Stephen King citada al principio de este post no podía ser más acertada.

   también una muestra del buen cine que podiamos encontrar en filmes de presupuestos moderados, más preocupados por contar una historia que por  empachar al espectador con fuegos fatuos artificiales de CGI. De hecho, la desaparición de Orion Pictures, especialista en este tipo de producciones, y la desarticulación de Miramax años después puede que fueran los primeros aviso de la deriva  hacia la decadencia en la que el Hollywood mainstream fue cayendo poco a poco hasta llegar a las fosas abisales en la que se encuentra. Cierto que hoy tenemos Liongates, Films, pero por favor no pongamos en el mismo nivel "El silencio de los corderos" o "Bailando con lobos" con la saga "John Wick", "Ballerina" o "Crepúsculo".

  Así que celebremos una época en que dentro del cine de género comercial, lo estudios y los miniestudios de Hollywood aún nos daban joyas como esta y celebremos que el pasado 14 de febrero "El silencio de los corderos" cumplió 35 años.

[rafaelgg]

  Una última y curiosa anecdota, después de haber dejado pasar la posibilidad de interpretar a Lecter dándole a Anthony Hopkins el papel de su vida, Jeremy Irons acabó interpretando al personaje en un sketch de "Saturday night live" en la que él actuaba como estrella invitada, en marzo de 1991, 2 meses después del estreno de la película de Johnathan Demme:

[Raziel Monsalud]

    Una de las películas de mi vida y que tras verla en el cine en el estreno la he revisitado varias veces en casa bien sea en la tele o dándole al play del DVD. No me extraña que Jodie Foster se pasara la película incómoda y acojonada por que ya nada más empezar la película se tiene que encarar con un actor que interpreta como nadie a un personaje que representa una amenaza muy real y palpable a pesar de que teóricamente está estrictamente vigilado las 24 horas sin posibilidad de escape. Lo más parecido que he tenido en cuanto a sentir la fascinación por el mal como en este film ha sido con "Nosferatu" o "La matanza en Texas" originales. 

[rafaelgg]

    Una de las películas de mi vida y que tras verla en el cine en el estreno la he revisitado varias veces en casa bien sea en la tele o dándole al play del DVD. No me extraña que Jodie Foster se pasara la película incómoda y acojonada por que ya nada más empezar la película se tiene que encarar con un actor que interpreta como nadie a un personaje que representa una amenaza muy real y palpable a pesar de que teóricamente está estrictamente vigilado las 24 horas sin posibilidad de escape. Lo más parecido que he tenido en cuanto a sentir la fascinación por el mal como en este film ha sido con "Nosferatu" o "La matanza en Texas" originales. 

  ¿Algún dato expuesto en mi post que desconocieses y te haya sorprendido?.

[Raziel Monsalud]

¿Algún dato expuesto en mi post que desconocieses y te haya sorprendido?.

Desconocía que Gene Hackman y Jeremy Irons habían estado a punto de ser Hannibal Lecter.

Desconocía y me ha sorprendido que el personaje del buen Dr se basase en una anécdota protagonizada por un trastornado con apellido de origen burgalés.

[rafaelgg]

   "Mu" poquitas ganas de hablar de esta, que se diría aquí en el sur, pero si hablamos del film de Demme, es obligado incluirla aquí:

   "Hannibal"(2001)

    "El silencio de los corderos" se convirtió en un clásico instantáneo, en un título emblemático de la recién inaugurada década de los 90, hasta el punto de que creó toda una ola de "psicothrillers" que iban desde una cinta que podía mirarle cara a cara al film de Demme en cuanto a calidad artístico-cinematográfica, como es "Seven" (1995) de David Fincher a producciones simplemente correctas como "El coleccionista de amantes"(1997) o "El coleccionista de huesos" (1999) pasando por subproductos como las protagonizadas por Christophe Lambert "Jaque al asesino"(1992) y "Resurrección" (1999), alias "El Seven del Temu".

El film generó incluso una "spoof movie" italiana estrenada en España por Lauren Films(Que también estrenó el film de Demme)

   Pero evidentemente lo que generaba más atención era la secuela de "El silencio de los corderos" que todo el mundo daba por hecho, tanto por el sugerente final del fim, con un Hannibal Lecter suelto por el mundo. Anthony Hopkins, Jodie Foster, y Johnathan Demme proclamaron a los cuatro viento  que les encataría volver a visitar el retorcido mundo de Lecter (Supongo que porque eran conscientes de que en esa segunda ocasión el cheque iba a ser muchísimo más suculento). Pero para contento Dino De Laurentiis, el tipo que tenía los derechos del personaje y de las novelas publicadas y el derecho a pujar primero por las eventuales futuras publicaciones del personaje, que no había cobrado ni un céntimo por "El silencio de los corderos" al ceder dichos derechos a Orion de forma gratuita, pero que volvían de vuelta a sus manos convertidos en potencial futura mina de oro. Además tras unos años 80 y primeros 90 en que la taquilla le había sido esquiva, y su posición en Hollywood se había deteriorado muchísimo, su carrera como productor empezaba a revalorizarse gracias al éxito sorpresivo de los dos primeros films como director de Johnathan Mostow: "Breakdown"(1997) con Kurt Russell y el film bélico "U-571" (2000) con Matthew McConaughey.

  Hopkins ya había trabajado para De Laurentiis encarnado al capitan Bligh en esta versión del motín de la Bounty.

 

   Sin embargo a pesar de que durante los años 90 fueron años de vacas flacas, teniendo que refugiarse en la producción cinematográfica, el bueno de Dino no cedió a la tentación de sacar una secuela apócrifa que se aprovechara del reciente éxito de "El silencio de los corderos", sino que esperó pacientemente durante 8 largos años a que el bueno de Thomas Harris se decidiera a continuar las andanzas literarias del psicópata caníbal. Lo cierto es que el escritor nunca tuvo la intención de crear una saga sobre el personaje, de hecho no tenía intención de usarlo más allá de "El dragón rojo", pero durante la escritura de la segunda novela, al incluir en ella una segmento en el que Clarice debía consultar con un psiquiatra, decidió reutilizar a Hannibal, en lo que acabó siendo una "recuela" de la novela anterior, solo que cambiando el veterano y "quemado" investigador por una novata y "fresca" aprendiza y dándole algo más de desarrollo a su  caníbal.

 
  Finalmente Thomas Harris venció sus reticencias (¿Dudáis de que hubo muchas presiones por parte de los editores?) y un buen  anunció al paciente De Laurentiis que ya había terminado de escribir "Hannibal" el nuevo capítulo del ciclo, con vistas a publicarse en junio de 1999. Como era de esperar, la novela se vendió como rosquillas y fue un éxito editorial instantáneo, convirtiéndose en la segunda novela más vendida de ese año, solo superada por "El testamento" de John Grisham. Eso sí, a pesar de su éxito de ventas, no dejó satisfecha las expectativas de la gente, obteniendo opiniones muy polarizadas, con gente amándola, pero muchos otros considerándola un truño de proporciones siderales. Servidor debe reconocer que formó parte de los segundos, recuerdo leerla y no reconocer la brillantez en la construcción de tramas y personajes que había encontrado en los dos libros anteriores. Eso no impidió que Dino De Laurentiis pagara la cifra record de 10 millones por llevarla a la pantalla. Eso ya era más de la mitad de lo que costó "El silencio de los corderos". En ese momento, ya medios como Los Angeles Times estimaban que el presupuesto del proyectado film podría llegar a los 100 millones, cifra absolutamente desorbitada para una película de estas características (Estamos hablando de un policiaco psico-thriller, no de una película histórica o una de ciencia ficción que requiera una gran inversión en cosas como decorados, efectos especiales, vestuario o extras.


   Sin embargo, cuando Johnathan Demme y Jodie Foster leyeron en primicia las copias de "Hannibal" que le pasaron, no consiguieron disimular el desdén de ambos hacia lo que Harris había escrito. No era un métodico thriller de tono policiaco procedimental que caracerizaba tanto a "El dragón rojo" como a "El silencio de los corderos". La trama era un autentico sucesión de situaciones caracterizadas por la violencia extrema, y personajes y situaciones grotescamente exageradas hasta el punto de abrazar abiertamente el "grand guignol". Con personajes descritos de forma tan extrema y de brocha gorda, que resultaban absolutamente caricaturescos, destacando el pederasta cuadraplégico facialmente desfigurado Mason Verger y su hermana lesbiana,  Margot Verger con cuerpo de fisioculturista y  que colabora con su hermano en su venganza contra Lecter (Causante de su estado físico) a cambio de su esperma para fertilizar a la novia de Margot, ya que esta debido al abuso y adicción  de los esteroides en su práctica del culturismo además de otorgarle un físico ultramusculado y masculinizado la han dejado estéril. También desagradó a Demme y a Foster, sobre todo a la segunda, , muy protectora con su personaje,  el final de la novela en el que una drogada y con el cerebro lavado  Clarice sucumbe a los "encantos" de Lecter, se convierte en su pareja estable y acaba compartiendo sus apetencias culinarias antropófagas y viajando por el mundo con él.

  En consecuencia, se recurrieron a dos plumas de autentico lujo: David Mamet  ("Glengarry Glenn Rose") y Seve Zailian ("La lista de Schindler") para que procedieran a desarrollar un guion que puliera, los muy gruesos y nada sutiles trazos de la novela, hasta conseguir algo lo suficientemente potable como para funcionar a nivel cinematográfico y que convenciera al trio artífice del éxito del film anterior. Una de las primeras cosas que se cercenaron es el personaje de Margot Verger por ser un puro estereotipo homófobo (No olvidemos que a Johnathan Demme le habían dolido mucho las críticas del movimiento LGTB por el film anterior) y construir una rúbrica de la trama que dicho Foster que la actriz y el director consideraran más respetuosa con el personaje. Pero tras 15 borradores diferentes, los desacuerdo no cesaron, por lo que Johnathan Demme y Jodie Foster decidieron bajarse del barco (Y esto evitó que Dino De Laurentiis tuviera que pagar generosos cheques a ambos.

 David Mamet

   Steve Zaillian

   Ante la necesidad de encontrar un director que diera alas al proyecto, Dino acudió al set de "Gladiator" (2000) para hacerle oficialmente la propuesta a Ridley Scott de dirigir el film. Ambos llegaron a una acuerdo sin saber que la película protagonizada por Russell Crowe sería el mayor éxito de taquilla del año 2000 (Para alegría de un De Laurentiis que posiblemente hubiera tenido que pagarle un salario más alto de saberse previamente.

   En cuanto a quien podría sustituir a Jodie Foster en uno de las heroínas más emblemáticas de la Historia del cine, el productor decidió consultar a quien al fin y al cabo iba a ser su pareja en pantalla Anthony Hopkins, el cual sugirió el nombre de su compañera en "Sobreviviendo a Picasso", Julianne Moore, que recibiría un salario de 3 millones de dólares, bastante más económico que entre  los 15 y  20 millones que se calculaba habría que haber pagado a  Jodie Foster por volver a ser Clarice (Recordemos que "El silencio de los corderos" tuvo un presupuesto total de 19 millones). Consciente de la responsabilidad de haber aceptado el papel, Moore visitó la academia del FBI en Quantico para prepararse para dicho papel, si bien, aprender a disparar, a parapetarse en un tiroteo o a actuar como una auténtica investigadora del FBI no le preparó para su secuencia más dura en la película: Caminar entre vacas. Al parecer la actriz tenía un terror patológico a estos animales y en la secuencia en la que camina rodeada de ellas para infiltrarse en la mansión del magnate de la carne Mason Verger, fue donde pasó más miedo. Consciente de que su Clarice ya no era una joven  novata sino una experimentada policía y una mujer de mediana edad, Moore intentó no replicar la interpretación de Jodie Foster, sino crear la suya propia.

Hay que reconocer que con la nueva Clarice Lecter tenía algo  más de carne a la que hincarle el diente.

   
   Luego estaba el muy problemático y grotesco personaje del repulsivo Mason Verger, el archienemigo de Lecter en el libro. Inicialmente se ofreció el personaje a nada menos que a Christopher Reeve, puesto que Dino De Laurentiis y Ridley Scott habían quedado muy impresionados con su interpretación de un policía que queda paralítico en el turbio thriller televisivo "Libre de sospecha" (1995), que el actor protagonizó antes del accidente que le dejó cuadripléjico, al igual que el personaje de Verger. El actor se mostró muy interesado, hasta que descubrió que su personaje era un pederasta y sádico maltratador de niños y rechazó tajantemente la propuesta (Es increíble como, a lo largo de su carrera el intérprete de Superman se negó a participar en proyectos que acabaron siendo auténticos taquillazos que podrían haber mantenido su "status" de estrella). 

