Piratas de cine(Que no sean Jack Sparrow).

[rafaelgg]

Peckinpah, te me adelantaste al hablar de "Los piratas ee la islas salvajes" que la quería sacar a colación aquí(Aunque hablaré de ella de todos modos).
  Recuerdo que su emisión me pilló por sorpresa una tarde un sábado en la TVE del monopolio a finales de.los 80 y el sorprendió bastante, primero porque no era normal e."Primera sesión" encontrarte un título tan reciente (El film es del 83 y TVE la emitió en el 88 5 los, muy poco tiempo por entonces) y segundo preguntándome cómo es que en su momento de estreno no oí hablar de ella y porqje rnunca la encintré en las estsnterias de vudeoclub.
  Pero ya me explayaré más sobre este film no perfecto pero si disfrutable y reivindicable.

[rafaelgg]

"El juramento del Corsario Negro" 1976 de Sergio Sollima (Il Corsaro Nero).



   Para mediados de los años 60, muchos géneros y subgéneros propios de la edad de oro de Hollywood empezaban a perder el favor del público y o bien dejaban de formar parte de las propuestas que el cine norteamericano ofrecía al público o se ofrecían de forma muy esporádica por parte de los grande estudios, y en ese contexto, estas temáticas acabaron encontrando refugio en producciones europeas, muchas de ellas italianas(Aunque generalmente en régimen de coproducción), aunque solían ser en la forma de producciones de serie "B" y "explotation", que hacían gala de un acabado formal y estético muy lejos del lustre de las superproducciones "Made in Hollywood".

  Por ello, mientras el "western" cinematográfico languidecía en el país que la había dado forma, en Europa, mediante el "spaguetti western" o "Eurowestern", alargaba la popularidad del género entre el público hasta mediados de los 70. De la misma forma, el cine de "hazañas bélicas"  ambientado en la segunda guerra mundial, desaparecía, a finales de los 60 y primeros 70,  del panorama del cine norteamericano a pesar de éxitos como "Los cañones de Navarone"(1961) o "Doce del patíbulo"(1967) porque las terribles y crudas imágenes que los noticieros daban al público norteamericano de la guerra del Vietnam hacía que estos dejaran de ver la guerra como algo divertido de ver en pantalla grande mientras se toma palomitas con cola, pero ahí estaban los italianos para seguir aportando al género obras como "Aquel Maldito tren blindado"(1978) o "De Dunquerque a la victoria"(1979). Incluso cuando el género del "peplum" falleció en Hollywood tras el fracaso de faraónicas(Nunca mejor dicho) producciones como "Cleopatra"(1964) y "La caida de limperio romano"(1964) en este lado del charco se le quiso dar continuidad con producciones, no muy ilustres como la española "Los cantabros"(1980) del inefable Paul Naschy o las psicotrónicas 2 entregas italianas ochenteras de Hércules protagonizadas por Lou Ferrigno.

  El subgénero de los piratas fue uno de esas temáticas, que, finiquitada su muerte en Hollywood tras el injusto fracaso de "Viento en las velas"(1965) halló refugio en las producciones europeas con cintas como "El corsario negro"(1971) protagonizada por el dúo Terence Hill/Bud Spencer que no guarda relación alguna con la película de Sollima o con las novelas de Emilio Salgari en que se inspira esta, "El faro del fin del mundo" de 1971(Film curioso del que hablaré en un futuro) o la versión de "La isla del tesoro"(1972) dirigida por John Hough, producida entre España, Francia, Reino Unido e Italia con Orson Welles como Long John Silver, o esta "El juramento del corsario negro" producida años después.

  Se suele decir que esta producción es fruto del enorme  éxito que la pareja Sergio Sollima(Director) y Kabir Bedí(Protagonista) tuvieron con la serie "Sandokan", pero lo cierto es que entre la primera emisión de la serie sobre "El tigre de Malasia" en Italia en febrero de 1976 y el lanzamiento en dicho país de esta, en diciembre del mismo año, pasaron solo 10 meses, escaso margen de tiempo, por lo que es posible que este film estuviera en preparación antes del debut de la serie, aunque posiblemente el éxito de esta serie facilitaría el que la producción llegara a buen puerto.

   Lo primero que hay que destacar es que, a diferencia de otras producciones europeas de género de aquella época que se caracterizaban por la falta de medios y cierto acabado cutre (La citada "El corsario negro" de Hill y Spencer recurría a imágenes de archivos para las batallas navales) aquí nos encontramos con una producción cuya fotografía, vestuario, decorados, y diseño de producción, revelan una mayor holgura presupuestaria, aunque sin llegar a los lujos de una producción USA como la estrenada el mismo año "El Corsario Escarlata", así por ejemplo, el navío del protagonista resulta ser de un tamaño algo reducido para colar como un bergantín corsario capaz de sembrar el terror en aguas de las Antillas.

   Otra cosa curiosa a destacar es que, a pesar de ser un film generacional para muchos niños italianos o españoles de la época que la vieron en pantalla grande, no estamos ante un divertimento ligero y "blanco". Muy al contrario la película empiezan mostrándonos como el protagonista acude a un poblado indígena en ayuda de sus habitantes que están siendo masacrados por los españoles, y donde no se nos escatima la violencia cruda y descarnada, muy propia del género en el que Sollima destacó en el pasado: "El Spaguetti western"(Influencia que también se deja entrever en esos primerísimos planos del rostro y los penetrantes ojos de Kabir Bedi en los momentos dramáticamente mas intensos). Y sí señores, los villanos somos, oh sorpresa, los españoles(Para variar), pero afortunadamente no es un maniqueísmo extremo, ya que entre el bando de los héroes también tenemos un compatriota, en un momento delicado, nuestro héroe escapará gracias a la complicidad de una dama de la corte española(En una escena de irónico mutuo flirteo entre ambos) y entre El Corsario Negro y un aristócrata español, se creará una relación de mutuo respeto, simpatía y admiración, a pesar de estar en bandos opuestos.

  Otro elemento que le da tintes más adultos es cierto aire sobrenatural y sombrío que orbita en algunas escenas de la cinta, como el momento en que el conde Emilio di Roccabruna, Conde de Vintamiglia y Valpenta (El auténtico nombre del protagonista) al arrojar los cadáveres de sus dos hermanos, El Corsario Rojo(Jackie Basehart) y El Corsario Verde(Nicolo Poccolomoni) vende su alma al diablo a cambio de poder vengar la muerte de estos y de su padre a mano de Van Gould, un holandés al servicio de los españoles(Un Mel Ferrer que tras el ocaso de su estrellato en Hollywood se refugio en el cine europeo,  remitiendo a su papel de villano en "Scaramouche" aunque aquí va en piloto automático)). Una escena con cierto toque de cine de terror, al igual que aquellas escenas en la que, Emilio di Roccabruna cree tener visiones de sus dos hermanos fallecidos cual fantasmas que exigen ver sus muertes vengadas. Sin embargo Sollima sabe también incluir momentos de humor ligero,  como aquellos que atañen al personaje del Pirata Morgan y al hecho de que aunque en el futuro será uno de los filibusteros más conocidos, a nadie de los que se le espeta su nombre muestre señales de haber óido hablar de él(Para frustración del propio Morgan).
  
   En el plano femenino tenemos a la bellísima pero algo sosa actriz franco-italiana Carole André que ya fuera compañera de Bedir en "Sandokan", si bien aquí la historia de amor carece de desarrollo y se corta de forma abrupta a mitad del metraje, en este sentido resulta más satisfactoria la relación que se da entre el español, pero aliado del protagonista José (Tony Reis)  y Yara(Sonja Jannine) una indígena perteneciente a la aldea masacrada al principio de la cinta y que ha jurado odio eterno a los españoles, la dinámica entre Reis y Jannine tiene mucho más empaque que la de Bedi y André, aunque el físico de la austriaca Jannine es claramente demasiado centroeuropeo como para hacerla pasar por indígena(Supongo que Sollima antepuso las dotes dramáticas a la idoneidad física).

  Es curioso como las crónicas de la época catalogaban este film como "trepidante" y "cargada de acción" ya que para una audiencia actual,  criada al ritmo frenético hasta el histerismo, y con películas como "Fury Road", y a "set pieces" de acción exageradas hasta el ridículo(Pensemos en la segunda "Piratas del caribe y la escena de Sparrow y compañeros huyendo de los caníbales) la película le resultará lenta y carente de momentos de acción espectaculares. Sin embargo la acción que tiene(Condensada mayoritariamente en el tramo final del film), está bien rodada, y cuenta con unas buenas escenas de esgrima, a cargo del maestro de esgrima y actor (Aparece en un papel secundario en el film) Franco Fantasia.

   Un aspecto a destacar es la banda sonora. Supongo que a los críticos de rancio abolengo y monóculo, criados con las películas clásicas de piratas de Hollywood y sus fanfarrias a cargo de compositores como Wolfgang Korngold  en "El halcón del mar"(1942)  o Alfred Newman en "El cisne negro" (1942), la labor aquí de los omnipresentes músicos italianos Guido y Fabrizzio De Angelis en el que se mezclan sintetizadores, voces guturales, coros, instrumentos sinfónicos clásicos y otros más étnicos, les debió de resultar bastante estomagante. Pero al igual que pasaba con el "spaguetti western" y la peculiar sonoridad que le otorgaban Ennio Morricone y sus discípulos como Ritz Ortolani o Luis Bakalov, este nada ortodoxo acompañamiento musical le da al film una personalidad propia alejada de los moldes anglosajones/Hollywoodienses. Recuerdo ver esta película en TVE en los 80 y al oír el inconfundible estilo de los hermanos De Angelis, ser consciente de que era un film europeo. Además este tipo de mestizajes sonoros e inéditos bien que se aplauden hoy en día cuando los hace Hans  Zimmer.
   Además todo el mérito para los De Angelis poner una canción con regusto pop acompañando a las imágenes de un film de piratas de temática clásica y que no desentone ni te saque de la película(Al igual que pasa con Vangelis y su música "new age" para "1492" de Ridley Scott):



   La película a parecer funcionó muy bien en taquilla en Italia, y supongo que también en todos aquellos países como España donde el "Sandokan" de Sollima/Bedir había arrasado. Sin embargo prácticamente sería la despedida del cine de Sollima, que a partir de entonces trabajaría como director, de forma esporádica en televisión(Firmando entre otra, una serie-secuela de Sandokan de nuevo con Kabir Bedi) y solo rodaría una película para el cine: "Berlin"(1993). No obstante, la llama sigue viva a través de su hijo Stefano Sollima, director de aclamadas películas como "Suburra"(2015) o "Sicario: El día del soldado" (2018) y que quien sabe, quizás algún día nos ofrezca un "remake" de esta cinta de su padre.
  