  Al final el elegido sería Gary Oldman, que por entonces no tenía ningún problema e n interpretara personajes despreciables (De hecho estaba totalmente encasillado en papeles de villano depravado). Sin embargo, a pesar de ser una estrella consolidada en Hollywood desde los primeros 90, su participación en la película apenas fue publicitada, y ni siquiera aparece su nombre en los títulos iniciales. Hay dos versiones contradictorias al respecto, una según la cual Gary Oldman quería que su nombre encabezara  los carteles del film junto a los de Hopkins y Moore y que, al negarse los productores, pidió no ser acreditado pero que dado lo avanzado de la producción, no pudo evitar que su nombre saliera en los créditos finales, pero no en los iniciales y en la publicidad gráfica. La otra versión, que el propio Oldman defiende, es que, dado que su participación iba a trascender de todos modos, él y los responsables del film quisieron jugar con el público ocultando su identidad debajo del grotesco y abundante maquillaje protésico que le convertía en el grotesco Verger. Un maquillaje creado por Greg Cannon, que ya había trabajado con el actor en "Drácula de Bram Stoker" y que requería 5 horas para su aplicación.

Gary Oldman como Mason Verger.

    Más curiosa fue la elección del actor encargado de dar vida a Paul Krendler, el jefe y despechado ex-amante de Clarice que conspira para hundir la carrera de este y colabora con Verger a fin de localizar y capturar a Lecter para que este pueda vengarse dándoselo de comer vivo a unos agresivos y enormes cerdos criados para la ocasión (Detalles de la trama como este hacen a uno pensar que Thomas Harris debió de escribir "Hannibal" puesto hasta arriba de estimulantes). Resultó que el tristemente desaparecido Ray Liotta, era cliente del mismo gimnasio en el que iba Ridley Scott, coincidiendo allí, el interprete le preguntó al artífice de "Blade Runner"(1982) de forma espontanea si no tendría un papel para él en la película y de forma espontanea Scott le ofreció el papel de Krendler. Papel que le serviría para protagonizar la secuencia más grotesca y espeluznante de su carrera, ese climax final en el que Lecter, tras drogar a Krendler hasta las cejas pero manteniéndolo consciente le somete a una craneotomia para extraerle una porción del cerebro y cocinarla (Aquí no es que Harris pudiera haber tomado estimulante, es que debía de estar al borde del colapso por consumo de farlopa). Que a diferencia de la novela, Clarice no participe del ágape, no evita que la escena sea al mismo tiempo espeluznante (Gracias a una labor de los fx`s que deberían haber sido nominado a los óscars solo por este momento) y de un tono salido de madre que resulta caricaturesco y cómico. De hecho en los "making of" se ve perfectamente como Ray Liotta y Hopkins sonrien e incluso sonrien entre toma y toma, quizás porque son conscientes de que es imposible tomarse en serio una escena así o quizás para desahogar la tensión de rodar algo tan macabro. Puede que las dos cosas al mismo tiempo.

   Lo cierto es que se rodaron 3 finales alternativos: Uno al gusto de Thomas Harris (Posiblemente fiel 100% a la novela) otro al gusto de Dino De Laurentiis y un tercero al gusto de Ridley Scott, al final fue el criterio del director el que prevaleció.

  En papeles más secundario tenemos a un Giancarlo Giannini que a partir de aquí haría más habituales sus intervenciones en filmes de Hollywood (Como sus apariciones en la saga de James Bond) como el policia Rinaldo Pazzi, que descubre a Lecter bajo la falsa  identidad del erudito "Doctor Fell" y que en lugar de entregarlo a la policía pretende cobrar la recompensa ofrecida por Verger (Con funestos resultados para él) y Francesca Neri, actriz vista en la española "'¡Dispara!" (1993) de Carlos Saura como su esposa Allegra. Curiosa es el caso de la paricipación del actor esloveno-norteamericano Zeljko Ivanek en la piel del Doctor Cordell Doemling, el médico personal de Verger y reticente colaborador de este. El actor aceptó participar en la película para poder coincidir con Liotta al que admiraba, sin recordar que ya habían coincidido juntos en un telefilm sobre el clan Sinatra años antes, hecho que el propio Liotta le recordó para vergüenza del bueno de Ivanek.

   Aunque quizás el casting más curioso fue el de los cerdos salvajes que debían de protagonizar una de los muchos momentos ultraviolentos y grotescos de la cinta.
 
    Un director que volvía a estar en forma, un dúo de guionistas de primera, un presupuesto desmesurado para un film de este género, un productor volcado y cuya nacionalidad italiana, allanó considerablemente el rodaje en localizaciones de ese país en Florencia, un Hans Zimmer que en su anterior colaboración con Scott en "Gladiator" había estado pletórico.....¿Fue todo ello suficiente para paliar las tremendas deficiencias del material original, la novela de Thomas Harris, de la que se partía?. He ahí la clave del asunto.....y que requiere una respuesta matizada.

    Lo cierto es que desde su lanzamiento en USA y su posterior presentación europea el 11 de febrero de 2001 en el Festival de Berlin la película generó una gran controversia. Hubo quienes aplaudieron su claro intento por distanciarse del precedente de Johnathan Demme y buscar otros caminos narrativos y estéticos, aplaudiendo la elegancia estética de Ridley Scott en lo relativo a la fotografía y puesta en escena. Por contra otros se mostraron disconforme con su excesiva violencia, y su excesiva recreación en lo mórbido y lo perturbador a niveles pornográficos. Con el paso de los años parece que las opiniones detractoras se han impuesto sobre las alabanzas, aunque puede que en esta percepción mia influya mi falta de aprecio por la película (A pesar de que ya había leído la novela e iba preparado para no encontrarme algo ni remotamente parecido a "El silencio de los corderos" cuando fui a verla en un pase nocturno en la madrugada del jueves al viernes día de su estreno, esperaba que Scott hubiera podido enmendar el delirio febril de Thomas Harris, ni yo ni mis acompañantes salimos convencidos).

    Porque "Hannibal" el film, sigue compartiendo los mismos errores que la novela, al citado toque bizarro de la trama (Que ya en su momento hizo dudar al propio Anthony Hopkins de retomar el papel de Lecter) se une el hecho de coger a un personaje que es el epítome del mal mas inescrutable y convertirlo en una especie de antihéroe justiciero vengador, cuyos atroces actos de violencia siempre va dirigida a tipos despreciables, malvados o corruptos a los que el espectador en el fondo desea ver muertos a manos del psicópata canibal. Además si en "El silencio de los corderos" las habilidades intelectuales y físicas del personaje ya rozaban lo sobrenatural pero en ningún caso llegaban a serlo explícitamente, aquí tenemos a un Lecter que no solo es una auténtico Hall 9000 humano en cuanto a conocimiento (Cirugía, psiquiatria, música, pintura, arquitectura.....¿Hay algún área del conocimiento humano en el que Lecter no sea una wikipedia andante?) es que encima tenemos que ver como el personaje, con el físico de un Hopkins sesentón, con su 1,75 y su físico fondón es capaz de reducir con extrema facilidad a los sicarios mafiosos italianos de Verger a los que se les presupone familiarizados en el uso de la violencia física.  

   Ya el mero hecho de ver al muy evidentemente fofo y avejentado Lecter cargar en volandas con Clarice cual Rhet Butller y Scarlett O´Hara resulta involutáriamente cómico por lo poco convincente (De hecho la escena se tuvo que rodar con poleas que sostenían a Julianne Moore con cables borrados luego digitalmente). Eso por no hablar de que, a pesar de estar en la lista de los 10 más buscados por el FBI jutno al "ilustre" Bin Laden (Ambos aparecen en un monitor de ordenador) el bueno de Hannibal viaja de un lado al otro del Atlántico, cruzando todos los controles fronterizos y de aeropuertos con una facilidad desconcertante. Parece ser que, debido a que en la novela se especifica que Lecter se ha sometido a la cirugía estética para no ser reconocido, existía una intención inicial de añadir maquillaje protésico a Hopkins, pero finalmente se apostó porque el público volviera a disfrutar del rostro que todos asociaban al personaje.


   En 15 años pasamos del Lecter realista de Brian Cox, al más operístico pero con un pie en la realidad de "El silencio de los cordero" y luego al antihéroe de cómic de superhéroes, con un toque del Tom Ripley de Patricia Highsmith que es el Lecter de "Hannibal". Mientras que en "El silencio de los corderos", los elementos más artificiosos y exagerados de la trama (Sobre todo en el segmento de la fuga de Lecter) pasaban desapercibido porque Demme conseguía que la trama te atrapara totalmente, aquí en ningún momento se alcanza la necesaria suspensión de la incredulidad necesaria para que la trama te atrape, y el suspense y la tensión del film de Johnathan Demme son sustituido por la exhibición gratuita de la violencia rayando el "explotation" más grosero y cutre. 

    De hecho, el propio Hopkins ha reconocido con el tiempo que se arrepiente de haber vuelto a interpretar al personaje tanto en este film como en la posterior "El dragón rojo" (2002), por cuanto ambos films difuminaron el aura inquietante y amenazante que Lecter transmitía en el film de 1991 y acabó convertido casi en una caricatura de sí mismo. Para terminar de darle la puntilla al personaje Dino De Laurentiis forzaría a Thomas Harris a contar los orígenes del personaje en "Hannibal Rising" con el film de adaptarlo al film en 2007, ya no con Hopkins sino con el francés Gasapard Ulliel en el papel y en el proceso, destruyendo todo el misterio que daba atractivo al personaje. Eso sí estaría muy arrepentido de ambos films, pero el bueno de Hopkins bien que se quedó los 40 millones que cobró por rodar ambos.

Aquí ya la cosa decayó a la pura coproduccion esplotation europea (De esta sí que no hablaré nunca).

   
   Pero lo cierto es que a pesar de las críticas mixtas en el momento de su estreno, que el esteticismo "chic" sofisticado de spot publicitario de colonia de Ridley Scott no encaja con el universo sórdido del personaje (Sí, es cierto que "Manhunter" también hacia gala de ese esteticismo entre lo ilustres y lo posmoderno pero esa película no era sobre un psicópata sino sobre los profesionales que los cazan así como las estrategias y sofisticadas logística y tecnología que usan en dicho trabajo) la película fue el primer gran éxito taquillero del año 2001, triunfando en todo territorio en el que se estrenó En España rompió records de recaudación con el equivalente a 4,1 millones de dólares en 6 días, y la taquilla mundial  final fue de 351,6 millones, lo que la situó como la décima con mayores ingresos mundiales de ese año (Y estamos hablando de un film "R" que casi bordea la "X"), a lo que hay que añadir los más de 87 millones que ganó en el mercado del alquiler doméstico.

Estética muy apropiada para un tecnothriller un film de ciencia ficción o Miami Vice, pero no tanto para el bueno de Hannibal.

 
Así que, aunque jamás resistirá comparación con "El silencio de los corderos", pero no deja de ser una pieza destacable dentro de la vida cinematográfica del personaje de Thomas Harris (Y de la cuenta corriente de Anthony Hopkins, así que recordemos que el pasado 9 de abril el estreno de "Hannibal" cuplió 25 años.
 

   

  

[rafaelgg]

"Robin & Marian" (1976)

   Entre 1975 y 1976, en un periodo que no llega a 10 meses completos, en concreto entre mayo de 1975 y marzo de 1976, se estrenaron 3 películas del género de aventuras que supusieron una especie de canto de cisne a la concepción clásica de dicho género: "El viento y el león" y "El hombre que pudo reinar" ambas del año 1975 y esta "Robin & Marian" del año siguiente (Si bien en muchos países como el nuestro, las 3 películas se estrenaron en 1976). No deja de ser curiosos que todas ellas tengan como protagonista a Sean Connery(En el caso de la segunda compartiendo dicho protagonismo con Michael Caine), ya que el escocés siempre será recordado por ser el rostro con el que triunfó la saga de James Bond, una saga que plantó la semilla de la que brota el cine de acción moderno, en donde la narrativa se articula alrededor de los momentos de acción, frente a la aventura clásica de los 3 films citados en los que la narrativa orbita alrededor del desarrollo y evolución de los personajes, y los momentos trepidantes de persecuciones, luchas a espada o armas de fuego y los "cliffhangers" son abalorios al servicio de dicha introspección psicológica de quienes protagoniza dichos lances.

   Todo empieza cuando el autor teatral y novelista James Goldman (1927-1998), hermano del más famoso William Goldman, que venía de haber escrito "El viento y el león" tanto en su versión teatral, como en su adaptación cinematográfica de 1968 (Con un reparto de campanillas: Peter O´Toole, como Enrique II de Inglaterra, Katherine Hepburn como Leonor de Aquitania y dos debutantes actores galeses que en el futuro darán mucho que hablar Anthony Hopkins como el futuro Ricardo Rey de León y Timothy Dalton como Felipe II de Francia). A James Goldman aún le sigue fascinando la Edad Media y la figura de Corazón de León, y su hermano Juan, y decide incorporarlos en un tratamiento cinematográfico sobre la figura de Robin Hood (Goldman volvería también a la figura de "Juan sin tierra" en su novela "Myself as witness". Un tratamiento en el que buscaría alejarse a toda costa del resto de la filmografía del personaje en favor de un tono realista y adulto más afín al de "El viento y el león".

 James Goldman.

  El Robn Hood de Errol Flynn, la versión "de comic" que Goldman quería evitar a toda costa.

   Porque ya desde la primera gran incursión del personaje en el séptimo arte en la versión de 1922 protagonizada por Douglas Fairbanks Sr, y sobre todo por el remake sonoro y a technicolor de esta que fue "Robin de los bosques" (1938) que fue la que asentó el mito en el cine, la filmografía del personaje siempre se caracterizó a lo largo de los años 40, 50 y 60, por un tono de capa y espada bastante ligero, con films de clara vocación familiar, que es una forma de decir que buscaban que los niños arrastrasen a sus padres al cine, bebiendo claramente de la película de Errol Flynn de 1938, incluso alguna de ellas, intentado pasar como secuelas de este como "El hijo de Robin de los bosques" (1946) con Cornel Wilde. Sin embargo ninguna de las versiones posteriores podrá evitar ser opacada por la de 1938, tan solo "Robin Hood" (1973) por su condición de film animado de la Disney protagonizada por animales antropomórficos, conseguirá destacar algo, y aún a pesar de sus caracteriíticas, sigue mirando hacia la versión en imagen real con Errol Flynn.

El Robin Hood de Disney, el único que puede presumir de ser más velludo que el de Sean Connery.

   Entrado en los años 70, el cine de aventuras medieval de capa y espada ha dejado atrás su momento de mayor esplendor, allá por los años 50, Hollywood y el cine inglés, han dejado de lado al personaje, el cual solo aparece en producciones italianas y españolas de bajísimo presupuesto como  "El triunfo de Robin Hood" (1962) de nada más y nada menos que Umberto Lenzi o la hispanoitaliana "El magnífico Robin Hood" (1970) de Roberto Bianchi Montero. En un Hollywood  "mainstream" que ya no miraba al pasado, sino que prefería retratar el presente, y en el que cotizaba en alto la cotidianidad más dura y sórdida de películas como "The french connection" (1971), "Chinatown" (1974) "Taxi driver" (1976) y el espectáculo catastrofista y grandilocuente de "La aventura del Poseidón"(1972), "El coloso en llamas" (1974) y "Terremoto"(1974), las fantasías medievales, con tono de cómic protagonizadas por el saltarín Robin y sus bandas enfundados en mallas verdes, no era un material por el que las productoras se pelearan.

  Sin embargo, a la hora de abordar el mito James Goldman se aleja de la ortodoxia que el cine ha impuesto sobre él. Escribe un libreto en el que Robin no es la ágil, vitalista y pendenciera figura que encarnaba Errol Flynn, sino un veterano de las cruzadas que vuelve al hogar, desencantado y hastiado de la brutalidad de la guerra y de las matanzas crueles de inocentes que ha visto en ella, de la misma manera que en esos primeros años 70, muchos norteamericanos regresaban a casa del conflicto de Vietnam. Un Robin que ha dejado atrás los años de mayor esplendor físico, y que ahora, al levantarse del lecho donde ha dormido a la intemperie, se levanta dolorido y achacoso. Un Robin que vuelve a Inglaterra buscando a su antiguo amor Marian (Audrey Hepburn), para encontrarla convertida en abadesa de un convento y aún despechada por haberla abandonado. También se encontrará de nuevo con su mortal enemigo, el Sheriff de Nottingham (Robert Shaw), con el que volverá a batirse en un duelo de tintes crepusculares. De hecho el título original del guion era "La muerte de Robin Hood" pero los productores se opusieron y será la próxima versión protagonizada por Hugh Jackman la que luzca con ese título.

    Goldman deja de lado las "set pieces" de acción, que en el libreto quedan reducidas al mínimo imprescindible, para centrarse en los personajes, y a través de ellos tratar temas como el paso del tiempo, la vejez, el contraste entre leyenda y realidad, la desilusión y el amor imperecedero a través del tiempo, temas que apelan no al público infantil o adolescente, sino al más maduro. Quizás por eso el libreto llamó la atención de la productora Rastar que compró el guion y junto a su socio habitual, Columbia Pictures, procedió a desarrollar la película. Acorde con ese tono adulto, se pensó en contratar los servicios de directores como John Frankenheimer y David Lean (Extraña elección el primero, muy apropiado el segundo). 
 
   Sin embargo el elegido sería el inglés Richard Lester, merced a su reciente labor en el díptico sobre "Los tres mosqueteros" que acababa de dirigir para los productores Alexander e Ilya Salkind. Lester, había surgido en la televisión británica de los años 50 y fue uno de los directores más destacados de la nueva ola de realizadores que a lomos de la filosofía del "free cinema" habían llegado al cine proponiendo nuevas formas, basadas en un montaje rápido, uso innovador del zoom , la fusión de género, el tono irreverente y bufo e influencias de la cultura "pop" del momento, aspecto claramente destacado en sus colaboraciones con los Beeatles como "A hard day night" (1964), si bien Lester ya demostró en el film catastrofista "El enigma se llama Juggernaut" (1974) que podía aparcar sus "tics" más vanguardistas en aras de una realización mucho más sobria y convencional. En su película sobre los personajes de Dumas, había aplicado su visión irreverente y su querencia por el humor "slapstick" para  humanizar a Dartagnan y sus amigos (Y también a sus enemigos) situándolos a ras del suelo y tirándolos del marmoleo podio en que el cine les había situado. Porque al bueno de Lester lo que le atrae de los mitos es precisamente desmitificarlos, desde una óptica a la vez humorística y naturalista, y eso es precisamente lo que el libreto de "Robin & Marian" pedía.

Richard Lester junto a Sean Connery y Audrey Hepburn en el set.

    Para el papel protagonista, se pensó en Paul Newman el cual se mostró interesado en el proyecto. Sin embargo los ejecutivos del estudio, por un lado no querían que el presupuesto superara los 3 millones de dólares, algo imposible de conseguir con el salario de Newman y por otro lado no les convencía la idea de Newman interpretando una versión ajada y achacosa del personaje, por lo que la cosa quedó en aguas de borrajas, en favor de un Sean Connery que aunque aún conservaba algo del inmenso estrellato conseguido en los 60 interpretando al agente 007, al mismo tiempo no vivía precisamente su mejor momento en cuanto a la repercusión en taquilla de sus films como protagonista, lo que le hacía mucho más barato de contratar (Obviemos "Asesinato en el Orient Express" de Sidney Lumet porque allí era un papel secundario dentro de un reparto estelar). Además el escocés se encontraba luchando duramente por deshacerse de la imagen de "superhéroe" que el agente 007 le había granjeado, por lo que no dudó no solo en aparecer como un Robin Hood envejecido y achacoso, sino además calvo (Prescindiendo de los peluquines que usaba para algunos papeles) y con pinta de mendigo harapiento en muchas escenas, que trepa por un muro de una forma lenta y torpe para llegar a lo alto sin resuello y que lucha cuerpo a cuerpo no en una grácil y elegante pelea coreografiada, sino de forma torpe caótica y sucia.

 Un Robin Hood con aspecto "hobbo" a años luz de la fachada impoluta y glamourosa del de Michael Curtiz.

    

   El papel de Marian sirvió para el regreso a la interpretación de una Audrey Hepburn que no había trabajado como actriz desde su aclamada interpretación de una ciega acosada por unos criminales en "Sola en la oscuridad" (1967) de Terence Young. La verdad es que no fue un retiro planeado, simplemente la actriz, a falta de encontrar ofertas que le estimulasen, decidió permanecer en su hogar y centrarse en el cuidado de sus hijos. Fueron sus propios hijos los que la convencieron para que aceptaran el papel, pues les entusiasmaba la idea de que su madre "compartiera pantalla con James Bond" (Lo que da fe del encasillamiento que aún sufría Connery a pesar de llevar entonces más de 5 años alejado del papel). La verdad es que con sus 46 años en el momento de rodar el film, la actriz británica muestra, no solo una excelente química, sino una fotogénica belleza de la que pocas mujeres pueden presumir a esa edad, con primeros planos en que la cámara parece mimarla.

Se diría que mejoraba con los años.

   Un Robert Shaw que acababa de disfrutar del tremendo éxito de "Tiburón", encarna a un Sheriff de Nottingham cuyo retrato se sale de la ortodoxia. En un momento determinado del film Robin y Little John reflexionan sobre cuan lejos está la leyenda de sus hazañas de la realidad, y el Sheriff mostrado aquí parece corroborar ese hecho, ya que la versión de Shaw está en las antípodas de la de, por ejemplo, compuso Alan Rickman 14 años después. Este Sheriff es un rival y antagonista, pero no un ser malvado. Trata con un respeto rayando en la amigabilidad a Robin, exige a Sir Ranulf (Kenneth Haigh) que se cumpla su palabra de respetar la vida de los hombres de Sherwood si él pierde el duelo final  un Sir Ranulf que es el auténtico villano de la función, representante del poder establecido, y por tanto ridiculizado por un Lester hijo de la contracultura de los sesenta y lamenta la muerte de sus hombres, culpándose de no haberles enseñado a luchar mejor. Un sheriff de Sherwood tan noble, que incluso el propio Robin, tras vencerle le cataloga como el mejor hombre de los dos. Connery se enfrentaba a Robert Shaw 12 años después de "Desde Rusia con amor" y el segundo aún veía al primero como un rival en la lucha por el estrellato cinematográfico. Uno de los aspectos que más llamó la atención a Sean Connery de Robert Shaw es que este, a diferencia de cuando coincidieron en el pasado, el actor mostraba progresivamente, una mayor tendencia cansarse físicamente y a no soportar el rigor del rodaje, teniendo en cuenta que Robert Shaw moriría de un ataque al corazón 13 meses después del rodaje, es muy posible que su cuerpo estuviese mandando señales sobre su afección cardiaca.

Robert Shaw como el más humano Sheriff de Nottingham que hayamos visto.

   Al trio protagonista, hay que añadir a un reparto de de secundarios de primera categoría. Nicol Williamson (1936-2011), el inolvidable Merlín de "Excalibur" (1981) de John Boorman  como Little John, el inseparable camarada de Robin, secretamente enamorado de Marian (Su confesión es uno de los momentos más emotivos y humanos de la cinta), Denholm Elliot, el también inolvidable Marcus de la saga de Indiana Jones como el ya no tan joven Will Scarlett y Richard Harris, a petición del propio Connery del quien se había hecho gran amigo rodando juntos "Odio en las entrañas" (1970) como un Ricardo  Corazón de León tiránico y sanguinario, muy alejado del retrato idealizado que los ingleses suelen hacer de él. Lo cierto es que, mientras que Connery y Hepburn hicieron gala durante el rodaje de una gran disciplina y profesionalidad, haciendo el trato con ellos por parte del director extremadamente fácil, el trio Williamson/Shaw/Harris, alcohólicos de primera capaz de beberse hasta el agua de los floreros, mostraron ser extremadamente problemáticos incluso cuando milagrosamente estaban sobrios. Tampoco dejó de dar problemas un Denholm Elliott, bisexual en su vida privada, al que seguro no le hicieron gracia los comentarios homófobos de Robert Shaw, y que en lugar de hospedarse en un hotel, prefirió hospedarse en la celda de un monasterio, no por fervor religioso, sino porque en él se cultivaba un delicioso vino tinto, por lo que el actor aparecía por el set lo justo para rodar sus escenas y el resto del tiempo lo pasaba en dicho monasterio empinando el codo.

Richard Harris como Ricardo Corazón de León.

 Nicol Williamson como Little John.


Denholm Elliott como Will Scarlett y Ronnie Barker como Fraile Tuck

En un plano más secundario, tenemos la breve aparición en una escena de Ian Holm encarnando a un rey John acomplejado por la figura de su difunto y guerrero hermano Ricardo compartiendo escena, nada más y nada menos, que con una jovencísima y muy bella Victoria Abril (Acreditada con el nombre de Victoria Mérida Roja), debutando en su primer papel en el cine como la amante del príncipe John, la reina Isabella, diciendo sus primera líneas ante la cámara en un muy aceptable inglés.

Ian Holme y Victoria Abril, perdón quise decir Victoria Mérida Roja.

    La película se rodó totalmente en España, es cierto que Lester, desde los años 60 con "Como gané la guerra" (1967), coprotagonizada por Michael Crawford y John Lennon se había habituado a usar nuestro país como plató , y es cierto que, sobre todo gracias a su versión de los tres mosqueteros, contaba con profesionales patrios  de confianza como el diseñador de producción Gil Parrondo o la inglesa afincada en España diseñadora de vestuario Yvonne Blake, pero lo cierto es que el rodar en España se debió principalmente a que muchos de los implicados en la producción eran exiliados del fisco británico y no se podía rodar en Inglaterra con ellos. Es por ello que, a fin de recrear la verde y frondosa Nottingham y el no menos frondoso y verde bosque de Sherwood, se recurrió a localizaciones situadas al norte de nuestro país como Navarra, donde se recreó la ciudad de Nottingham en Artajona y el bosque de Sherwood en la sierra de Urbasa y en Zamora se usó el castillo de Villalonso para recrear el asedio al castillo de Châlus-Chabrol, donde falleció el rey Ricardo. Como curiosidad, para el papel del viejo tuerto que lanza la flecha que mata al monarca, en lugar de maquillar a un actor, se recurrió a los servicios de Esmond Knight, el cual era tuerto al perder un ojo en la segunda guerra mundial y por tanto solo tuvo que rodar sin su ojo de cristal. Lo cierto es que si bien el paisaje da el pego, el hecho de que el film se rodara entre mayo y julio hace que dicho paisaje en la película esté continuamente bañado por el sol estival español otorgándole una atmósfera poco asociable con el clima de la pérfida Albión.