   Una película muy disfrutable, y que demuestra como Kabir Bedi, con su imponente presencia, su seductora virilidad y sus dotes como actor, era ideal para este tipo de películas, siendo un moderno y más exótico héroe "swashbuckler" que Errol Flynn y compañía:

[rafaelgg]

Bueno, pues la he visto aunque no a través del enlace que puso aquí Peckinpah, sino en la red social Ok.ru(Os la recomiendo a la hora de encontrar películas inencontrables en otros sitios) en V.O.S.E. Los subtítulos eran mejorables, pero a Dios gracias entre el inglés que domino y la intuición me puede percatar de muchos errores de traducción.

    "El corsario escarlata"(1976) de James Goldstone. ("Swashbuckler").



    He de decir que encatenar el visionario de este y el último film reseñado aquí por mí "El juramento del corsario negro", que también es de 1976, y enfrentarlos uno a otro (De hecho si ponemos ambos posters haciendo un mosaico podría parecer que van al mutuo encuentro a retarse). Básicamente porque cada uno tiene sus puntos fuertes donde flaquea el otro, aunque las flaquezas del film italiano son mucho más leves que la del norteamericano.

   Ha sido un acierto el ver "El corsario escarlata" en calidad blu ray 1080, porque es en el acabado visual,  y la puesta en escena donde la película tiene su mayor fortaleza. Se nota que Universal no reparó en gastos esperando que una nueva aventura marítima interpretada por Robert Shaw, fuera en el verano de 1976 lo que "Tiburón" había sido el año anterior. Majestuosa fotografía en Cinemascope y technicolor, un vestuario, decorado y ambientación de primera categoria(Las escenas ambientadas en Jamaica, tantos las iniciales como las finales, no tienen nada que envidiar en cuanto a atmosfera y verosimilitud a la de la franquicia de Jack Sparrow, solo que aquí todo es físico, nada de CGI)  y un reparto de primera, pero con un "pero" de la película, y aquí es donde empieza a ganar la partida "El juramento del pirata negro" de Sergio Sollima.

  Ese primer gran "pero" es el protagonismo de Robert Shaw, al que el personaje no le pega ni con cola. Para empezar a sus casi 50 años, a pesar de su buena forma física, se le ve demasiado mayor y envejecido para el papel, recordemos que Shaw era un bebedor compulsivo y eso no ayuda precisamente a que el físico de uno disimule la edad, sino todo lo contrario, la enfatiza. Además, con la premisa seguida por  Burton Miller, encargado del diseño de vestuario del film, de que, el lucido por actores y extras tuviera un aire de prendas propias de la ropa juvenil de los años 70, a Shaw se le pone una especie de uniforme  rojizo(De ahí el título del film) de camiseta de amplias solapas, abierta para enseñar pecho palomo,  y para darle un aspecto juvenil, además de un peluquín, luce una enormes y horribles patillas como si fuera un joven bailarín de la neoyorkina discoteca "Studio 54". ES igual de "gringe" que cuando ves a a alguien d treinta y muchos o  cuarentón con la gorra puesta del revés y luciendo "pantalones cagados" en un vago intento de pasar por alguien de veintitantos, o como esos galanes trasnochados tipo Arturo Fernández que habiéndoseles pasado ya el arroz, pretenden seguir haciendo el papel de galán conquistador que hacian toda la vida, y es un lastre a la hora de crear química con su coprotagonista femenina: Una Geneviève Bujold que aunque entonces tenía ya 34 lucía como alguien 10 años más joven. 
   
  Pero es que además Shaw siempre fue un actor dramático e intenso, puede transmitir la rudeza viril del Burt Lancaster de "El temible burlón" que es la clara referencia de esta cinta, pero no la vitalidad y alegría que podía exhibir el protagonista de "El gatopardo" en ese film.  Las escenas, en las que, queriendo transmitir esa vitalidad, le vemos junto al personaje de James Earl Jones reír de forma gratuita y hacer tontas rimas y juegos de palabras, más que ver a dos hombres vitales, lo que vemos es a un par de tipos que deben de haberse fumado cierta sustancia muy propia de Jamaica. Al decir verdad el propio Shaw reconoció que su único móvil para hacer este film fue el económico(Vamos que muy entusiasmado no estaba en el set) y que el film terminado le pareció, literalmente "Una mierda".

  En cuanto al resto de los actores, habiéndolos visto en otras películas en las que demostraron su talento, queda claro que no funcionan en la película no por sus limitaciones, sino por la dirección de actores de James Goldstone. Volviendo a la Bujold, en papeles como la breve aparición, pocos años después, en la "holmesiana", "Asesinato por decreto", demostraba su capacidad para conmover al público y enamorarlo, sin embargo aquí, en el intento de crear una protagonista femenina fuerte, en lugar de la clásica damisela en peligro, acaban dándonos un personaje demasiado arisco y tenso. En ese sentido Keira Knightley lo hace mejor. Punto para el cine actual.

   Peter Boyle, que haría un excelente villano en "Atmosfera cero", aquí está horrible, tanto en la caracterización física(La peluca blanca le sienta como a un Cristo, dos pistolas) como en lo interpretativo, pasado de tuercas, y además a su personaje se la da una condición tan turbia como la de pedófilo, la cual para nada encaja en un film que se pretende ligero y desenfadado, como tampoco encaja ese "creepy" efebo amante sádico suyo al que le gusta amenazar y torturar con protésicas garras de metal encajada en sus dedos (¿Vería en vida Wes Craven este film?).

    Lo que si hace James Goldstone es firmar las escenas de acción, con momentos tan logrados como aquel en que los héroes  huyen de los soldados en un carro y la cámara hace un travelling rápido a baja altura por encima del carro y sus cabezas(Como no había en los 70 drones supongo que se haría con un helicóptero, en todo caso es una muestra de como utilizar recursos tecnológicos de los que no se beneficiaban los films de piratas de 20 ó 30 años antes). Pero incluso estas buenas secuencias de acción, están perjudicadas por una música excesivamente festiva y bufa, más propia para una parodia de cine de piratas que para le película de tono ligero, pero sin dejar de ser serio, que se pretende.

    En fin que no creo, como dicen algunos, que la película fracasara porque la audiencia de los setenta era demasiado cínica para aceptar un "swashbuckler" despreocupado para disfrutar con palomitas con Coca Cola, porque de ser así "Star Wars" hubiera fracasado al año siguiente, porque era un "swashbuckler espacial", el problema es que aquí tras la cámara no hay un director como George Lucas o Steven Spielberg que sepa manejar los generosos recursos puestos a su disposición. Es por ello que volviendo a las comparaciones con "El juramento del corsario negro", uno tiende a pensar que si se pudiera mezclar en una película, las virtudes de  esta de tener un protagonista muy adecuado(Kabir Bedi), y un director creativo y con talento como Sergio Sollima, con los enormes medios materiales de "El corsario escarlata"(Y eso que la película italiana no es cutre, pero no llega en medios a los niveles del film americano) podríamos haber tenido la gran obra maestra de que hubiera resucitado el cine de piratas para el público.

[rafaelgg]

Olvidaba mencionar otro gran problema con el casting, de "El corsario escarlata", y es que de repente ves al exvillano Bond en "007: Vive y deja morir", el recientemente fallecido Geoffrey Holden,  con sus imponente 2 metros de estatura y de esta guisa:



   Pues es inevitable al verle con esas guisas que parece sacado de un comic de Conan dibujado por Buscema(Salvo por las gafas),  dar por hecho que acabaremos viendo una vibrante escena de lucha o acción en la que el bueno de Holden hará uso de todo ese metal afilado que lleva consigo pegado al cuerpo en una escena donde el actor, que además era bailarín, lucirá todas su capacidad para las coreografías, pero al final te quedas con un palmo de narices porque el personaje aparece al principio de la cinta para luego no volver hasta el acto final, y esa gran escena de acción protagonizada por él que esperabas ver no aparece por ninguna parte.

[manuwar]

@rafaelgg Pues animado por tu post y aprovechando que está en el Prime, me he visto 'El Juramento del Corsario Negro' y muy bien, ¿eh? Me ha gustado bastante.

Una de piratas de sesión matinal en el cine de barrio, que de haberla visto de niño habría hecho disfrazarme de Corsario Negro en los carnavales. Se le nota la falta de medios, pero lo suple con un gran sentido de la aventura, con héroes guays y villanos odiosos, una historia de venganza que genera interés y personajes que aunque a día de hoy puedan parecer algo ridículos como el de la "india" interpretada por un pibón austriaco, al final se les coge cariño.

Tiene ese estilo menos fastuoso y más "crudo" típico del cine europeo, pero a mí casi que me gusta más. La verdad es que me lo he pasado muy bien viéndola.

[rafaelgg]

@rafaelgg Pues animado por tu post y aprovechando que está en el Prime, me he visto 'El Juramento del Corsario Negro' y muy bien, ¿eh? Me ha gustado bastante.

Una de piratas de sesión matinal en el cine de barrio, que de haberla visto de niño habría hecho disfrazarme de Corsario Negro en los carnavales. Se le nota la falta de medios, pero lo suple con un gran sentido de la aventura, con héroes guays y villanos odiosos, una historia de venganza que genera interés y personajes que aunque a día de hoy puedan parecer algo ridículos como el de la "india" interpretada por un pibón austriaco, al final se les coge cariño.

Tiene ese estilo menos fastuoso y más "crudo" típico del cine europeo, pero a mí casi que me gusta más. La verdad es que me lo he pasado muy bien viéndola.

  A lo mejor no se la ve muy exuberante de medios, pero ro te aseguro que comparado con el nivel medio de las muestras europeas de este género, es casi una superproducción. Y a mí me gusta también ese tono más crudo que le da más verosimilitud a la puesta en escena frente a esos decorados y esos personajes tan ascéticos.y pulcros que duele mostrar Hollywood.

[Peckinpah]

Aquí otro que se entalló anoche El juramento del Corsario Negro y se lo pasó estupendamente. Me vinieron de golpe todos los recuerdos de cierto verano de juventud en el que leí las dos primeras novelas de la serie en un solo tomo ilustrado, que la película adapta perfectamente, centrándose en lo que se tiene que centrar y cortando donde debe. Si alguna pega le pongo siempre a Sabatini es que se pasa de melodramático, así que tenía un poco de miedete, pero bastante controlado todo y bnuen sabor de boca en general.

Sollima es uno de mis directores de eurowestern favoritos. Solo hizo tres, pero muy interesantes. Lástima que no se prodigara más. Reconozco que no tengo ningún recuerdo de la serie de Sandokán. Igual hasta me gustaba si la viera hoy.

[rafaelgg]

Aquí otro que se entalló anoche El juramento del Corsario Negro y se lo pasó estupendamente. Me vinieron de golpe todos los recuerdos de cierto verano de juventud en el que leí las dos primeras novelas de la serie en un solo tomo ilustrado, que la película adapta perfectamente, centrándose en lo que se tiene que centrar y cortando donde debe. Si alguna pega le pongo siempre a Sabatini es que se pasa de melodramático, así que tenía un poco de miedete, pero bastante controlado todo y bnuen sabor de boca en general.

Sollima es uno de mis directores de eurowestern favoritos. Solo hizo tres, pero muy interesantes. Lástima que no se prodigara más. Reconozco que no tengo ningún recuerdo de la serie de Sandokán. Igual hasta me gustaba si la viera hoy.

 Una putualización: Es de Emilio Salgsri no de Sabatini, y ese es muy directo como Howard y no se entretiene en melodramatismos.

[Peckinpah]

 Una putualización: Es de Emilio Salgsri no de Sabatini, y ese es muy directo como Howard y no se entretiene en melodramatismos.

Sí, que se me va la pelota. Es porque en casa tengo El capitán Blood, pero no El Corsario Negro, que tendría como quince años cuando lo leí. Y porque no he dormido un carajo hoy, que también ayuda.

[rafaelgg]

Bueno pues estos días, siguiendo con mi ciclo piratesco, me he visto dos películas que convirtieron al actor Robert Newton en un icono del subgénero y, que ya aparecía en uno de los films mencionados por mí aquí "Posada Jamaica"(1939), pero si en aquella era el héroe de la función que se encargaba de luchar contra los temibles bucaneros, en estas dos representa al villano de la función:

   "La isla del Tesoro" (1950) de Byron Haskin ("The treasure island")



  A finales de los 40 y principios de los 50, los grandes estudios de Hollywood descubrieron que poseían en suelo británico una gran cantidad de fondos que les pertenecían pero que las leyes británicas, que buscaban fortalecer la economía de un país dañada por la recién acabada guerra mundial. Eso llevó a que estudios como la MGM decidieran rodar en tierras británicas, superproducciones históricas,  que se beneficiaban de los paisajes, monumentos(Como sus múltiples castillos, edificaciones y mansione), sus estudios de cine y la ya constatada pericia y talento de los actores, técnicos y artistas de ese país. Por primera vez, Gran Bretaña no se recreaba en California(Como los films de aventuras de Errol Flynn) lo cual daba mayor autenticidad a la propuesta. Súmese a eso el uso del technicolor que las hacía aún más atractivas. Se realizaron muchos films de aventuras ambientados en la edad media, el renacimiento o el periodo de la Ilustración, y entre ellos, no podía faltar, el cine de piratas.

   Esta adaptación de la inmortal novela de Robert Louis Stevenson, se realizó con dichos fondos que la Disney tenía inmovilizados en el Reino Unido. Su importancia dentro de la historia de la compañía es capital, puesto que se trató de la primera producción 100% en imagen real de la compañía del ratón, ya que la previa y hoy cancelada por la corrección política y  la propia Disney "Canción del sur (1946) mezclaba imagen real con animación, cosa que aquí no sucede.

  Que sea la Disney de los inicios es algo que favorece al tono del film, puesto que, aunque algo atenuados, (La muerte del pirata ciego atropellado por el carro) se mantiene los tintes sombríos y oscuros de la novela(Algo esencial a finde plasmar el inicio de la madurez y la pérdida de la inocencia de Jim Hawkins, que es el auténtico tema de la trama), con un momento que roza el cine de terror como él aquel en el que el personaje de Long John Silver planea emborrachar y asesinar al segundo de a bordo de "La Hspaniola" más inquietante por cuanto no le vemos consumar el acto pero nos lo imaginamos fácilmente). En definitiva, al igual que sucedía con la posterior, magnífica(Y para mí superior) "20.000 leguas de viajes submarino" de Richard Fleischer, la cinta no luce la blancura y ñoñería que los films de imagen real de la Walt Disney, exhibirían a partir de la década de los 60.

   Se considera la interpretación de Robert Newton de Long John Silver el largo como una de las mejores, la verdad es que no recuerdo la de Wallace Beery de la versión de 1934 de Victor Fleming(No la veo desde finales de los 80) y tampoco he visto a actores posteriores en el papel como Orson Welles, Charlton Heston o Jack Palance (Aunque les acabaré dando un vistazo tarde o temprano), pero lo cierto es que a mí la labor de Robert Newton no me convence en absoluto. En su afán de hacer a Silver una figura más grande que la vida misma, peca de una falta total de sutileza en su interpretación, con esa mirada de alucinado constante, y aunque pudiera funcionar en algunas escenas, en el segmento inicial, donde se supone que el personaje finge ser un honrado cocinero, el tono avieso de su mirada es tan evidente que cuesta creer que engañe a los promotores de la expedición e incluso al propio Jim, a pesar de su inocencia.


  No es la más sutil de las interpretaciones, no señor.

   Bobby Driscoll, el niño protegido por Disney(Que le usó para que interpretara a Peter Pan frente a la cámara y servir de referencia a los animadores) que a diferencia de su predecesor en la versión de 1934, Jackie Cooper, no pudo tener de adulto una carrera estable como actor y falleció de forma trágica a causa de la heroína siendo un mendigo,  a la temprana edad de 31 años(En un principio no se conoció su identidad y se le enterró en una fosa común). resulta mucho más entonado como el joven Jim, mostrando una mezcla de ingenuidad y sagacidad en los momentos en los que ha de recurrir al ingenio y la astucia para enfrentarse a Silver y su banda y consiguiendo crear cierto química con Newton a pesar de lo sobreactuado de este.



   Entre el resto del reparto mucho actor de carácter británico, pero destacan dos nombres, uno es el de Geoffrey Keen, que en los años 70 y 80 interpretaría al ministro de defensa Frederick Gray en varias películas de James Bond protagonizadas por Roger Moore y Timothy Dalton, aquí interpretando a Israel Hands, uno de los compinches de Silver y que coprotagoniza junto a Driscoll, uno de los momentos de inflexión en el proceso evolutivo que sufre Jim tanto en la película, como en la novela:

https://scrooge-mcduck.fandom.com/wiki/Israel_Hands

  Y otra presencia curiosa es la de Finlay Currie, Currie, es ese venerable anciano de pelo y barba blancas que hemos vistos en tantas películas épicas de los 50 ó 60, ya fuera interpretando al sajón Cedric en el "Ivanhoe" protagonizado por Robert Taylor, o como el Baltasar que con sus sabios consejos intentaba convencer a Judah Ben-Hur que abandonara la senda del odio y la venganza en el clásico de William Wyler. Habiéndolo visto en tantas películas haciendo de personaje sabio y bondadoso, choca encontrárselo interpretando al hosco y alcoholizado pirata Billy Bones, el cual al principio de la trama, esconde el plano que dará lugar a la búsqueda de la isla. Pero hay que decir que Currie está totalmente convincente en el papel:



   La dirección de Haskin es naturalista, con una puesta en escena plástica, pero sin llegar a los excesos de otras producciones de aventuras en technicolor de los 50 que, de tanto buscar ser vistosos, acaban siendo algo "kitsch".....No es este el caso, los decorados y la ambientación destilan fisicidad y autenticidad, pudiendo verse sin dificultad, la suciedad y lo envejecido de los muros de la posada de la madre de Jim o de las calles portuarias de Bristol, haciendo que en ningún momento luzcan como cartón piedra. Restula curioso además como Byron Haskins, en la búsqueda de esa naturalidad, hace que aquellos decorados que representan interiores iluminados a la luz de las velas, tengan en dicha iluminación cierto virado amarillento, para dar realismo a esa iluminación a través de tenues llamas(No os costará mucho encontrar películas de la época en que los salones o dormitorios están claramente(Nunca mejor dicho) iluminados con focos de estudio, produciendo luz difusa y neutra y no con la vela o candelabro que enciende el actor. Pero claro, aquí la fotografía corre a cargo de Freddie Young, el maestro de la imagen que en el futuro pondría su talento al servicio de David Lean para "Lawerence de Arabia"(1962).

   Choca por tanto, que, en contraste con ese naturalismo, Haskin en algunas tomas en las que los personajes están en la cubierta de La Hispaniola, no haga lo más mínimo para disimular que el fondo tras la cubierta es un dolorosamente evidente toldo pintado(No puedo recordar una escena de una película de esta época donde el toldo esté tan mal ejecutado y sea tan evidente). 

   No deja de resultar extraño, esta carencia,  porque por el otro lado, a pesar de estar rodada en su integridad en el Reino Unido, la película consigue que el entorno tropical de la isla titular sea totalmente convincente(Recordemos que incluso en los más avanzados años 80 Kubrick no consiguió transmitir el calor tropical de Vietnam en esa "La chaqueta metálica" filmada en Londres).

    Con un ritmo nada frenético ni atropellado, pero firme y nada aburrido(Mi sobrino criado con el histerismo frenético del cine actual la vio en Disney Plus y le gustó bastante), el film está lejos de ser la adaptación definitiva de la novela(En realidad todo los aficionados a este dicen que esa adaptación aún está por rodarse), y el guion Lawrence Edward Watkin se toma molestas licencias(Como cuando minimiza la ayuda de Jim en la huida final de Silver), pero es un film que se puede recomendar sin reservas.