 

   Para la banda sonora se requirió los servicios del francés Michel Legrand, pero su trabajo no gustó a los productores y fue sustituido por una nueva banda sonora compuesta por John Barry. No obstante, el trabajo de Legrand vio la luz en una edición en CD en Francia en 2009 y el francés pudo "vengarse" de John Barry componiendo la (horrible) banda sonora del 007 extraoficial "Nunca digas nunca jamás" (1983) por petición del propio Sean Connery. En cuanto a la banda sonora de John Barry, su belleza es innegable, pero por otro lado, al escucharla uno no puede evitar la sensación de que es un John Barry muy genérico y que sin desentonar con las escenas, no encajan del todo en ellas, como si el bueno de Barry, ante el corto plazo que tenía para realizarla, se limitase a buscar en su armario temas ya compuesto pero desechados para otros films e incorporarlos a la película. De hecho ni siquiera se escucha las melodías de sonidos medievales que uno siempre encuentra en películas de este tipo.

 

   Parte de la rechazada banda sonora de Michel Legrand.


Tema de los créditos iniciales por John Barry (¿No os parece un tema desechado para los villanos de un film Bond)?.

   A pesar de prescindir de Paul Newman y de rodar en España en lugar de Inglaterra, no se pudo mantener el presupuesto inicial de 3 millones de dólares y la película terminó costado 5 millones, aún así, dentro del contexto de la época, un presupuesto muy corto para un film de ambientación medieval. Lo cierto es que hicieron bien en mirar por los gastos, ya que al estrenarse en marzo de 1976, si bien fue generalmente bien recibida por la crítica (Richard Lester siempre ha sido tratado con bastante benevolencia por el gremio) el público no la abrazó tan alegremente, recaudando en Norteamérica la muy decepcionante cantidad de entre 8 y 8,72 millones (No existen registros de la taquilla internacional en esos años), una cifra harto insuficiente para cubrir los costos de producción, distribución y publicidad.

    ¿Por qué el público no recibió con los brazos abiertos el film de Lester?. Analizando la época desde la perspectiva actual es fácil deducirlo. En los años 70 la edad media del público asistente se había ido reduciendo cada vez más con los años y para 1976, los niños, adolescentes y jóvenes de veinteañeros eran el núcleo del público más importante. Una audiencia que, como demostró al año siguiente George Lucas en 1977, no querían desconstrucciones desmitificadoras, con personajes otoñales y cansados, interpretados por dos actores: Audrey Hepburn y Sean Connery de los que se percibía en 1976 que eran viejas estrellas cuyo tiempo ha pasado (Si bien como toda sabemos a finales de los 80 la carrera del escocés resurgiría espectacularmente). El público quería encontrar en la aventura,  vitalidad, dinamismo, mitología grandilocuente y nuevos rostros, por eso acabarían ovacionando a Luke Skywalker y poco después a Indiana Jones, la película de Lester ofrecía melancolía, ocaso, desilusión y unos personajes envejecidos y cansados interpretados por actores cuyo tiempo parecía haber pasado ya.

   Sin embargo, no deja de ser el primer título que aportó un tratamiento adulto al mito, adelantándose a la versión de 2011 de Ridley Scott (Si bien frente al lirismo y romanticismo de la de Lester la de Scott apuesta más por la lectur política) y a la próxima versión protagonizada de Hugh Jackman(Que también juega a la desmitificación pero desde una óptica más oscura y violenta). Además  la película consiguió perdurar en el tiempo y no quedar olvidada, son muchos las que la sitúan entre sus películas favoritas y consideran las interpretaciones de Hepburn y Connery como uno de las más hermosas historias de amor otoñal de la Historia del cine y una de las cumbres de las carreras de ambos actores. Así que celebremos que el próximo 11 de marzo "Robin y Marian" cumplirá 50 años de su estreno.

 

[Raziel Monsalud]

Muchas gracias por la efemérides, otra película que tengo que revisitar antes de escribir la loa a Audrey Hepburn.

[rafaelgg]

Muchas gracias por la efemérides, otra película que tengo que revisitar antes de escribir la loa a Audrey Hepburn.

   La tienes desde el viernes pasado en Filmin.

[Greywolf]

Rafa, ayer se cumplieron 40 años del estreno de esto, asi que espero pronto tu post  

[rafaelgg]

Rafa, ayer se cumplieron 40 años del estreno de esto, asi que espero pronto tu post  

  No es de mis peliculas preferidas  pero será la siguiente.

[rafaelgg]

Joder tenía muy olvidado este hilo, lo resucito, si bien muy posiblemente no me explaye tanto como antes en algunas películas de las que ya hayamos hablado bastante en otros hilos:

     "The Rocketeer"(1991)

   Reliquia de una era en la que Disney pugnaba por hacerse un hueco en el mundo de los blockbusters multimillonario y todavía no se había convertido en una máquina de generarlos como churros (Me remito al debut de "Toy Story 5" este último fin de semana).

   En su búsqueda de taquillazos la empresa del ratón se intentaba aferrar al mundo del cómic, influenciada por el estruendoso éxito de Warner con "Batman" (Lo que son las cosas, ahora es la empresa de Bugs Bunny la que intenta replicar el éxito de Disney en el género). Primero lo intentaron en verano de 1990 con "Dick Tracye", al año siguiente con esta "The Rocketeer" basado en el cómic de Dave Stevens (Impresionantemente hermoso en cuanto a dibujo, pero algo moroso en cuanto a lo narrativo). Un cómic, en el que no solo Stevens plasmó todo su cariño por los años 30 y la cultura popular de entonces (Los pulps, los cómics, el Hollywood dentonces con sus largometrajes y  seriales los circos aéreos, sus chicas "pin ups"...) trufándolo de referencias y guiños y recreando dicha época de forma idílica, sino que incluso prestó sus rasgos físicos al héroe de la Historieta: Cliff Secord, joven aviador devenido en héroe involuntario.

Publicación de Pacific Comics en la que la creación de Dave Stevens vio la luz.

   El héroe apareció en viñetas en 1982 y ya al año siguiente, el director Steve Miner se hizo con los derechos, sin embargo, su intento de hacer una adaptación my libre y alejada del original hizo que al final los derechos revertieran a su creador y este a su vez se los diera a los guionistas Danny Bilson y Paul de Meo. Estos planearon junto al diector William Dear (Director de "Bigfoot y los Henderson") una adpatación de bajo presupuesto, rodada en blanco y negro y con un tono más adulto que la que finalmente tuvimos.

Paul De Meo, Danny Bilson y Dave Stevens en el set del film.

   Al final el citado éxito de "Batman" hizo que Disney se implicara en ella invirtiendo un presupuesto muy elevado, estimado entre 35 y 40 millones pero imponiendo sus condiciones. Nada de blanco y negro y por supuesto el guion debía de tener un tono "family friendly" acorde con los prodtos de la casa, por lo que William Dear tuvo que dejar paso a un Joe Johnston que venía de otorgarle a la compañía el gran éxito de "Cariño he agrandado a los niños". Así pues "Rocketeer" seguiría siendo un producto "pulp" pero más blandito, por lo que aquí no encontraríaamos los momentos violentos y macabros como los de la saga Indiana Jones (Al menos las dos primeras, "La última cruzada" también cayó algo en el tono "family friendly". Nada de tiroteos con sangre brotando de las heridas de los malos, nada de mórbidas secuencias con serpientes o insectos, mucho menos sacrificios con corazones arrancados. No olvidemos que uno de los incentivos de Disney era sacar mucho merchandising licenciado en forma de juguetes y demás productos licenciados para los más jovenes..

   Aún así el director y los guionistas consiguieron esquivar las pretensiones del estudio de primero, ambientar la historia en el tiempo presente, y luego, a falta de haber conseguido lo primero, que el héroe vistiera un casco menos retro más acorde con los modernso de la NASA. En definitiva, Dsiney quería adaptar "The Rocketeer" destruyendo la esencia de "The Rocketeer". Afortunadamente los creadores fueron inflexibles.

   Al decir verdad una de las pretensiones de Disney si era bastante razonable: Que el héroe estuviera protagonizado por un rostro familiar. Su opción favorita era Johnny Deep, famoso entonces por la serie "Jovenes policias", pero este rechazó la oferta (Los blockbusters no le interesaban entonces), Kevin Costner también rechazó la labor, otros actores como Emilio Estevez y Bill Paxton lucharon por el papel, pero al final se lo quedó un desconocido Bill Campbell, que lo que más había conseguido hasta entonces es ser finalista para el papel de William Ryker en "Star Trek: La nueva generación". La verdad es que entre lo plano del personaje y la falta de carisma del actor hacen que el héroe sea uno de los puntos débiles de la cinta.

 Johnny Depp, el actor que quería como héroe (Pero tuvieron que esperar hasta "Piratas del Caribe")


Bill Campbell, el héroe con el que se tuvieron que conformar.

   Sin embargo el resto del reparto fue francamente inmejorable: Alan Arkin, esplendido en el papel de mentor del héroe, el mecánico "Peev" Peabody (Despues de que lo rechazara un Lloyd Bridges), Paul Sorvno como el gangster Eddie Valentine, secuaz del villano principal (Después de que lo rechazara su compañero en "Uno de los nuestros" Joe Pecci) Terry O´Quinn como el mismísimo Howard Hughes (En un rol secundario que hace que uno se pregunte que hubiera podido hacer en el biopic sobre el personaje que hizo Martin Scorsese) y un magistral Timothy Dalton como el socias de Errol Flynn, el actor Neville Sinclair que esconde un oscuro secreto (Los que conozcáis los rumores sobre Flynn sabreis cual)

Dalton, maldad carismática y elegante que no tiene nada que envidiar a la del Hans Gruber de Alan Rickman.

 
  Pero mención especial a ELLA, LA MUJER, una Jennifer Connelly que, en su primer papel adulto está ABSOLUTAMENTE ARREBATADORA como Jenny Blake, apirante a actriz y novia del héroe, con su mezcla soberbia de ingenuidad y sensualidad, con su físico de chica "pin up" de los años 30 que hace que el estilo de esa época le siente como un guante y la hace ideal para el papel. De hecho es más guapa incluso que la Betty Page, la chica original que en el cómic Dave Stevens convirtió en novia de su héroe. Maniobra que los señores de Disney no quisieron replicar en cine por no entrar en problemas de derechos de imágen, ni falta que hacía. Connelly nunca ha estado más guapa que en esta cinta.

 

 

La película, lanzada cuidadosamente por Disney, podía haber sido uno de los grandes éxitos de Disney, sin embargo alguna mente privilegiada decidió lanzarla a finales de junio de 1991, mandándola a competir no solo con uno de los grandes lanzamientos de ese año "Robin Hood: Principe de los ladrones", que se había estrenado una semana antes, sino contra el título más esperado de ese 1991: "Terminator 2: El juicio final", que se estrenaba el 3 de julio de ese año. Emparedada entre ambos trasatlánticos, y combatiendo contra la cinta de James Cameron y sus "state of the art" efectos digitales que hacían que los elaborados pero analógicos efectos de "The Rocketeer" resultaran viejos y superados, la película tuvo un decepcionante desempeño comercial de 46 millones en la taquilla USA que hizo que Disney apenas la promocionara en el resto de sus países y cerró las puertas a las proyectadas secuelas (Recuerdo perfectamente ir el miércoles día del espectador en la primera sesión del día en el desaparecido Cine Andalucía de Cádiz y ser apenas 3 personas en la sala).
 
   Sin embargo la película fue un éxito en los videoclubs, y los sucesivos pases televisivos a lo largo de los años, han creado un culto en torno a ella que ha motivado que Disney más de una vez se plantee resucitar al personaje para la gran o pequeña pantalla, aunque como no, el último instante consistía en hacer una secuela en la que el personaje protagónico que heredara la mochila y el casco fuera mujer y negra. Afortunadamente el proyecto se canceló. No tengo nada contra cambiar el sexo o la raza del protagonista, pero bien podrían hacerlo cuando el Cliff Secord original estuviera agotado de tanto usarlo.

  ES por ello que es justo que celebremos que AYER 21 DE JUNIO "THE ROCKETEER" CUMPLIO 35 AÑOS.

[rafaelgg]

"Los inmortales" (1986)

      Cuenta la leyenda que el californiano Gregory Widen, futuro guionista de otro film que este año también cumple efemérides, 35 años en concreto, como es "Llamaradas"(1991) de Ron Howard, tuvo que escribir un guion como parte de "tarea para casa" cuando realizaba sus estudios de cine en la UCLA, esa institución angelina que nos dió toda esa generación del nuevo Hollywood de los 70: Spielberg, Coppola, Scorsese Lucas.....tanto genio suelto entonces en el "mainstream" (Y tan pocos ahora). Widen recordó una de las películas que más le habían impactado años atrás "Los duelistas" (1977) de Ridley Scott. Al mismo tiempo recordó unas vacaciones en Escocia en las que visitando el museo de la Torre de Londres y contemplando una vieja armadura medieval, se preguntó como sería ese hombre de seguir vivo en el mundo actual. Mezclando esa idea con la de los personajes que se enfrentan en diverso duelos a espadas durante años, Widen construyó una  película de fantasía heroíca, sobre una raza de elegidos incapaces de morir, salvo si son decapitados, que se sobreviven en nuestras sociedades, desapercibidos para los mortales, y se enfrentan entre ellos con vistas a que solo sobreviva uno, que será el elegido para recibir un misterioso premio.

Gregory Widen junto a Sean Connery.

   Widen consiguió vender los derechos sobre el guion al productor televisivo William Panzer y su socio Peter Davies, si bien por una muy modesta cantidad (Equivalente a unos 5000 dólares de hoy en día). si bien el trato incluía pagos periódicos a fin de mantener los derechos sobre el libreto. El duo Davis y Panzer, en las siguientes décadas prácticamente vivirían en exclusiva de explotar la saga creada a partir de "Los inmortales".
  Dada la poca entidad dentro del Hollywood del duo Panzer y Davies (Cuya mayor proeza previa a este film fue producir el discreto último largometraje de Sam Peckinpah: "Clave: Omega"(1983) no consiguieron interesarse por el proyecto a ningún estudio de Hollywood y tuvieron que cruzar el océano y vender el guion a la filian cinematográfica de la entonces poderosa Thorn Emi. 

   Dicha productora había conseguido hacerse un nombre importante en la industria cinematográfica con títulos como el ciclo de adaptaciones del detective Hercules Poirot protagonizadas por Albert Fincley y Peter Ustinov y que incluso había llegado a coproducir con Columbia Pictures importantes blockbusters como "Abismo"(1977) y "Encuentros en la Tercera Fase" (1977) de Steven Spielberg. Además Thorn Emi tenía cierta afinidad con el fantástico ya que había producido y/o distribuido en el Reino Unido títulos de culto como "Zombie"(1978) "Evild dead" (1982) o "Xtro"(1982) o "Terminator"(1984) que les había generado bastantes ganancias, por lo que tenía sentido que se interesaran por el guion de Widen. Un guion cuyo primer borrador que fue en su mayormente respetado, algo insólito, ya que todos sabemos, dentro del cine anglosjaón "mainstream" que lols libretos son sometidos a contantes reescrituras que se alargan a veces, hasta el propio rodaje del film. Simplemente se hicieron ligerísimos cambios, a fin de aligerar el tono de la Historia (Bastante más oscura tal y como la concibió originalmente Widen). Más allá de algunos ligeros cambios en el dibujo de los personajes (El mentor del héroe Ramírez era 100% español no egipcio y el villano "El Kurgan" era oginalmente llamado "El caballero"), la modificación más importante es mostrar a los Inmortales como seres capaces de engendrar descendencia. Así pues en el libreto original, se decía que el protagonista, Connor McLeod, había engendrado a lo largo de los siglos 37 hijos.


  Thorn Emi Screen (Así era el nombre completo de la productora) tenía ambiciosos planes con respecto a la película de ahí que decidiera invertir la muy generosa cantidad (Sobre todo para los estándares de la industria británica) de 19 millones de dólares. Acorde con dicha inversión, y buscando que la película tuviera opciones de convertirse en un éxito en el importante y gran mercado estadounidense, para el papel protagonista, el escocés Coonor McCleod se barajaron actores norteamericanos. Surgieron así nombres como Jeff Bridges(Que estuvo muy cerca de ser elegido según Russel Mulcahy) Michael Douglas, Mel Gibson, Mickey Rourke, Sam Shephard, William Hurt, Peter Weller, Kevin Costner, Ed Harris entre otros. También se barajó incluso que el británico Sting hiciera las dobles funciones de protagonista y suministrador de canciones para la banda sonora. Al final la productora se decidió por Kurt Russell que llegó a comprometerse para el papel, no obstante a insistencia de su esposa Goldie Hawn, terminó abandonado el proyecto en favor de "Golpe en la Pequeña China"(1986) de su amigo John Carpenter.

Kurt Russell, el Connor McCleod que casi tuvimos.

   Al final el elegido sería un Christphe Lambert recien salido de "Greystoke: La leyenda de Tarzán el rey de los monos"(1984) que invertiría 6 semanas en intentar pulir su marcado acento francés para sonar más anglófono. No lo consiguió al 100% no obstante el director de la cinta Russel Mulcahy, que fue el principal responsable de la elección del actor, defendió su peculiar acento argumentando que McCleod es un personaje errante y apátrida y que por tanto su pronunciación al hablar debía ser necesariamente difusa.


    Para el papel de Ramírez, el "Obi Wan Kenobi" personal del héroe, inicialmente se pensó en nombres como Peter O´Toole, Michael Caine o Gene Hackman. Sin embargo el libreto llegó a las manos de un Sean Connery que por aquel entonces, 1985, se encontraba en un punto bajo de su carrera. Connery había intentado apasionadamente durante los años 70 crearse una carrera más allá del personaje de James Bond sin conseguirlo, hasta el punto de que, a fin de reverdecer su cotización como actor, había tenido que volver al personaje 2 años antes en el título extraoficial "Nunca digas nunca jamás"(1983) cuyo éxito parecia dejar patente que el público solo estaba dispuesto a pagar por verle como 007. Esto junto al desastrosos resultado artístico y comercial de su siguiente film: "El caballero verde"(1984) hacía que el actor no se encontrara en su mejor momento. Así pues aceptó aceptar en el papel de Ramírez, si bien, su compromiso con otros proyectos obligaron a rodar toda su participación en el film en el margen de una semana. Dichos proyectos acabarían siendo "El nombre de la Rosa"(1986) y "Los Intocables de Elliot Ness"(1987) que a la postre revitalizarían su carrera y su estrellato. 

  Si bien durante esa semana rodando en su Escocia natal, el actor no pudo evitar estar probar la bebida nacional, el Whisky, y estar algo "achispado" durante el rodaje, bien es cierto que hizo gala del grado de compromiso que siempre le caracterizó, forzando reuniones con los productores y el director a fin de enmendar aquello que según él necesitaba ser arreglado. Aunque los productores encontraron en un primer momento innecesaria estas reuniones, cambiaron de parecer al ver las primeras muestras del metraje y comprobar como las propuestas del escocés mejoraban el producto. Al mismo tiempo, a pesar de ser un un francés "impostor" haciéndose pasar por compatriota suya, el ex-agente James Bond hizo muy buenas migas con Christophe Lambert, algo que facilitó mucho su regreso años después en la primera desastrosa secuela del film. Decididamente algunas amistades pueden ser nocivas.

   Para el papel del Kurgan, aunque inicialmente se pensó en nombres como  Nick Nolte o Scott Glenn(Que también fue candidato para Connor McCleod), posteriormente las preferencia se orientaron hacia un actor europeo: Rutger Hauer sonó con mucha fuerza, pero finalmente los productores decidieron darle el papel a Arnold Schwarzenegger, no obstante este lo rechazó por ser demasiado parecido al de Conan, y porque tras  "Terminator",  no quería quedar encasillado en papeles de villano, por lo que finalmente el papel fue a manos de un Clancy Brown que irónicamente, se inspiró en la interpretación del austriaco en la cinta de James Cameron, solo que añadiéndole un punto de humor negro y socrronería inexistente en el caso del cyborg. sin saber que a partir de este film,  sería él el que acabaría finalmente encasillado como malvado cinematográfico, viniendo de un papel que era la antítesis: La muy humana, bonachona y romántica versión de la criatura de Frankenstein en "La prometida"(1984).

Clancy Brown estuvo fantastico ¿Pero quien no hubiera querido ver a Schwarzenegger caracterizado así?

   

   Años más tarde Brown confesaría que los productores no le pagaron un salario por su intervención en esta película al estimar que ya era bastante compensación trabajar junto a una leyenda como Connery, de hecho que el dinero originalmente destinado a Clancy fue a parar a la cuenta bancaria del escocés. Quizás esto explica porqué en la escena en que el Kurgan irrumpe en el molino y da un espadazo a la mesa, en un exceso de entusiasmo, el actor casi decapita al bueno de Sean Connery. Un (En apariencia) compungido Brown se disculpó ante su compañero de rodaje, pero el bueno de Sean se lo tomó con bastante buen humor. Lo cierto es que, según Russel Mulcahy, el actor se metió tanto en la piel del sanguinario y psicótico Kurgan que llegó a un punto en que el equipo de rodaje rehuía tratar con él.

     Catherine May Stewart, vista en "El ultimo Starfighter"(1984) fue elegida para interpretar a Brenda, la forense que descubre el secreto de Connor y el resto de los inmortales cuando era Kurt Russell el protagonista del proyecto, sin embargo al abandonar este, ella tomó el mismo camino, tras barajar a actrices como Demi Moore, Annete O´Toole, o Sigourney Weaver, la bastante más desconocida (Y barata) Roxanne Hart fue quien se sumó a la producción.

 
  En cuanto a la elección de Russell Mulcahy como director, hubo varios factores que motivaron su elección. En primer lugar venía de rodar para Thorn Emi Screen otro film fantástico: La "monster movie" "Razorback"(1984) sobre un jabalí gigante que crea el caos en la Australia profunda, y que había funcionado bien festivales de cine fantástico y el videoclub derivando en "cult movie" instántanea a pesar de no funcionar en las salas de cine. Pero sobre todo se le contrató por ser un exitoso director de videos musicales, ya que se pretendía crear una película de fantasía heróica cuya narrativa y puesta en escena estuviera marcada por el lenguaje del videoclip musical, muy en boga entonces gracias a la MTV, y así atraer al público más joven consumidor de ese canal, es decir adolescentes y veinteañeros. 

  En consecuencia se establecieron contactos con artistas y grupos para que pusieran su talento al servicio del film. como el citado Sting, David Bowie (Que había contribuido mucho al éxito del "remake" de "La Mujer Pantera" por Paul Schraeder). Duran Duran, un grupo con excelentes relaciones con Russel Mulcahy tanto por la colaboración mutuas en videoclips míticos como el de "Save a Prayer" y "Wild Boys" como por el hecho de que habían permitido al director usar uno de sus temas en "Razorback" estuvieron muy cerca de componer las canciones, al igual que el grupo inglés, poco conocido por aquí, Marillion, que en 1985 estaban en la cresta de la onda en el Reino Unido con el éxito de su album "Missplaced Childhood" pero rechazaron la oferta (Años más tarde, el cantane de la banda Fish confesaría el arrepentimiento de la banda por su elección). Más allá de sus conexiones con el mundo del pop y rock exitoso del momento, Mulcahy supo demostrar que podía manejar un largometraje cuando ganó la apuesta a Sean Connery de que sería capaz de rodar todas sus escenas en solo 7 días.

   Finalmente sucedió lo que tenía que suceder y Queen, banda con la que Russel Mulcahy había colaborado en el pasado,  que venían de impactar al mundo con su impresionante participación en el concierto benéfico celebrado en Wembley en 1985, logrando destacar por encima del resto del cartel a pesar de ser uno plagado de estrellas como Elton Jonn  o los citados David Bowie y Duran Duran) son los que, tras su experiencia previa con "Flash Gordon"(1980) colaboraron en la película. Y es que solo desde el minuto 1 cuando en los títulos de créditos empieza a sonar el impresionante "Princes of the Universe"(Incluso el propio Christophe Lambert recordaba claramente lo que impactó escuchar este tema cuando su representante se lo hizo escuchar en una cinta por primera vez en la cafetería de un hotel) para darse cuenta de que el estilo operistico y excesivo de la banda es lo que el proyecto pedía a gritos. El entusiasmo de Queen hizo que composieran no una, sino varias canciones para la cinta, dando a pie a clásicos de la banda como la épica "Who wants to live forever"(Inspirada a Brian May tanto por la muerte de su padre como por la triste escena de la muerte de Heather el primer gran amor de Connor McLeod) o "A kind of magic"(Título sacado de una linea de dialogo del film). Lambert llegó a aparecer junto a la banda en el videoclip de "Princes of the universe" en el que todos salvo Mercury, lucia el icónico look del personaje de Lambert (Gabardina con vaqueros y zapatillas deportivas).

 
    Aunque no todas las canciones fueron del agrado de Mulcahy, años más tarde recordaría que, no siendo precisamente fan del Heavy Metal, "Gimme the prize", el tema dedicado al viallno Kurgan, era el único que le desagradaba, opinión que según Brian May, tambien compartían el propio Freddie Mercury y John Deacon. Por otro lado, el "cover" que la banda hizo del clásico "New York, New York" de Frank Sinatra para una escena gustó tan poco a Mercury que no fue incluido en el disco que contenía las canciones de la película: "A kind of magic" y hoy en día es dificilísmo de encontrar rastreando por la web.
 