  Una nota final. El film fue un gran éxito y aunque al día de hoy nos pueda aparecer el Long John Silver de Robert Newton tan sobreactuado como el Dracula de Bela Lugosi(Otra interpretación a la que no le sientan bien los años), lo cierto es que la popularidad del actor y su personaje llegó a ser tan grande que pocos años después, se hizo, sin la intervención ya de la Walt Disney una secuela de film, de nuevo con Byron Haskins en la dirección: "Las aventuras de Long John Silver" ("Long John Silver" a secas en su título original) con Newton repitiendo el papel. Coproducción norteamericana-australiana que fue la primera producción en Cinemascope rodada en el país de los canguros. Con el joven y hoy desconocido actor australiano Kit Taylor relevando como Jim Hawkins a un Bobby Driscoll ya demasiado mayor para el papel. Las críticas, fueron mucho menos benignas que con el film de Disney, pero eso no impidió que el film fuera un éxito de taquilla, aunque hoy está olvidado y casi nadie lo recuerda:





  En otro momento hablaré del otro gran film piratesco protagonizado por Robert Newton que he visto estos días y que no, no es esta secuela, sino una dirigida por uno de los más grandes "artesanos"(Nominación que no le hace justicia a este director) del Hollywood dorado. Los más puesto en piratas de cine seguro que saben que película y que director es.

[rafaelgg]

"El pirata Barbanegra"(1952) de Raoul Walsh,(Blackbeard, the pirate)



  Tengo que añadir esta maravilla. Estos sí que eran carteles de cine:


 Tras destacar en la década de los 40 principalmente en el "noir"  con obras tan notables como "Los violentos años 30"(1939) "El último refugio"(1941)" o "Al rojo vivo"(1949) Raoul Walsh, posiblemente el mejor director artesano de la Historia de Hollywood junto a Michael Curtiz, decidió dar un giro en la siguiente década, iniciando a principio de los años 50, un periplo por el cine de aventuras, comenzando con "El hidalgo de los mares"(1951), al año siguiente, esta que nos ocupa y en 1953 "El mundo en sus manos", todas ellas de temática aventurera naval, sin olvidar que en 1951 estrenó "Tambores lejanos" una curiosa mezcla de western y aventuras selváticas en la que se nos narraba la incursión de un grupo de soldados norteamericanos en los pantanos de Florida, al mando de un oficial interpretado por Gary Cooper, para enfrentarse a los índios seminolas.

  De todo este periplo  aventurero y marinero de Raoul Walsh, "El pirata Barbanegra" es la película más inusual, por muchas razones. Para empezar se trata de una producción en lujoso tecnicolor(Lo que delata un presupuesto generoso) a cargo de la RKO Radio Pictures, una "major de segunda división", cuya filosofía de producción consistián en ofrecer producciones de presupuesto muy moderado, cuando no directamente de serie "B" y centrada principalmente en el "noir" ,y el fantástico/terror. Su principal incursión en el géneor de aventura eran el ciclo de films sobre Tarzan, heredado de la MGM los cuales tenían unos presupuestos y valoers de producción muy lejanos de los invertidos por MGM. Casi la totalidad de sus fimes fueron rodado en blanco y negro y solo en los años finales, antes de su desaparición en 1954, rodaron algún film a color como este.


  Que no os engañe el fotograma, vais a encontrar muy poca luz y colorido de postal en esta película.

   Otro elemento que hace que "El pirata Barbanegra" sea diferente es su tono, puede que Walsh hubiera dejado atrás el género negro que cultivó en el pasado, pero no por ello renuncia en esta cinta, a plasmar el lado más sombrío vil y rastrero de la condición humana en un film de piratas que se aleja del tono de "espectáculo al que llevar a tus hijos" que caracterizaban las películas de este género, por mucho que alguna luciera algún elemento tétricos, Como la versión de "La isla del tesoro" producida por Disney comentada previamente. Aquí no es que haya algún elemento tétrico aislado, sino que lo que encontramos es una película tremendamente siniestra, con una atmosfera afín al cine de terror, donde, en contra de la tendencia natural de estos cines de mostrar paradisiacos paisajes bajo un sol tropical y benigno, una gran parte de las escenas, son de ambientación nocturna, plasmada en una fotografía llena de sombras opacas, una oscuridad que hace que las angostas estancias de los barcos donde navegan los protagonistas, se vuelvan opresivas y asfixiantes, cercano en lo atmosférico, al cine de temática de casas encantadas.

   Pero la oscuridad no solo proviene de la atmosfera y la ambientación y el tono de la historia, sino también de los propios personajes que aparecen en el film. "El capitán Barbanegra" puede que sea la película de aventuras menos romántica de todas las que en vida dirigiera Walsh, Porque aquí a diferencia de "El hidalgo de los mares" o "El mundo en sus manos", no hay un asidero moral para el espectador en forma de un personaje regido por nobles ideales o por una moral recta. Todos, absolutamente todos los personajes son ruines, egoístas, viles, traicioneros y movidos por la avaricia más mezquina. Empezando por el personaje titular ese Edward Teach, alias "Barbanegra", interpretado por un Robert Newton mucho más entonado que cuando interpretó a Long John Silver,. Porque a diferencia de aquel este pirata no ha de ocultar su ruindad bajo una capa de honradez, Barbanegra es la quintaesencia de la vileza, todo el mundo lo sabe y por tanto él no necesita ocultarlo, de ahí que la mirada alucinada y aviesa y los gestos amenazadores y grandilocuentes de los que hace gala el actor aquí no quedan fuera de lugar.  Además Teach tiene a su disposición una tripuación digna de él, compuesta por individuos cuya degeneración moral se hace evidente, en algún caso, en un rostro patibulario como el ratonil Gilly encarnado por Shelton Knaggs(Actor cuyo físico le encasilló en el género de terror) y que , a la postre, movido por su deseo de matar a su capitán, devendrá en secuaz del "héroe" de la cinta:


  No, no es Walter Matthauu en el film de Polanski, es Robert Newton en una interpretación memorable.


   Gilly(Shelton Knags) o la cara como reflejo del alma.

  
   A pesar de su envidiable forma física, estamos ante uno de esos casos en que el "héroe" encarnado por Keith Anders no puede competir contra el mórbido carisma del villano.
  
  Si os habéis fijado dos veces he usado el termino "héroe" usando comillas, porque lo cierto es que el retrato de quién por enfrentarse a Barbanegra representan lo virtuoso y lo correcto, no es precisamente favorecedor. Porque ese Robert Maynard, encarnado con corrección por Keith Andes(Pero totalmente opacado por Robert Newton) que haciéndose pasar por cirujano se infiltra en el barco de Barbanegra y probar que el supuestamente "reinsertado" gobernador Henry Morgan sigue ejerciendo la piratería a través de sus antiguos socios, no tiene más motivación que la generosa recompensa que recibirá de la corona británica si consigue dicho objetivo. Por otro lado la "heroina", Edwina Mansfiel(Linda Darnell) protegida de Henry Morgan y que será secuestrada por Barbanegra puesto que ambos son ahora enemigos mortales, es una "femme fatale" digna de los previos "noir" de Walsh, cuya motivación tras todos sus actos(Incluido su romance con Maynard) es escapar sana y salva con un tesoro que ha robado a su protector Henry Morgan, habiendo seducido a Bellamy(Uno de los piratas socio secreto de Henry Morgan, a fin de poder huir con él en su barco al principio de la Historia).


    Edwina(Linda Darnell) Un rostro angelical tras el cual se oculta una arpía fría y manipuladora.

   En definitiva, Raoul Walsh presenta una historia en la que no solo no hay héroes, sino en donde la relación entre Maynad y Edwina obedece más a unir fuerzas para conseguir sus propios intereses que a una pulsión romántica y amorosa. Si simpatizamos con ellos es por el mero hecho de que, aunque carezcan de moral y nobles ideales, son menos crueles que aquelllo con lo que se enfrentan(Teach y su tripulación). Visto desde la perspectiva, este universo sucio  y pútrido tanto en los ambientes (En sus imágenes puedes casi oler lo insalubre que era la vida en esos viejos cascarones con vela) como el nihilimo moral de los que lo habitan puede verse un precedente de la mirada que una década más tarde, Sergio Leone y sus imitadores inyectará al western cambiándolo para siempre. De hecho, Sheldon Knaggs recuerda, tanto por su físico, como por su papel, al Klaus Kinski habitual de aquellas cintas, y el mismo Barbanegra, con esa falta de principios que le lleva a traicionar incluso a su propia tripulación, no está muy lejos de villanos como "El Indio" de Gian Maria Volonté en "La muerte tenía un precio".

   Un film oscuro, sórdido, tenebroso y con un par de momentos de malsano sadismo tan impactantes que eran lo que uno recordaba de este film en su lejano visionado en los 80: Aquel en el que se nos muestra el ceremonial que Barbanegra hace para "proteger" todo botín que entierra, y el último plano de la últim escena protagonizada por este, tan siniestro que fue homenajeada en "Creepshow"(1982) esa antología de terror a cargo de George Romero y Stephen King, que homenajeaba a los cómics de la EC. La verdad es que esta historia que nos narra Raoul Walsh muy bien podría haber sido una de las que ilustraban las viñetas de esa editorial. Un film muy olvidado, pero que, quizás por su querencia hacia las historias oscuras, debió de impactar mucho a Roman Polanski, ya que el personaje de Walter Matthau en "Piratas" es casi una versión paródica del Barbanegra de Robert Newton.

[rafaelgg]

Bueno, pues  he decidido hace run inciso en mi periplo por los piratas de la pantalla grande, un inciso catódico, porque debido al hecho de que habíamos hablado aquí de "El juramento del Corsario Negro", del duo Sergio Sollima/Kabir Bedi, servidor, aprovechando que está disponible en youtube(Aunque aviso no en la mejor calidad de imagen, se ha visto:





   La verdad es que guardo recuerdos muy, muy brumoso de cuando la serie se emitió en TVE, pero había una escena que se me había quedado grabada a fuego: Aquella en la que Sandokan salta al mismo tiempo con un tigre para enfrentarse contra él y ambos se cruzan en el aire rajandole el pirata el vientre al animal con su cuchillo, una escena que vista da risa tanto por lo delirante como por lo cutre del efecto fotográfico. Sin embargo es sorprendente que pueda recordarla, porque los seis capítulos de esta miniserie(Sí, solo tuvo seis capítulos, aunque con el tiempo llegó un telefilm secuela y décadas más tardes, 2 nuevas miniseries continuaciones) se emitió entre principios de noviembre de 1976 y mediados de diciembre de aquel años, poco antes de navidad, y eso quiere decir que cuando yo ví esa escena, ni siquiera había cumplido aún los 4 años(Me faltaban 3 meses), y además dicho recuerdo por fuerza debe de ser de entonces porque la serie nunca llegó a reponerse en años posteriores(Al menos yo no vi esa reposición de existir).