   "Highlander" fue visionada por el público a principios de 1986 en el festival de cien fantástico de Avoriaz, en enero de 1986 fuera de competición como título que cerraba el certamen, y fue posteriomente estrenada en USA en marzo y en el Reino Unido en agosto del mismo año. A pesar de la campaña de publicidad y marketin, que incluía una novelización a cargo del escritor inglés Garry Kilworth que bajo el seudónimo de Garry Douglas expandía la trama explicando puntos oscuros de la película, como los orígenes de personajes como el Kurgan, el resultado en la taquilla estadounidense dejó mucho que desear, recaudando solo 2,4 millones y acumulando unos pobres 5,9 millones acumulados en USA y Caánada en todo su recorrido. Igualmente las críticos no fueron demasiado elogiosos, censurando lo esquemático y simple de su trama y los golpes de efectos y excesos visuales de la puesta en escena que consideraron gratuitos e injustificados. Cuando la cinta llegó al Reino Unido meses despues, en concreto el 29 de agosto de 1986, la respuesta del público tampoco fue demasiado entusiasta, recaudando su primer fin de semana la raquítica cifra de solo 147.153 libras.

Lo cierto es que el muy sobrio poster para el mercado USA, no ayudaba, frente al mucho más sugerente usado en Europa.

 

   Pero la cosa fue muy diferente en el seno del continente europeo donde la recepción fue de lo más entusiasta, en Francia, sin duda ayudada por el protagonismo de Lambert, acabó siendo la segunda película más taquillera del año, éxito que se repitió en otros territorios como Alemania, Países Bajos e Italia. Sin embargo aquí en España donde se estrenó el 1 de septiembre de 1986 gracias a una Filmayer otrora poderosa productora/distribuidora pero ya cerca de su decadencia, la película pasó tan desapercibida, que muchos de nosotros no supimos de su existencia hasta la llegada al videoclub o en su primera emisión televisiva en el Sábado Cine del 3 de noviembre de 1990. Emisión tan pronta en nuestro país muy posiblemente porque su fracaso en salas abarató mucho los derechos de emisión. Al mismo tiempo, a lo largo de los lustros, los niños, adolescentes y jóvenes que se habían criado viendo y adorando la película, empezaron a hacerse los dueños de la "mass media" y a erigirse en creadores de opinión, lo que hizo que empezara a surgir entre los críticos (Formados por estas generaciones) una reevaluación de la película de Russell Mulcahy y su posterior reivindicación.

   A esa revaluación critica influyó el hecho de que "Los inmortales" fue uno de esos numerosos casos en que una película que no había sido exitosa en el momento de su exhibición cinematográfica, se convirtió en una cuyas cintas de VHS editadas para los videoclubs, acababan deterioradas debido a a la asiduidad conque eran alquiladas por el público. Fue en dicho formato de VHS donde la película alcanzó la notoriedad necesaria como para deviniera  en franquicia y que tuvo su continuación en ediciones en DVD, Bluray y Bluray 4K. Ediciones que nunca podrán contener un montaje del director, ya que todo el metraje eliminado desapareció en el incendio del almacén que lo albergaba. Así pues nunca veremos escenas como aquella en la que un Inmortal llamado Yung Dol Kim que trabaja de guardia de almacén y que se haya cansado de su existencia, al ser enfrentado por el Kurgan, se rinde sin luchar para que el Kurgan le conceda su derecho a morir,  o el "flashback" del pasado en el que Connorconocía Thomas Jefferson, o una secuencia en la que Connor y el inmortal  Kastagir tras reunirse en Central Park acaban en un bar en una celebración al que se unía el detective que investiga a McCleod, Bedsoe(John Polito) y se nos narraba el inicio de la amistad entre los dos inmortales.

Además de distribuirla en cines, Filmayer hizo lo propio en el mercado videográfico.

La escena eliminada  en la que Yung Dom Kil acepta de buen grado la muerte a manos del Kurgan, 

Imàgenes de la perdida escena de la fiesta en el bar entre McCleod, Kastagir y el detective Bedsoe.

   Una franquicia que se formó a base de 2 primeras secuelas para cine, bastante horrendas: "Los Inmortales 2"(1991) y "Los inmortales 3"(1994), la segunda de ellas de una calidad tan infame que Russel Mulcahy renegó úublicamente de ella a pesar de haberla dirigido, culpando a la injerencia de los productores del desastroso resultado, una serie de televisión emitida en 6 temporadas entre 1992 y 1997 en que el actor Adrian Paul, de sorprendente parecido físico con Sean Connery, encarnaba a Duncan McCleod primo de Connor y por supuesto también inmortal. La buena recepción de la serie hizo que los productores, ahora bajo el sello de Dimension Films/Miramax decidieran unir a Christophe Lambert y Adrian Paul en una nueva secuela cinematográfica: "Los inmortales: Juego Final"(2000) pero los pobres 13 millones de taquilla fueron insuficiente para los 25 de presupuesto del film. Aun así la dupla Panzer/Davis no se rindieron y bajo el abrigo de Lionsgate produjeron una quinta entrega, concebida como continuación de la serie  inédita en España (Hasta donde yo se) que terminó de hundir económicamente la franquicia a pesar de costar solo 13 milones  unos elevados números rojos.

Los dos primos McCleod, el cinematográfico y el televisivo, en la cuarta parte.

  Todas estas secuelas además en ningún momento intentaron mantener la coherencia entre todas ellas, convirtiendo el "lore" en una saga amorfa y sin sentido. Algo que fue a más cuando se decidió realizar un "spin off" en forma de serie de animación producida en Francia, que duró 2 temporadas, con 40 capítulos que trasladaba a Connor McCleod al futuro siglo XVII en una tierra desolada a lo Mad Max, para ponerlo a luchar contra un dictador.

  Todo este "mare magnum" sin sentido hizo que la franquicia se fue convirtiendo en una reliquia del pasado, adorada por el público de mediana edad, y que no tenia visos de volver, ya que el proyectado "remake" del que se hablaba durante años, nunca parecía florecer, con nombres como Justin Lin el español Juan Carlos Fresnadillo sonando para dirigirlas y una estrella como  Ryan Reynolds fichado eventualmente como protagonista. Sin embargo el proyecto permaneció durante años en el llamado "development hell" hasta que Chad Stalheski, en la cresta de la ola gracias al éxito de la saga "John Wick", acepta hacerse cargo del film y es entonces cuando el proyecto se acelera. A pesar de que la pandemia de Covid frena dicho impulso, el proyecto sigue tomando forma con los fichajes de Henry Cavill como Connor McCleod, Dave Bautista como el villano Kurgan y un Russell Crowe que heredará de Sean Connery el papel de Ramirez previo proceso previo de adelgazamiento intensivo, sumándose en papeles secundarios nombre como Jeremy Irons, Djmoun Hounsou y Kevin McKidd(El cual en 2009 había sido considerado para el papel de Connor). Con producción de Amazon a través de sus sello United Artist y con secuencias rodadas en Hong Kong, Polonia y Londres, y con fecha prevista para el próximo 2027 Stahilski ha prometido 2 cosas: Que usará la banda sonora de Queen y que las secuencias de acción serán algo nunca visto hasta ahora. Vermos en temas como la Historia o la narrativa, que nunca hasido precisamente lo más alabado de su cine.

Cavill y Bautista como los nuevo y mucho más ciclados Connor McCleod y Kurgan (Todo el mundo sabe que para ser un esgrimista ágil, rápido y difícil de herir por el contario no hay nada mejor que tener un cuerpo voluminoso

  

    En todos modos sirva esto como recordatorio y celebración de que el pasado 7 de marzo "LOS INMORTALES"  CUMPLIO 40 AÑOS.

   BONUS TRACK: Obra maestra que lleva poniendo banda sonora desde 1986 a todos aquellos que viven la pérdida de un ser querido y todo un hit en las listas de éxito de los velatorios y funerales. Stahilsky, como te atrevas a dejar que un rapero o reaggetonero cometa sacrilegio con ella nada te salvará de mi ira.

[Raziel Monsalud]

    Aunque no todas las canciones fueron del agrado de Mulcahy, años más tarde recordaría que, no siendo precisamente fan del Heavy Metal, "Gimme the prize", el tema dedicado al viallno Kurgan, era el único que le desagradaba, opinión que según Brian May, tambien compartían el propio Freddie Mercury y John Deacon.

Perdón, no me quedó claro si al final les gustaba "Gimme the prize" o no. En lo que a mí se refiere cuando escucho el Cd pongo en bucle "One Vision", "Gimme the prize" y "Princess of the universe", no se puede ser más rockero-épico que con ese triplete.

Por otra parte muchas gracias por recordar esta película que para muchos de nuestra generación es muy disfrutable pero no tan defendible sin nos ponemos exigentes.

[rafaelgg]

    Aunque no todas las canciones fueron del agrado de Mulcahy, años más tarde recordaría que, no siendo precisamente fan del Heavy Metal, "Gimme the prize", el tema dedicado al viallno Kurgan, era el único que le desagradaba, opinión que según Brian May, tambien compartían el propio Freddie Mercury y John Deacon.

Perdón, no me quedó claro si al final les gustaba "Gimme the prize" o no. En lo que a mí se refiere cuando escucho el Cd pongo en bucle "One Vision", "Gimme the prize" y "Princess of the universe", no se puede ser más rockero-épico que con ese triplete.

Por otra parte muchas gracias por recordar esta película que para muchos de nuestra generación es muy disfrutable pero no tan defendible sin nos ponemos exigentes.

  Hombre creo que la expresión "era el único que le desagradaba" deja muy claor la opinión de Mulcahy sobre "Gimme The Prize".

  Pasa es que entre la generación que se crió con "Los inmortales" el "Heavy Metal" es un género bastante valorado y por tanto basta conque la canción sea de ese género para que la amen, sin entrar en más consideraciones.

    Pasa lo mismo que con "Big Gun" de ACDC, todos los adolescentes y veinteañeros de entonces que la escucharon cuando se estrenó "El último gran héroe", la adoran a pesar de que fue detestada por la crítica y nominada a los "razzies", porque no tenían ese amos incondicional por el género musical.

[Raziel Monsalud]

Ah, entendido, pero es que con la expresión "no siendo precisamente fan del Heavy Metal" me despistaste, ya que muchas veces se utiliza para decir a continuación que la canción jevimetalera de marras sí le había gustado.

En cuanto a lo otro no tiene duda: los que tenemos amor incondicional por el jevi pasamos olímpicamente de los críticos y de los razzies.

[Peckinpah]

Este hilo no es para esto, pero me da pereza abrir uno para la tontería que voy a escribir.

Sly, ese auteur que le ponía la polla gorda a cierto olvidado ser, cumple hoy 80 castañas.

¿Para cuándo Demolition Man 2?

Nah. Es broma.

[rafaelgg]

      2026 debería ser considerado  año conmemorativo de la figura de Humphrey Bogart. No es que este año sea una efeméride especial de su nacimiento o de su deceso, pero sí de Humphrey Bogart como icono de todo un género. Porque si pensamos en Humphrey Bogart en el "noir", la imagen que se nos vendrá es esta:

    Efectivamente, todos pensaremos  con su sombrero fedora, su gabardina, interpretando a un encallecido detective privado acostumbrado, pero cansado, de transitar por los rincones más sórdidos y corruptos del entremado de la sociedad. Una imagen que se convirtió en cliché visual para la figura del detective como la capa de cuello alto y el frac a la figura del vampiro. Cliché surgido a tenro de dos obras magnas del género policiaco en las que el actor pudo dar vida a los dos detectives más  emblemáticos del género.

      "El halcón maltés"(1941) 

 

      "El Halcón Maltés" fue un relato originalmente publicado por entregas en la revista "Black Mask", escrito por quien, gracias a haber firmado esta obra y "Cosecha roja", es considerado el padre del "noir" como género: Dashiel Hammet. antiguo investigador de la agencia Pinkerton, sus relatos se inspiraron en parte en su experiencia previa en dicha agencia. Así pues, el personaje de "El Gordo", Kasper Gutman, interpretado magistralmente en la película por Sidney Greensmith, se basó en la figura de un investigador británico también obeso, y que se también se dedicó a la búsqueda de tesoros ocultos que el propio Hammett había conocido en el pasado. De la misma forma, el personaje de Joel Cairo, encarnando en la película por un Peter Lorre recien llegado a Hollywood tras recalar en el Reino Unido huyendo del nazismo, se basó en un delincuente de poca monta que el propio Hammett detuvo en el pasado. Sin embargo la figura central, el detective Sam Spade no se basa en ninguna persona real en concreto, sino que el escritor lo concibió como una pura fantasía masculina, el ideal que todo detective privado sueña ser: sagaz, duro, insobornable, y que se amedranta ni ante la amenaza ni de hampones, ni de la policía cuando esta le considera un incordio. Surge así el prototipo de héroe de detective "hard boiled", mucho más dado a la acción física y a los puños que al raciocinio que hasta entonces representaban figuras como Sherlock Holmes o Hercules Poirot.