   Cuando en la primera mitad de la década de los 70 la RAI se decide adaptar el personaje de Emilio Salgari, decide que, por primera vez en su historia, va a realizar una serie pensada más en términos cinematográficos que televisivos, con un gran presupuesto y rodándola en auténticas localizaciones de Malasia, Fiji y Borneo. Esa ambición les lleva a ponerse en contacto con Sergio Leone para que se haga cargo del proyecto, pero este, demasiado ocupado  ya en el proyecto de "Érase una vez América" y consciente de que su colega Sergio Sollima es un gran fan de los libros de Salgari y siempre ha querido adaptarlos, se lo pasa a este. Sollima acepta con la condición que lejos del "whitewashing" de versiones previas, donde Sandokan llegó a estar interpretado por el mítico "Hércules" Steve Reeves, el personaje debe de estar interpretado por u actor hindú. Es por ello que viaja a La India, donde se pone en contacto con profesionales de la entonces, para occidente, desconocida industria de "Bollywood". Estos les habla de un joven actor de mirada penetrante, aspecto viril y un imponente 1,88 de estatura llamado Kabir Bedi, Sollima decide primero entrevistarse con él, luego que vuele a Roma para hacer una prueba.....y el resto es Historia, Kabir Bedí se convertirá, en el primer actor de Bollywood en convertirse en una estrella en Occidente(Recordemos que Sabú, el joven actor indio de las producciones de los hermanos Korda nunca trabajó en el cine hindú, siempre en producciones occidentales).



  Aunque este pirata abusara del rimmel de ojos tanto como Jack Sparrow, os aseguro que su virilidad activaba todas las gónadas del cuerpo de las féminas.

    Vista hoy en día "Sandokan" tiene cosas que denotan que el paso de los años no le ha sentado bien. Cierto acartonamiento  y cursileria en las escenas románticas (Tanto por la puesta en escena de Sollima como por la interpretación de Bedir y su coprotagonista Carole André), ciertos problemas del ritmo derivados de que Sollima concibió "Sandokan" como una película de casi 6 horas, sin molestarse en que, fragmentada en capítulos de 45 minutos, estos tuvieran cierta estructura interna, en consecuencia hay caídas de rítmo y finales abruptos de capítulo que no concatenan bien con la primera escena del capítlo siguiente. También resulta problemático para el ritmo, que la serie en algunos momentos, quizás influenciada por el "didactismo" que los escritores como Verne y Salgari metían en sus libros con vista a los jóvenes lectores, el film se detiene a veces en exceso en escenas costumbristas y descriptivas sobre el pueblo malayo e hindú que lastran la acción en exceso(Supongo que cuando la serie fue remontada para reconvertirla en un largometraje para cines, esas escenas fueron fulminantemente eliminadas).

    Sin embargo, la serie también tiene sus virtudes y fortalezas, empezando por los generosos medios de producción que se invirtieron(Ojalá uno hubiera podido verla en mejor calidad de imagen para disfrutar la belleza natural de las localizaciones), pero sobre todo, la gran virtud de Sollima es coger la prosa de Salgari, y adaptarla para convertirla en un "swashbuckler político", que refleja a la perfección el momento en que fue producida la serie (Se estrenó en Italia a principios de 1976, pero lógicamente su producción se realizó en años anteriores.

   Ese reflejo, no se queda en detalles como la escena del capítulo 5 en el que uno de los secuaces de Sandokan: Giro Balto ("Shamsi" se llama su intérprete), protagoniza una escena de artes marciales que remiten al Bruce Lee de la entonces reciente "Operación dragón",(1973) sino en el hecho de que Sollima, en una época como los setenta, en que surgían revolucionarios y luchadores de la libertad que en países del tercer mundo de Sudamérica, África y Asia, que se oponen a la influencia de la Europa y la Norteamerica y su capitalismo neocolonalista,  convierte al "Tigre de Malasia" en un revolucionario al más puro estilo Che Guevara(Que mire usted por donde de niño era lector ávido de las novelas del personaje y lo consideró un referente personal)  que guía una a una banda de piratas/guerrileros insurgentes) con e propósito de liberar a sus compatriotas malayos de la opresión del Imperio Británico y al expolio de las riquezas naturales  al que dicho imperio les somete a través de la Compañía de la Indias Orientales y su principal representante: Lod Guillonk (Hans Caninenberg), claras versiones decimonónicas de esas empresas capitalistas orientales que al igual que aquí, prácticamente roban los recursos naturales y energéticos de países en vías de desarrollo, buscando legitimación moral en el hecho de que ellos representan la "civilización" y el "progreso" y pertenecer a una "cultura superior". En este sentido, hay una discusión entre Guillon, y su sobrina Marianne(Carole André) futura enamorada y amante de Sandokan, en que dicho pensamiento es expuesto sin tapujos.


  Os aseguro que el color rojo de la bandera de "El tigre de Mompracem" y su banda no es casual.


    Un expolio muchas veces, llevado a cabo con el apoyo de jeques/dictadores/monarcas locales, que aquí estarían representados por Lord Brooke, "El rajá de Sarawak blanco"(Adolfo Celli). El personaje de Brooke es francamente interesante, de sangre inglesa, pero nacido en Malasia, sirve a los intereses de los británicos porque el color de su piel le conmina a ello y porque la fría lógica cerebral, le dicta ponerse al lado del bando más fuerte, pero eso no le evita(Reconocido por él mismo) tener dudas y problemas de conciencia, llegando a insinuar a Lord Guillonk que algún día su lado malayo podría hacerle cambiar de bando. Por eso mismo, aunque sea su mortal enemigo, respeta las convicciones e ideales de Sandokán, aunque le considere débil por regirse por su corazón y no por el frío cerebro. De esta manera Adolfo Celli tiene oportunidad de componer un villano mucho más complejo y matizado que el que hizo para la serie de James Bond en "Operación Trueno"(1965).


Sandokan y Brooke, el idealismo noble frente al pragmatismo cínico, las dos caras de la moneda del ser humano.

   
   Pero frente al cínico Brooke tenemos a Yañez de Gomera, el hermano de sangre europeo de Sandokan, un portugués, de orígenes aristocrático, que ha dado la espalda al mundo al que pertenece por orígen para alinearse con el pueblo oprimido y expolidado por los europeos, y que sería el equivalente a todos esos "Concienciados sociales" que de los 70 para acá se erigen en la voz de la conciencia del occidente más desarrollado. La diferencia con los "woke" es que, viviendo en el siglo XIX, Yañez no se limita a luchar tecleando frente a un ordenador soltando consignas y esloganes, sino que lucha codo con codo con Sandokan y sus hombres, arriesgando su vida

  Quizás este contenido político, nada sutil, fue lo que una serie, que en un principio se planteara para los más jóvenes, también terminara calando entre el público adulto, al fin y al cabo Sandokan con su larga melena, su barba y su vestimenta oriental llena de llamativos estampados no estaba demasiado lejos en su apariencia de todos esos jóvenes contestatarios que bramaban por un mundo más justo y equilibrado en aquellos años 70, y quizás por eso la serie pegó tan fuerte en una España que acababa de iniciar su periodo de transición hacia la democracia y en el que muchos ansiaban por una sociedad diferente, más justa y libre.(Casi 50 años más tarde toca reflexionar en que hemos tenido éxito y en que hemos fracasado).

   Ahora habrá que ver si el nuevo "remake" que estamos cerca de poder ver, va a hacer gala del mismo tono político que Sergio Sollima le dio al original(Lo que sin duda provocará muchas quejas y acusaciones de "wokismo" y "propaganda progre"), pero con un protagonista como Can Yaman, proveniente del mundo de las telenovelas turcas, me huelo a que en lo que se va a poner énfasis es en el romance entre Sandokan y Lady Marianne, con su tono cursi sensiblero de este tipo de literatura, pero con el tipo de la portada llevando un turbante. Ojalá me equivoque.

[rafaelgg]

"Los piratas de las islas salvajes"(1983) de Ferdinand Fairfax ("Nate & Hayes", "Savage islands").



   Ya os digo yo que esto de que, por mucho que haya factores a los que podamos agarrarnos a la hora de comprender porqué algunas películas funcionan en taquilla y entre la crítica y otras no, es un auténtico misterio. Uno ve como productos mediocres y adocenados, se convierten en taquillazos que además son tratados de forma muy indulgente por parte de los creadores de opinión, mientras que otras películas muy dignas y disfrutanle pasan totalmente desapercibidas para el público, se convierten en un agujero económico para los que han invertido en ella y encima la crítica las trata con una dureza rayando el sadismo.

  "Los piratas de la isla salvajes" es una de esas películas, que lo tenía prácticamente todo, salvo actores de reclamo de cara al público (Tommy Lee Jones aún estaba muy lejos de la popularidad que alcanzaría en un futuro), pero de cuya existencia prácticamente ninguno de los que éramos niños en 1983 nos enteramos. Yo la descubrí, 5 años después de su estreno cuando TVE la emitió en octubre de 1988, y fijaros sí era desconocida para el gran público que en lugar de ponerla en el "prime time" de  "Viernes Cine" que por ser la emisión cinematográfica estelar de la semana era donde iba el cine "mainstream" más reciente, la relegaron a la sobremesa del sábado, cuando la audiencia es menor(Esa semana la emitida en "Viernes Cine" fue "Elegidos para la gloria" que también era del año 1983). Recuerdo ver "Los piratas de las islas salvajes" ese día y pensar "¿Cómo es que no conocía hasta ahora esta película?".

  Porque lo cierto es que el film dirigido por Ferdinand Fairfax era una cinta de piratas de los de toda la vida, que pretendía resucitar el género , pero que apelaba a los apetitos cinematográficos de los que no habíamos criado con los aventuras (Entonces) modernas creadas por George Lucas y Steven Spielberg, en especial la saga de Indiana Jones, a la que "Los piratas de las islas salvajes" remitía  a "En buscal de larca pérdida", con un prologo similar al de la cinta de Spielberg, con el héroe protagonista, el capitán Billy Hayes(Tommy Lee Jones), realizando una inmersión en una selva para hacer un trato de venta de armas con los nativos que acaba mal y y tener que huir corriendo mientras le persiguen los salvajes. Lo curioso es que el film también comparte paralelismo con la entonces aún no estrenada película del aventurero arqueólogo "Indiana Jones y el templo maldito"(1984) ya que tenemos una escena de suspensión y acción en un puente levadizo que se parte en dos, y también una escena en la que la heroína de la función es atada para ser ofrecida en sacrificio, que remite a la escena similar con la actriz Kate Capshaw en el film de Spielberg.

   Quizás por esa indisimulada referencia a referentes que entonces estaban de plena actualidad, a los críticos viejunos que olían a formol, les faltó tiempo para salir con el socorrido discurso de "Esto es una mierda, lo bueno es aquello con lo que yo me críe de niño". De hecho al crítico del "ABC" , César Santos Fontela, no pudo ni esperarse al segundo párrafo, ya en el primero empezaba a comparar el film recién estrenado con los protagonizados/dirigidos por gentes como Errol Flynn, Michael Curtiz, Tyrone Powers o Henry King. Hay que decir que con todo el tal Fontela no le negaba a "Los piratas de las islas salvaje" su condición de espectáculo entretenido, a pesar de considerarlo un film menor. De todos modos de tenerlo frente a mí le diría que tan injusto es, a la hora de aprobar o suspender un film de piratas, exigirle que esté al mismo nivel que "El capitán Blood"(1936) de Michael Curtiz o "El cines negro"(1942) DE Henry King, como exigirle a un film de gangsters recién estrenado que sea del mismo nivel que "El padrino"(1972) o a uno de ciencia ficción que le pueda hablar de tú a tú a "Metropolis"(1968) o "2001": Una odisea en el espacio. (1968). También le preguntaría, caso de que él o algún amiguete suyo, hubiera trabajado en la realización de películas, si aplicaba a sus amiguetes o a él mismo una vara de medir tan alta.



  Esta escena tiene más sabor a Indiana Jones que cualquiera de las de "La calavera de cristal" o de "El dial del destino".

  Pero eso no es nada cuando reviso, gracias a Wikipedia, lo que los críticos más "top" de Estados Unidos dijeron en su momento. "Guion ininteligible". Os aseguro que pocas películas vais a encontrar con una trama tan sencilla como esta, que básicamente repite el argumento de "Star Wars": Dos héroes, uno joven, idealista, ingenuo y algo envarado, el misionero Nat Williamson(Michael O´Keefe) y el otro, más mayor, cínico y desencantado, contrabandista y pirata pero con un código personal de honor, Bully Hayes(El citado Tommy Lee Jones) que han de unir fuerzas para rescatar a una mujer por la que se sienten atraídos ambos, Sophie (Jennifer Seagrove, una poco conocida en España actriz británica que físicamente podría pasar por una hermana de Michelle Pfeiffer), secuestrada por el pirata rival de Hayes,  Ben Pease, y el aristócrata al serivicio del kaiser alemán, Conde Vo Rittenberg, interpretado respectivamente por dos actores de las antípodas, el australiano Max Phips, y el neozelandés Grant Tilly. Esto se debe a que, muchisimo antes de las superproducciones de Peter Jackson, esta película de un gran estudio como Paramount, se rodó en Nueva Zelanda. De hecho Richard Taylor, el creador del estudio de efectos especiales Weta Workshop afirma que esta película supuso un gran impulso para la industria cinematográfica neozelandesa.

   Menos sentido tiene las críticas a los pocos sólidos valores de producción. Os aseguro que después de haberla visto se me hace imposible creerme los 7,5 millones de dólares de la época que le adjudica Wikipedia como presupuesto, poco más de lo que al año siguiente costaría el primer "Terminator".. Para empezar está rodada en Dolby Stereo(Que permiten que la estupenda banda sonora de Trevor Rabin suene en toda su magnificencia)  y  con lentes Panaflex  y cámaras Panavisión, con unos escenarios tropicales esplendorosos. Características técnicas más propias de un film de alto presupuesto que de uno que ha costado un poco más que una serie "B" como la película de James Cameorn.

  . El decorado creado para recrear el puerto de Samoa a mediados/finales del siglo XX está realizada con mimo, y hay una escena de lucha entre el barco de Hayes contra un primigenio buque acorazado alemán en el que  tanto el interior como el exterior está recreado con mimo, Lo que no evita que sea levemente anacrónico, pero lo podemos tomar como un toque "steampunk" que además da un carácter simbólico a dicho enfrentamiento: El pirata con su buque de vela, símbolo de una forma de vida que se extingue, frente a la modernidad de entonces representada por ese buque de guerra acorazado y que no necesita de viento para impulsarse. Un climx de acción rodada de una forma eficiente y clara, lo que me lleva a mostrar mi desconcierto porque las críticas en su momentot también criticaran este aspecto, (Supongo que si alguno de eso guionistas pudieron ver lo caótico y confusas de las "set pieces" de acción de gentes como Ton Scott o Michel Bay, les dió un patatús).

   Entonces, ¿Es una gran película de piratas esta "Los piratas de las islas salvajes"?. No, para nada, pero es un entretenimiento de piratas con el que te lo pasas estupendamente, con un buen ritmo, buenas escenas de acción(Aunque ninguna te vuele la cabeza, como los films que usa como referente,  porque Ferdinand Fairfax era un buen director pero no era Steven Spielberg) con un joven e insólito Tommy Lee Jones como héroe "de matiné" que desde luego merecía mejor suerte que la que tuvo en taquilla. Tal vez si en lugar de Lee Jones hubiéramos tenido a Harrison Ford como protagonista, quizás el público hubiera mostrado más interés. O tal vez con otro título con más gancho, porque es cierto que el original "Nate & Hayes" más que a film de piratas suena a nombre de grandes almacenes, y aunque en el Reino Unido lo cambiaron por "Savage island", el fracaso en la taquilla norteamericana hizo que C.I.C, la distribuidora de Paramount en España, Reino Unido y resto de Europa, apenas hiciera esfuerzo por promocionarla. De hecho hoy por hoy  no aparece ningún trailer de la época sino un un spot televisivo.

   Una pena porque además de cara a una secuela, se podría haber explotado la idea de dos héroes y una heroína que comparten aventuras y la tensión sexual de ser parte de un triángulo amoroso,(En "Star Wars" eso se descartó desde el momento en que George Lucas decidió que Luke y Leia fueran hermanos mellizos).


  ¿Acabarón estos haciendo una cama redonda?. Ni idea porque nunca hubo secuela.
   

   Al decir verdad, creo que de todos los intentos de los 70 hasta El final de milenio, de resucitar el cine de piratas: "El corsario escarlata", El "Piratas" de Roman Polanski",  "La isla de las cabezas cortadas" y esta, "Los piratas de las islas salvajes" es la más lograda, o por lo menos la más entretenida de las 4, que al fin y al cabo de eso van estas películas.

[rafaelgg]

"La luz del fin del mundo" (1971) de Michael Billington  ("The lght at te end of the world").



    Dentro del género una rareza, un film que no encontrareis mencionado en ninguna Historia del Cine, probablemente ni siquiera en una Historia del Cine Español (Hablamos de una coproducción entre nuestro país y Estados Unidos), pero que, a pesar de sus defectos, creo que tiene suficientes elementos de interés como para merecer que el aficionado al género le de un visionado, siendo además una película muy fácil de encontrar en las redes. A quien le interese le puedo decir como verla en calidad 1080p con doblaje español de la época, además una versión extendida, aunque afortunadamente muy poquito de lo extendido que está sin doblar, tiene dialogo. No me extraña, porque estamos ante una película no ya cruenta, sino en algunos momentos, incluso truculenta, por lo que me desconcierta saber que en los 70 y primeros 80, era un clásico de las proyecciones en los cines de barrio en sus sesiones infantiles. Desde luego, como ha cambiado la mentalidad en lo referente a qué puede y que no pueden ver los menores.

  Entre mediados de los 50 y hasta finales de los 60, sobre todo en esta segunda década, nuestro país fue plató habitual de producciones de Hollywood, como las orquestadas por Samuel Bronston, o aquellas realizadas en coproducción con otros países, generalmente Italia, aunque también Francia o Alemania. Esta continua participación en producciones de clara vocación cosmopolita ayudaron a que los profesionales del cine español adquirieran experiencia y prestigio hasta el punto de que, para mediado de los 70, es nuestro propio país el que empieza a impulsar cintas que buscan una explotación a nivel internacional, con la participación de populares estrellas extranjeras, como "Terror en el transiberiano"(1972), "El conde Drácula"(1972)  o esta, posiblemente la más ambiciosa de todas, con un notable presupuesto para la época de 11 millones de dólares.

  Porque lo cierto es que aunque en sus orígenes,  en 1962, el proyecto era una producción de Columbia Pictures, que luego pasó a las manos de Bryna, la productora de Kirk Douglas, la película fue financiado por un banco español, se rodó en los bellos e inhóspitos parajes del Cabo de Creus, en la Costa Brava, con un equipo técnico y artístico mayoritariamente español, y teniendo como principal director de orquesta nada más y nada menos que a Alexander Salkind, el futuro productor de la saga "Superman" que se había convertido en uno de nuestros productores cinematográficos patrios con "Cervantes"(1967) biopic sobre nuestro insigne escritor, ayudado de otro nombre mítico de nuestro cine: Alfredo Matas, futuro artífice de películas como "La escopeta nacional"(1978), "El crimen de Cuenca"(1980) o "Las bicicletas son para el verano"(1984). 