 
   Tras su publicación en la citada revista pulp "Black Mask", los derechos de dichos relato sfueron vendidos a la editorial Alfred A. Knopf que lo recopiló en forma de novela, cuyos derechos fueron adquiridos inmediatamente por Warner Bros para llevarlos a la pantalla, cosa que haría en 1931.

  Porque lo cierto es que muy poca gente sabe que la película de John Huston es en realidad la tercera adaptación del relato de Hammet. La primera se titutló "El Halcón de San Francisco", con Sam Spade, dirigida por Roy del Ruth interpretado por el hoy olvidado actor Ricardo Cortez (Que a pesar de su nombre era de origen austriaco y húngaro(Pero empezó en el cine mudo, la época en los que nombres hispanps como Rodolfo Valentino y Ramón Novarro era un reclamo). Aunque totalmente opacada por la obra maestra protagonizada por Humphrey Bogart, cuenta con la ventaja de haber sido producida antes de la implantación del código Hayes, por lo que determinados aspectos que Huston tuvo que solpar en su versión (Como la homosexualidad de algún personaje) aquí se puede mostrar sin problemas. Para los que tengçais curiosidad, aquí la teneis subtitulada en español para que podáis comparar:

https://vkvideo.ru/video366348914_456239166

 Ricardo Cortez, el primer y olvidado Sam Spade del cine.

 

 
    Desgraciadamente, esa adecuación de la película a las normas del código Hayes hicieron que cuando Warner quiso reestrenar su primera versión de "El Halcón Maltés", no obtuviera los permisos oportunos. En consecuencia se rodó un "remake" titulado "Satan meets a lady" que cambiaba notablemente la historia original del Hammett hasta el punto de transformarla en una comedia. Sin embargom a pesar de estar driigida por William Dieterie, cineasta muy respetado,  la crítica y el público rechazó esta adulteración de la historia a pesar de contar a Bette Davis como coprotagonista de Warren Williams, cuyo personaje ya no atiende al nombre de Sam Spade sino de Ted Shane. La propia Davis en vida categorizó la película como "basura".

 

   

    Sin embargo, cuando no habían pasado ni 10 años, Warner decide reversionar la novela de Hammett(Para que luego nos quejemos de la fiebre del "remake" actual). El guion fue asignado a John Huston, cuyo talento para la escritura de guiones era ya reconocido. De forma accidental, el borrador del guion fue a parar a manos de Jack Warner y el productor designado para el film Henry Blake, los cuales quedaron tan encantados con el trabajo de Huston, que no pusieron impedimentos para que este debutara en la dirección lleando a la pantalla su propio guion. Eso sí, al ser un director novato, se le impuso un limitado presupuesto de tan solo 300.000 dólares.

  Sin embargo, a fin de sacar el máximo partido de cada jornada de rodaje, y así reducir costes, Huston planificó al milimetro cada elemento de la puesta en escena a partir del guion, en el que detallaba cada elemento de la escena hasta el punto que podía visualizarse dicha escena tan solo leyendo el libreto, una práctica que en el futuro adoptarían otros directores como Alfred Hitchcock y Steven Spielberg.

    Curiosamente no fue Bogart, sino George Raft, el inicialmente elegido para interpretar a Sam Spade, sin embargo, este hizo uso de una clausula por la cual, aunque en nómina de la Warner, no estaba obligado a protagonizar "remakes", de la cual hizo uso para no intervenir en el film. Pero al parecer la verdadera razón es la desconfianza del actor de ponerse en manos de un director debutante. Teniendo en cuenta que, ese mismo año George Raft rechazaría otra obra maestra del "noir" "El último refugio (1941) de Raoul Walsh podríamos afirmar sin riesgo sin equivocarnos que el bueno de "Bogey" debió de estar toda su vida agradecido al bueno de Raft ya que fue este el principal artífice del despegue de la carrera del protagonista de "Casablanca".

George Raft, "El padrino" de la carrera de Humphrey Bogart.

    Hemos hablado de la imagen icónica de Bogart con su sombrero y gabardina, lo que pocos saben es que ese vestuario fue una aportación del propio Bogart, ya que era costumbre entonces que, a fin de ahorrar costes de vestuario, los actores usaran su propia ropa en los rodajes. En todo caso, Bogart siempre tuvo un cariño especial a la película y al personaje de Spade, de hecho, durante el resto de su vida, en cada libreto que le llegaba buscaba sentir la misma sensación de magia que sintió cuando leyó el libreto de "El halcón maltés".
 
   Por contra el actor inglés Sidney Greenstreet que carecía de experiencia cinematográfica, fue contratado debido al impacto que le produjo a Huston su rotundo sobrepeso, su peculiar voz y risa y sus ojos bulbosos y tuvo que hacérsele no solo un vestuario a medida de su enorme cuerpo, sino que elementos de atrezzo como los asientos que usa el pesonaje tuvieron que ser rrediseñados acorde al físico del actor.
  
   Para el papel de la "femme fatale" Ruth Wonderly/Birggit, se barajaron actrices como Joan Bennett, Paulette Godard o Ginger Rogers, pero finalmente la escogida fue Mary Astor,  siendo la elección más erro¡nea del casting. Y es que Astor, además de lucir prematuramente avejentada a sus 35 años, carece totalmente de la sensualidad y el magnetismo del que su personaje hace gala para manipular a cualquiera que pueda serle útil en sus planes.

   No obstante sería injusto no destacar, además de las figuras de Huston y sus principales actores, la del director de fotografía Arthur Edeson, que, curtido en las cintas de terror de la Universal, dotó a la película de una atmosfera(Como la escena en la que Bogart acompaña a la policía al lugar donde su socio ha sido asesinado  o las escenas nocturnas en el apartamento de este) luego imitada miles de veces dentro del género



 
 
 

   En cuanto a la recepción de la película en su momento y al legado de esta....¿De verdad hace falta decir algo que no sepamos todos?. En su momento no solo fue nominada a mejor película director y actor secundario (Sidney Greenstreet) sino que es la cinta sobre la que Huston cimentó una carrera cinematográfica de 45 años, donde destacó especialmente en el "noir y el cine de aventuras. Junto a la citada "El último refugio" convirtió a Bogart en estrella indiscutible de Hollywood y al día de hoy no hay aficionado al género negro y policiaco que no la tenga en los altares, hasta el punto de que su popularidad supera incluso a la de la brillante novela de Hammett en que se inspira (Novela que por cierto acaba de ser objeto de una edición ilujstrada por la editorial Alma que tiene bastante buena pinta. novela que os animo a leer los que aún no hayáis leido.
 
   Los nombres de Sam Spade y Humphrey Bogart pasaron a ser sinónimos el uno del otro y ni siquiera Clive Owen, encarnando al personaje en un reciente miniserie, ha conseugido difuminar esta asociación.
   
   Es por ello que que es justo que celebremos que EL PROXIMO 3 DE OCTUBRE EL HALCON MALTES CUMPLIRA 85 AÑOS.

    Y porqué no, también celebrar que este verano, el pasado 3 jundio la primera versión cinematográfica del mito, la de Ricardo Cortés, CUMPLIO 95 AÑOS, y es ya de dominio público al alcance de cualquiera.


   Del otro gran "noir" de Bogart que cimentó su imagen de detective hablaré luego, supongo que todos sabéis que film es.

[Raziel Monsalud]

Definitivamente George Raft cometió varias veces errores en sus elecciones de papeles y éste fue de los gordos. Estoy bastante convencido de que hubiese interpretado un estupendo Sam Spade ya que carisma y experiencia en roles de tipo duro tenía de sobra.

Muchas gracias por el recordatorio de esta efemérides.

[rafaelgg]

Buenos, hagamos una pausa y antes de hablar de la otra gran película de Bogart que junto a "El Halcón Maltés" le convirtió en la imagen del detective cinematográfico por excelencia, hablemos antes de un gran film que merece ser recordado en este hilo, porque en mi opinión es uno de los dos cimientos a partir de los cuales va a surgir uno de los géneros más populares a partir de finales de los 60, pero sobre todo en los 80 y 90:


      "Los cañones de Navarone" (1961)

La verdad es que el cartel no dejaba dudas quienes eran los 3 principales protagonistas del reparto coral y por tanto con más posibilidades de sobrevivir en la misión.

   Porque siempre ha habido tendencia a catalogar a "Los cañones de Navarone" como una película bélica, cuando más bien se guía por los parámetros del cine de acción/aventura, que empieza a surgir en los años 60 y que llega a su punto de máxima popularidad y éxito en la taquilla en los 70, 80 y primera década de los 90. Porque si bien en determinados momentos la película refleja la suciedad moral de la guerra y como mina los principios morales y la conciencia de las personas, queda en un aspecto secundario. Apostando la película por el puro espectáculo visual y la pirotecnia. Además frente a la paisajística gris tradicional de trincheras, campos desolados llenos de barros y alambradas y escombros, gran parte de ese espectáculo visual viene por los muy impresionantes y bellísimos paisajes mediterráneos, especialmente Rodas, donde se rodó la mayor parte de un film. No dudo que la isla griega le debe muchísimo ingresos por el turismo gracias a la cantidad de visitantes que este film ha traido a la isla. De hecho, hoy en día hay existe allí "la bahía de Anthony Quinn", como homenaje al único actor del trio principal que interpretaba a un griego, y que en cierta manera fue un avance de su posterior e icónico papel en "Zorba, el griego" (1964).

   El rítmo sin pausa (Sobre todo para los estándares de la época, cuando el cine no se había "viciado" del lenguaje del spot televisivo y el videoclip) la acción espectacular en la que no se escatima balas, y gigantescas explosiones, sazonadas con algunas notas de humor (A cargo del especialista en explosivos interpretado por David Niven), el uso de un reparto atractivo y una escenarios geográficos pintorescos, exóticos y bellos y la trama en torno a una misión imposible,  hacen que a uno le resulte imposible equiparar esta película con la primera película de James Bond estrenada al año siguiente "Agente 007 contra el Doctor No" y por supuesto sucedáneos de dicha saga como la serie televisiva "Misión Imposible" (Que al igual que este film mostraba a un grupo de personas, cada uno con una especialidad específica, aportando sus habilidades a la realización de una misión que solo ellos pueden realizar. 

   De hecho, para mí, "Los cañones de Navarone" y "Agente 007 contra el Doctor No", crean el moderno cine de acción", esto que llamamos "actioner" y es curioso que siendo este un género que floreció mayoritariamente en Estados Unidos, ambas fueran producciones, que aunque avaladas por un estudio norteamericano, fueron producidas principalmente en Gran Bretaña por británicos, de hecho se usaron los estudios Shepperton, donde se construyó el enorme set del bunker-cueva que alberga los dos inmensos cañones móvibles de la película.

  

Antes que Jim Phelps y compañia debutaran, estos fueron la primera "Fuerza Misión Imposible", si bien frente al engaño y la manipulación de los héroes televisivos, estos eran del método más espeditivo de tirar de ametralladora, pistola y granada.

 
Construcción del enorme set de los cañones en los estudios Shepperton.

    
    De hecho, siguiendo con las conexiones con la serie del agente 007, no solo tenemos entre los miembros del equipo al británico Stanley Baker(Fallecido prematuramente en España en 1976) , que rechazó interpretar al agente secreto porque no quiso atarse a un contrato de 3 películas con los productores Saltzman y Broccoli(Para mi gusto Baker tenia un aire muy rudo y de camionero  de clase obrera pero así era también Sean Connery cuando lo contrataron), sino que el personaje de Gregory Peck: El capitán Mallory parece una versión disfrazada del James Bond tal y como lo describe en las novelas. Un tipo capaz de asesinar fríamente en el cumplimiento de la misión, con una lealtad total hacia su deber a su patria,  pero que al igual que el personaje de Fleming en las novelas de este, no puede evitar sentir una punzada en su conciencia en momentos puntuales. Incluso el físico de Peck: Alto esbelto moreno, nariz recta, mentón firme, moreno y mechón de pelo caéendole sobre la frente, encaja con la descripción del James Bond literario.
 
     Lo más curioso es que en un principio esta película la iba a dirigir un director como Alexander McKendrick, autor asociado principalmente a la comedia,  que es el que inició el rodaje. Sin embargo, pronto surgieron desavenencias con el productor Carl Foreman, principal arquitecto de esta producción al ejercer de productor y guionista. Foreman ero uno de los profesionales del Hollywood de los años 50 que, a pesar de haber ganado 3 oscars, uno de ellos por un film tan importante como "Solo ante el peligro" (1952)  se había visto obligado a exiliarse al Reino Unido por culpa de la lista negra de Hollywood del infame senador Joseph McCarthy, una lista que en 1960 aún tenía vigencia a pesar de que dicho senador había caído en desgracia y desacreditado en 1954 y fallecido por alcoholismo en 1957.