   En definitiva, que a pesar de la concurrencia de nombres ingleses(Como su director Kevin Billington o la actriz Samantha Eggar) italianos(Los actores Renato Salvatori y Massimo Ranieri) o franceses (El actor Jean-Claude Drout,  o Henrí Decaé, que hizo la fotografía junto a otro nombre mítico español: Cecilio Paniagua), o italinos hoy por hoy es unánimemente reconocida como una producción española, por mucho que Kirk Douglas se llevara un para la época, generoso cheque de 1 millón de dólares por su labor como protagonista y teórico productor(Para ponerlo en perspectiva, es el mismo astronómico salario que Sean Connery recibió ese mismo año para volver a la saga Bond en "Diamantes para la eternidad"), lo que no le vino nada mal para un actor que pese a conservar una envidiable forma y apariencia física, a sus 55 años ya empezaba a notar que la edad le pasaba factura en cuanto a capacidad de convocatoria del público.


  Ya que el título de la escaleta estuviera en español deja claro que, a pesar de la concurrencia de nacionalidades, en esencia este es un film español.

    Lo cierto es que en teoría,  "La luz del fin del mundo" tenía mucho a su favor para  ser en su época un gran éxito de taquilla. Era la estrella de "20.000 Leguas de viaje submarino" volviendo al universo de Julio Verne, contando como co-estrella a un Yul Brynner, que pocos años antes se había convertido en un actor de gran popularidad con films como "Los siete magníficos"(1960) y su primera secuela. Un presupuesto generoso y una ficha técnica y artística de profesionales de primer orden....Sin embargo la película fue una decepción en taquilla, algo que no debe de extrañar tras su visionado.

   Porque "La luz del fin del mundo" poco tiene que ver con la anterior aventurar verniana protagonizada por Douglas para la Disney. Aquella era un espectáculo vistoso y, pese a su tono más adulto de lo habitual en la factoría del ratón, ligero y apto para todos los públicos, con impresionantes y llamativos efectos especiales, un producto de vocación claramente familiar. Por contra esta película de Kevin Billington se basa en una novela postuma de Jules Verne que se aleja de su ciclo de "Viajes extraordinarios", para contarnos, quizás reflejando el estado de ánimo del escritor que intuía su inminente muerte,  una historia pesimista, oscura y violenta, sádica y con el más despiadado de todos los villanos que Verne imaginó en sus relatos.

    Básicamente lo que veremos es una especie de antecedente de "La jungla de cristal"(1988) solo que ambientada en una isla del cabo de Hornos en 1865. En dicha isla el gobierno argentino ha construido un faro que ayude a cruzar en esa zona azotada por fuertes vientos, corrientes y tormentas, un faro. Del mantenimiento se encarga un viejo capitán de barco, el capitán Morriz(Nuestro Fernando Rey iniciando su carrera internacional). el cual tiene dos ayudantes, el joven y siempre alegre Felipe(Massimo Ranieri) y el más maduro pero aún vigoroso norteamericano Will Denton(Kirk Douglas). Moritz desahoga su frustración  ante el hecho de que la edad le haya retirado de la navegación con Denton(Kirk Douglas) por la desidia y falta de entusiasmo que dedica a su trabajo y su escaso interés en adquirir los conocimientos relativos a la navegación, lamentando no tener hombres de mar y preguntándose que ha llevado a un hombre aún fuerte y capaz domo Denton, a aceptar un destino generalmente reservado a aquellos que son demasiados jóvenes e inexpertos como Felipe o demasiado mayores como él.

   De repente aparece ante la isla un barco con una señal de petición de socorro, Felipe y Moritz acudirán a él en un bote mientras Denton observa con su catalejo. A través de un excelente travelling Denton y el espectador podrán ver la tripulación del navío, su apariencia, y en especial sus rostro patibularios, son un presagio de lo que vendrá después, ya que entre ellos tenemos la plana mayor de característicos secundarios del cine español que se convirtieron en rostros habituales del "spaguetti western"(Y a veces también del fantaterror, interpretando a villanos o personajes de dudosas catadura moral).


  Aldo Sambrell


 Victor Israel.


  Tito García.



  Luis Barboo. 

  Porque los tripulantes resultan ser piratas, pero no lo románticos piratas de las novelas de Errol Flynn, sino asesinos de sadismo y barbarie animalesca los cuales matarán a Mortiz y Felipe de forma inmisericorde, en una escena en la que que a pesar de no haber exhibición de sangre o "gore", transmite una crueldad que no es fácil encontrar en una película comercial de los primeros 70. Denton se verá obligado a huir y a contemplar como los sangrientos piratas convierten la isla en una trampa mortal para un buque de pasajeros, provocando su hundimiento y luego, en una orgía de sangre, asesinar a machetazos  a los supervivientes que alcanzan la orilla, mujeres y niños incluidos. Denton conseguirá salvar a uno de ellos, Mirafiori,(Renato Salvatori) el cual le convencerá para intentar frustrar los planes de los piratas. Al mismo tiempo, otra superviviente del barco, Arabella(Samantha Eggar), será usada por el lider de los piratas Johnathan Kongre como (Yul Brynner) como acompañante, poniéndola momentaneamente a salvo de sus lascivos hombres y como  cebo para atraer a Denton a una trampa, ya que, gracias a una foto de Denton, el pirata se ha percatado del gran parecido de Anabella con Emily Jane, la mujer perteneciente al pasado traumático que ha sumido a Denton en un vacío existencial que le ha llevado a autoexiliarse, en "el fin del mundo".

   A todo esto el personaje de Arabella, ausente en la novela de Verne, es uno de los mejores personajes femeninos aparecidos en una película basada en una obra del escritor, una "heroína" que en su parte final se mostrará como alguien totalmente ajeno a los clichés del arquetipo de "dama en peligro" del cine de aventura, y no me refiero precisamente al hecho de ser una mujer fuerte y voluntariosa capaz de sobrevivir sin la ayuda del héroe. Un personaje con ciertas reminiscencias del que interpretó en "El coleccionista"(1965) a las órdenes de William Wyler.





   Una película de aventuras y de piratas inusual y extraña. Al igual que en otro título que mencioné anterior, se tratan de piratas "wreckers", que es el término que se usa para aquellos que consiguen su botín no asaltando barcos sino provocando su hundimiento. Una dentro del género que no transcurre en paradisiacos mares tropicales, sino en un paisajes lleno de yermos acantilados de dentadas y afiladas formas, azotados por un mar continuamente bravío, un paisaje inhóspito con una atmósfera que se percibe gélida (Gracias a la paleta de tonos frios de la fotografía de Decaé y Paniagua) que verdaderamente transmite la sensación de ser un lugar ajeno nuestro mundo y que se convierte en un personaje más. Aunque personalmente creo que la película hubiera ganado de haberse rodado en blanco  y negro, buscando imitar la dura y árida escenografía de los films de terror expresionista de la Universal, en especial del díptico de Frankenstein de James Whale, ya que la orografía del Cabo de Creus remite a los decorados de aquellos films

  Pero tal vez lo más anómalo de la película es la tremenda carga de violencia, ojo, entendamos dentro de los parámetros del cine de entonces, del que hace gala la película, siendo los momentos en que esta hace aparición en la película, cada uno más intensos que la anterior, empezando por la muerte del Capitán Mortiz y Felipe, pasando por el desollamiento de un mono(No vemos el acto en pero sí sus consecuencias y el plano es brutal), el  asesinato de los supervivientes del barco, donde los grotescos rostros de los personajes riendo sádicamente mientras asesinan a gente inocente la da a la escena un tono onírico infernal propio del cine de terror(La única en la que la labor meramente funcional dirección de Kevin Billington demuestra algo de estilo). culminando con un clímax final en el que asistimos a una escena de tortura con unos planos gores gráficos que no dejan nada a la imaginación y que podría haber firmado el mismísimo George Romero. De postre tenemos una violación grupal en la que la tripulación de Kronge se lanzan, cual manada de  lobos hambrientos sobre la desdichada en cuestión, y aunque, no vemos el acto (Lógico, en esa época había límites), pero quizás que solo oigamos los gritos de la víctima lo hace aún más desasosegante e incómoda. 

   Todo esto hizo que cuando la película se estrenó en Estados Unidos, la crítica mostrara su desagrado ante un film que a pesar de ser catalogado "PG", resultaba a sus ojos más brutal que producciones clasificadas "R" como "Harry el sucio", viéndose como un film "explotation" de pésimo gusto, aunque en España, curiosamente fuimos menos pacatos, y la tijera franquista solo hizo amputar una escena en la que uno de los piratas Virgilio(Jean-Claude Drouot) de muy ambigüa sexualidad, se traviste con las ropas de Arabella y tras bailar con sus compañeros se dirigen al interior del faro, con todo lo que ello sugiere. Lo cierto es que Virgilio, por su apariencia y por la interpretación de Drouot es uno de los personajes más hipnóticos de la tripulación de Kronge y uno desearía ver más de él en pantalla.


  Posiblemente los piratas más brutales y desagradables vistos nunca en un films, al menos hasta entonces.
    
  He equiparado la trama de la película "La jungla de cristal", pero lo cierto es que el Denton de Kirk Douglas está muy lejos de ser tan capaz y resolutivo como lo es John McClane en la cinta de los años 80. Si bien conseguirá que los piratas provoquen un segundo naufragio y acabará con alguno de ellos, en otros solo podrá ser un mero espectador ante la crueldad y las tropelías de sus enemigos. Al final esto hará que lo que el mero instinto de supervivencia que mueve sus actos se transforme en una sed de venganza que llenará el vacío existencial de protagonista. También para Kronge, frustrado ante los actos de guerrilla de su contrincante, la destrucción de este se convertirá en algo personal para este pirata, del que no sabemos nada, pero que intuimos, por su querencia hacia la sofisticación, que le lleva a adornar el modesto habitáculo del faro con lujosos muebles, y por su satisfacción ante el hecho de tener a una supuesta gran dama como Arabella de compañia personal, que es alguien de un pasado aristocrático, que ha decidido abandonar las leyes morales y humanas del ser humano.

  A pesar de una duración excesiva(Se podría haber reducido los paseos de Douglas por el paisaje agreste) y que en muchos momentos Billington se olvida de crear la tensión necesaria(Denton y Montefiori demasiadas veces se pasean a cielo descubierto a pesar de que teóricamente unos piratas sanguinarios le rodean buscando, piratas que en demasiados momentos parecen tener una gran miopia ya que son varias veces las que tienen a los dos fugitivos tan cerca de ellos que es imposible que no los vean, en gran medida porque el efecto de noche americana en esas escenas es usado por Billington de forma muy tenue.