   Quizás por esos problemas relacionados con la políticas  Foreman quería rodar ante todo una película básicamente un espectáculo de acción por encima de intentar dar cualquier discurso, es decir quería rodar un "blockbuster" (Aunque aún no se había acuñado ese término), de hecho su intención inicial era dirigir él mismo la película, pero Columbia insistió en que fuera dirigida por un británico. Pero McKendrick, quizás cansado tras una racha de comedias para la productora Ealing, deseaba convertir una historia cargada de acción en un melodrama bélico pretencioso. Inmediatamente surgieron las inevitables diferencias creativas que llevaron al despido fulminante de McKendrick, sin que este llegase a filmar una sola toma, habiendo trabajado tan solo en la preproducción y la selección de actores (Que no es poco). No obstante se desquitaría años después firmando otra excelente película de aventuras (Esta de piratas) con uno de los protagonistas de "Los cañones de "Navarone", la magnífica "Vientos en las velas"(1965),  con Anthony Quinn liderando el reparto, si bien a diferencia del film producido por Carl Foreman, el segundo más taquillero de su año, solo superada por la oscarizada "West Side Story", la de McKendrick fue un rotundo (E injusto) fracaso que finiquitó el cine de piratas en Hollywood hasta la llegada de Jack Sparrow en el siglo XXI (Y de varios intentos fallidos en los 70, 80 y 90 por resucitarlo).

Alexander McKendrick.

   El caso es que aunque no había reparto si había reparto, y el miembro más destacado era Gregory Peck, segunda elección tras rechazar los productores las pretensiones de William Holden de recibir 750.000 dólares por un papel que le recordaba demasiado al que realizó en "El Puente Sobre el Rio Kwai"(1957). 

  Peck era más barato pero ya tan en la cima de su estrellato que hasta podía permitirse el lujo de interpretar a un personaje inglés sin que se le impusiera la obligación de usar un acento británico (Como tampoco lo había hecho interpretando al Capitán Horatio Hornblower en "El Hidalgo de los Mares" a las órdenes de Raoul Walsh) El era la más estrella más brillante en un film repleto de ellas, por eso cuando tras ver  el film de avneturas  "La India en Llamas"(1959) y quedar fascinado por la labor de su realizador J. Lee Thompson, ni Foreman ni nadie se atrevió a llevarle la contraria. Se iniciaba así una relación de amistad que fructificaría en varias colaboraciones más, al año siguiente en el también magistral "thriller" "El Cabo del Miedo (1962), el más discreto "thriller" de espías "La Sombra del Zar Amarillo" (1969), y el en su momento mal recibido pero  reivindicable "weird western", "El Oro de McKenna"(Esta última también una producción de Carl Foreman ya de vuelta en Hollywood).

   Desgraciadamente, a pesar de ser un brillante artesano, J. Lee Thompson, como el mismo llegó a reconocer, era una persona tremendamente inseguro y eso le llevó, en un determinado momento, a seleccionar guiones más centrados en la comercialidad que esto.  Tras dirigir las 2 últimas esntregas de una saga como "El Planeta de los Simios" que ya daba claros síntomas de agotamiento (No obstante la primera de las dirigidas por él "La rebelíon de los simios" de 1973 es interesante por ser la más violenta y política, con claras referencias al movimiento "Black Power" de la época) de convertiría en director fetiche del actor Charles Bronson, dirigiendo varios films para él en los 70 y los 80, y cayendo finalmente en las zarpas de la Cannon Film y en la "explotation" más inmunda, como su versión de "Las Minas del Rey Salomón" (1985) con Richard Chamberlain interpretando a un Allan Quatermain que era en realidad un Indiana Jones de hacendado, y la verdad es que duele ver como un tipo que firmó "Los Cañones de Navarone" y el primer "El Cabo del Miedo", cayó tan bajo. De todos esos años se puede salvar otro "weird western" que, a la sombra del éxito de "Tiburón"(1975) y el "remake" de "King Kong" (1976) mezclaba género del oeste con el de animales gigantes cabreados "El desafio del Búfalo Blanco"(1977) y "La ley de Murphy"(1985) uno de los films al servicio de Bronson pero por encima de la media.

 

J. Lee Thompson, de la gloria en los 60 a la mugre de la Cannon Films en los 80.

   Como curiosidad, Thompson tuvo como ayudante de dirección a otro nombre que en el futuro también sería importante en el género de la acción cinematográfica: Peter Yates, que tras este film, y ganar luego experiencia dirigiendo capítulos de la mítica serie "El Santo"(1962-1969) revolucionaria las persecuciones automovilistas cinematográfícas con "Bulllit" (1968) y dirgiría luego films de culto bastante recordados, aunque algunos de ellos no fueran grandes éxitos de taquilla en su momento como "La guerra de Murphy"(1971), "Abismo" (1977) o "Krull" (1983).

   Pero Peck y Quinn no fueron los únicos miembros importante del reparto. Para el papel del irónico y cínico experto en explosivos cabo Miller, Foreman tenía en mente al actor británico Kenneth More que interpretaba al oficial Lightoller en "La Ultima Noche del Titanic" (1958) y que trabajaría en el futuro con nuestro Juan Piquer Simon en "Viaje al Centro de la Tierra"(1977), pero John Davis, jefe de Rank Films se negó(Dicha situación hizo que More insultara y jurara en plena ceremonia de los BAFTA, terminando ahí su contrato con Rank Films.

Kenneth More, de los pocos en la industria del cine con valor para insultar públicamente a su jefe Lastima que nunca trabajara para Harvey Weinstein.

El siguiente candidato fue un Richard Todd que lo rechazó alegando que la historia le parecía demasiado delirante y exagerada (Si ese hombre hubiese sabido las cotas de ridículo a las que llegaría el género de acción en los 80 y 90 le hubiera parecido un prodigio de sobriedad). Al final todo esto redundó en beneficio de la película, porque la elección final de David Niven no pudo ser más idónea, incluso el propio actor consideraba el de Miller uno de sus papeles favoritos a pesar de que se consideraba algo mayor para el papel (De hecho en la realidad había servido como soldado en la segunda guerra mundial al igual que Anthony Quayle que interpreta al líder original del comando), Lo cierto es que la mayoría del reparto superaba el tope de edad para el reclutamiento en los tiempos de la contienda, lo cual sirvió para algunos titulares sarcásticos en la prensa británica, pero para Hollywood esos son menudencias. 
 
    Lo cierto es que a pesar de que la producción empezara con muy mal pie debido a las disputas entre Foreman y el despedido Mckendrick, y cierta tensión al principio de filmar entre los actores,  el rodaje fue bastante distendido. La norteamericana Gia Scala y la griega Irene Papas, que interpretaban a las dos miembros de la resistencia que ayudan al comando británico, solían pasar las pausas del rodaje en Grecia, paseando juntas y yendo de compras. Anthony Quinn era un gran aficionado al ajedrez y se había llevado un set portátil para pasar el rato en las pausas de rodaje, lo que derivó en una rivalidad entre actores, al formase entre el reparto un pequeño campeonato (Aunque al parecer el que resultó ser el jugador más brillante fue uno de los hijos de Peck pero no me preguntéis cual). Incluso el reparto tuvo el privilegio no solo de ser visitados en el set por la familia real griega, incluida nuestra futura reina Doña Sofía, sino que se prestaron a formar parte del elenco de extras griegos que aparecen en pantalla. Nivel y Peck desarrollaron una gran amistad, juntos compartían lingotazos de coñac que les servían para combatir el estar sumergidos en un tanque de agua dentro de un estudio (Fijo que la temperatura dentro de Shepperton no era tropical precisamente). Al final sus familias acabarían visitándose asiduamente a lo largo de los años. Volverían a trabajar juntos en otro film de acción bélica muchos años después "Lobos Marinos" (1980) y a la muerte del actor británico en 1983 Peck no dudó en asistir al sepelio para dedicarle unas sentidas y cariñosas palabras a su memoria.
 

 
Nivel y Peck, la prueba de que pese a lo que digan en "Un Pez Llamado Wanda" americanos e ingleses pueden simpatizar (¿Soy yo solo o viendo a estos dos juntos veo a dos perfectos Alfred y Bruce Wayne?(Quitándole a Peck unos cuantos añitos claro).

  El único drama que se vivió fue en los estudios Shepperton, en el enorme set de la guarida de los cañones, rodando la escena en la que los personajes de Peck y Niven plantan los explosivos, al parecer, debido a un fragmento de la pirotecnia, Niven uno de sus labios quedó partido infectándose gravemente, por lo que hubo que hospitalizarlo de urgencia, llegándose a parar la producción todo un mes. Contraviniendo las órdenes de su médico Niven volvió al set para terminar la escena, y aunque consiguió terminarla, lo pagó con una recaída que le mantuvo siete semanas más en el hospital. Al final el tener que aparecer en una escena fumando por primera y única vez en su filmografía (Niven en la vida real era totalmente antitabaco) resultó ser el menor de los sacrificios.

   Uno de los aspectos más notables de la películas es la banda sonora de Dimitri Tiomkin. El film, desde su mismo prólogo, hace una analogía de la peripecia de los héroes del film con las historias épicas de la mitología de la Grecia clásica y si lo consigue es en gran parte al magnífico trabajo del compositor de origen griego (Que ya había trabajado para Carl Foreman en "Solo Ante el Peligro"), que ya desde que empieza a sonar acompañando al logo de Columbia nos anticipa que vamos a ver algo más grande que la vida misma. Si es que a los rusos, la épica les sale por las orejas (O más bien nos la meten por ellas)

   Otro aspecto, no tan positivo que llama al espectador actual, es al abundante grano que hace gala la película, y que se hace aún más evidente en los formatos Bluray y Bluray 4k-HDR. Eso al parecer se debe a una serie de circunstancias. En primer lugar la película se rodó con Película Eastman 520 stock, pero se usaron ópticas anamórficas de CineMasCope, lo que dotaba ya de por sí un nivel de grano más elevado que si se hubiera usado ópitcas de Panavisión. Pero además en lugar de confiar los servicios del tratamiento del negativo a la sede de Technicolor en Londres, prefirieron contar con los servicios de los laboratorios Eastman al cobrarles esto una tarifa más barata. Pero Eastman demostró ser tremendamente chapucera a la hora de manejar el material hasta el punto de que varios fragmentos del negativo original, fueron destruidos y hubo que sustituirlo por duplicados que lógicamente lucían con más grano aún que los originales a los que sustituían. Así pues esa estética granulosa de la película fue más una mezcla de racanería por parte de los productores y de chapucería por parte de Eastman que una decisión artística por parte de los artífices del film.

 
    Sin embargo eso no impidió que, como he dicho anteriormente, la película se convirtiera en la más taquillera de su año, estrenándose con gran boato el 27 de abril de 1961 en Londres y el 22 de junio del mismo año en Londres. Fue un éxito a nivel mundial, y en concreto en nuestro país, su nivel de popularidad fue tan alto que se benefició de múltiples reestreno (Era la época en que aún no había videoclub para alquilarla) siendo el último de ellos en 1982 a cargo de Filmayer. Incluso hace años recuerdo ver una foto de la época del estreno en Madrid, en plena navidades en el que el cine que la presentaba había decorado su fachada con dos grandes cañones de atrezzo simulando los de la película, lamentablemente no he logrado encontrar esa imagen para que la vierais.

   Sin embargo a pesar del éxito y la popularidad del film, Peck en su momento comentó sentirse bastante desencantado con él. El esperaba que la película sirviera a la gente para hacer reflexionar sobre la crueldad y la atrocidad de la guerra, y se sintió decepcionado al ver que lo que quedaba grabado en el espectador eran la acción, las explosiones y el puro espectáculo. Puede que también le pasara lo mismo a un Stanley Baker que, siendo uno de los actores más cotizados entonces en Gran Bretaña, había accedido a participar en un papel secundario como el cabo Brown por el mensaje antibelicista que veía en el guion, muy acorde a sus creencias de izquierda socialista y antimilitarista. Quizás por eso  poco después fue el principal protagonista y artífica de "Zulú"(1964) un film también bélico y épico, pero donde la guerra está plasmada de forma mucho más cruda y sucia.
 
    Pero lo cierto es que somos muchos los que hemos disfrutado a lo largo de los años viendo a Gregory Peck y compañia matar nazis y demostrarnos que mediante la perseverancia y el esfuerzo no hay meta imposible de conseguir así que celebremos que el pasado 28 DE ABRIL LOS CAÑONES DE NAVARONE CUMPLIERON 65 AÑOS

  (Nota: De su muy tardía secuela "Fuerza 10: de Navarone" de 1978 cuanto menos digamos mejor. Que el director de  de dicha secuela Guy Hamilton, fuera contratado 4 veces por los productores de la saga 007 (Y que incluso fuera originariamente contratado para dirigir "Superman". Gracias a Dios fue reemplazado por Richard Donner)  mientras que con J. Lee Thompson no contaran  nunca es alucinante, porque ambas películas demuestran la enorme diferencia de talento entre ambos).