   En definitiva, un film de  piratas inusual, y un rareza dentro de nuestra filmografía, pero que fuera de nuestras fronteras es un título de culto por la osadía de su violencia y crudeza  y por su tono nihilista y pesimista,  impropio del espectáculo popular rompetaquillas que pretendía ser.

[rafaelgg]

Lo cierto es que habiéndola revisionado recientemente, no he podido evitar pensar que "La luz del fin del mundo", con su tono duro, brutal y alegórico al mismo tiempo, es ideal para que el señor Robert Eggers se animara a hacer una segunda película con un faro en una isla como escenario, y quien sabe, no es descartable, que en lo referente a la puesta en escena, la película de Kevin Billington fuera una inspiración para él.

  S. Craig Zahler, también sería una buena opción para un remake que recogiera las virtudes del original y minimizara sus fallos.

[rafaelgg]

"La mujer pirata" (1951) de Jaques Tourneur, ("Anne of the Indies")



   Muchísimo antes que Geena Davis tuvimos a Jean Peters interpretando a una mujer filibustera, si bien las personalidades de los personajes de ambas son muy diferentes.

    En noviembre de 1947, el escritor Herbert Ravenel Sass publicaba la historia corta "Anne of the Indies" en Saturday Evening post", relato de piratas basado de forma muy, muy libre, basada en la figura de Anne Bonny, la cual nacida en 1698, ejerció como pirata a principios del siglo XVIII como subalterna y amante del capitán Jack Rackham, hasta que este fue apresado y ejecutado, la propia Anne Bonny y el otro miembro femenino de la tripulación Jane Read, se libraron de la horca por su condición de mujeres embarazadas(Si bien la documentación de la época parece indicar que Read fue ejecutada tras dar a luz. El relato corto llamó  poderosamente la atención de Hollywood que inmediatamente pidió a Sass que escribiera un guion basado en su relato corto, el cual acabó siendo muy diferente a la obra original.
 
   Walter Wanger, mítico productor que por entonces ya había producido "La diligencia"(1939) de John Ford, "Juana de Arco"(1948) de Victor Fleming con Ingrid Bergman y que años más tardes también produciría otro film sobre una mujer de armas tomar como es "Cleopatra"(1963) de Joseph L. Mankiewicz, se hizo con los deerechos del guion con vistas a que fuera protagonizado por Susan Hayward, estrella de la Fox. Sin embargo, el altísimo presupuesto necesitado para llevar a la pantalla el guion escrito por Sass hizo que durante varios años el guion durmiera en el sueño de los justos.

  Finalmente sería el productor George Jessel quien se haría cargo del trabajo para la Fox, gozando para ello de un presupuesto generoso, a pesar de que se intentó reducirlo un poco utilizando tomas no usadas de otro film de piratas de la Fox: "El cisne negro"(1942) de Henry King. En la silla del director se sentaría un Jaques Tourneur que con este film para Twentieth Century Fox,  daría por acabada su etapa iniciada con "El halcón y la flecha"(1950) de transición de director de serie "B" dentro de la RKO Pictures, especializados en cine fantástico y "noir" a director de serie "A" para un gran estudio como la Fox. No obstante, a pesar de los cambios en cuanto a nivel de producción y de géneros, aún puede verse mucho de las carácteristicas del Toruneur previo en esta cinta, tanto a nivel estético(Esos planos nocturnos llenos de sombras que remiten a sus películas en blanco y negro de marcadas formas expresionistas) como a nivel temático: Porque aunque a un nivel superficial tengamos la clásica historia de aventuras piratas, con sus abordajes y luchas entre barcos, sus duelos a esgrima y sus paisajes paradisiacos caribeños, en esencia podríamos decir que estamos ante una película "noir" en la que orbita temas como la traición, la pulsión amorosa fatalista, inserta dentro de un triangulo amoroso, en una historia que nos habla de como alguien ha de ejercer de confidente en una banda de criminales y como mediante la seducción, se irá ganando la confianza de la mujer que dirige dicha banda para luego traicionarla, ocultando que en el fondo ama a otra de la cual está casado. Vamos que tampoco hay mucha diferencia entre esta "La mujer pirata" y "Regreso al pasado"(1947) dirigida anteriormente por el director de origen francés y donde ya se abordaba alguno de estos temas.


  Puede que Coco Chanel fuer la primera en ponerle pantalones a las mujeres pero, posiblemente  Jean Peters con este film hizo mucho más para convertirlo en tendencia.


  Si bien en algunas fotos promocionales el diseño de vestuario era, digamos, "más cabaretero".

   Para cuando por fin el proyecto empezó a rodarse, Susan Hayward como eventual protagonista fue cambiada por una Jean Peters que ansiaba el papel denodadamente porque según ella, los atuendos que el departamento de vestuario había confeccionado para su personaje, le sentaban como un guante a cualquier mujer, pero más allá de lo frívola que pueda parecer estos motivos, lo cierto es que Jean Peters, hace un trabajo admirable, tanto en el apartado más físico de su personaje, luciéndose cuando ha de hacer uso de la espada, como a la hora de componer a una mujer cruel y dura e implacable en su guerra particular con los ingleses para vengar la muerte de su hermano ejecutado por estos, no en vano ha sido educada por el mismísimo Barbanegra, aquí encarnado por el actor norteamericano pero de padre español Thomas Gómez, cuya caracterización física es muy similar a la de Robert Newton en el mismo papel en "El pirata Barbanegra"(1952) si bien la interpretación del hispano-norteamericano es más contenida que la del inglés. Anne Condolence(Así se hace el llamar la protagonista) es una mujer fría, a la que solo muestra afecto hacia quien ejerció de padre adoptivo, el citado Barbanegra, y cuyo respeto solo han conseguido ganarse su segudno de a bordo:  Dougal, intepretado por James Robertson Justice(Quién años más tarde interrpetaría al jefe de Gregory Peck en "Los cañones de Navarone"), y Jameson (Herbert Marshall) el alcoholizado y erudito médico de la tripulación que es el único a quien Anne le permite actuar como la voz de su conciencia. 


  Barbanegra y Anne, una relación paternofilial que acabará mal.



   Sin embargo, atraída por un apuesto  francés apresado en uno de sus abordajes, Pierre François LaRochelle, Un Louis Jourdan que empezaba su singladura en Hollywood,  Anne le permitirá salvar su vida uniéndose a la tripulación, e iniciará un romance con él permitiendo que sus deseos femeninos, reprimidos hasta entonces, afloren, ignorante, de que Pierre, no solo busca vender a Anne y a su tripulación a los ingleses como pago para recuperar su apresado buque mercante del que es capitán, ignorando además que el corazón de Pierre en realidad pertenece a Molly(Debra Piaget) su esposa. Cuando Anne descubra la traición, el sentimiento de haber sido humillada y despechada y el ardiente deseo de venganza hacia Pierre y su mujer, no tendrá limites.


  Acostumbrada a los andrajosos miembros de su tripulación es fácil de entender la atracción de Anne por el atildado y apuesto Pierre.


   Pero es difícil competir con un mujerón como Debra Paget.


   Tourneur, lejos de intentar hacer algo al estilo de lo que en los 90 se hizo con "La isla de las cabezas cortadas"(1996),  y el personaje de Geena Davis, es decir recrear al clásico héroe de matiné alegre y vitalista cambiándolo de sexo, convierte a la Anne de Jean Peters en un personaje con un aura de melancolía y tragedia, fruto del desamor, sentimientos que Peters consigue plasmar en el personaje y haciéndolo creíble, si bien en aras de mantener un ritmo rápido(La película no llega ni a la hora y media de metraje) la evolución final de este se siente un poco precipitada, pero hay que entender el contexto de este tipo de cine en esa época, donde parar la acción para centrarse en la introspección psicológica y en el desarrollo a través de escena intimista era algo que se podía hacer pero dentro de unos límites. 


  Un triangulo amoroso fatal, digno de los "noirs" previos de Jaques Tourneur.
  

   Pero más allá de esto, bien podrían aprender mucho guionista/directora feminista militante de este film, que demuestra que hacer un personaje femenino fuerte e interesante, no está reñido con otorgarle debilidades y ambigüedad moral, en lugar de convertirla en una "Mary Sue" cuya única función es ridiculizar a todo personaje masculino que aparezca en la trama.


  Bueno, pues siendo ya 2 de septiembre de 2024, y ya situados en el ocaso del verano, a pesar de que el fin de estación no es aún, sino hasta dentro de 3 semanas y de que el termómetro siga marcando temperaturas estivales, creo que puedo ya por zanjado, este año, este hilo dedicado a recomendar/repasar filmes de piratas que puedan ser atractivos de visionar en esta noches cálidas estivales acompañados de una bebida fresca, (Coca Cola con ron quizás) unas palomitas o un helado, sobre todo para el que pueda visionarlos con un proyector en una terraza al aire libre, montándose así su minicine de verano(Cuanto se extrañan esos cines al aire libre que tan socorridos eran para llenar el ocio nocturno veranieo).
 
  Para inicios del verano que viene repescaré este hilo, porque todavía queda por ahí algún título notable del que no hemos hablado, pero hagamos un repaso a los films, y también las series de tv, que han aparecido aquí:

   "VIENTO EN LAS VELAS" (1965) de Alexander Mackendrick.
   "PIRATAS" (1986) de Roman Polanski.
   "POSADA JAMAICA" (1939) de Alfred Hitchcock.
   "LOS PIRATAS DE RIO SANGRUIENTO" (1962) de John Gilling.
   "EL CAPITAN BLOOD" (1935) de Michael Curtiz.
   "LA ISLA DE LAS CABEZAS CORTADAS" (1995) de Renny Harlin.
   "EL JURAMENTO DEL CORSARIO NEGRO" (1976) de Sergio Sollima.
   "EL CORSARIO ESCARLATA" (1976) de James Goldstone.
   "LA ISLA DEL TESORO" (1950) de Byron Haskins.
   "EL PIRATA BARBANEGRA" (1952)  de Raoul Walsh.
   "LOS PIRATAS DE LAS ISLAS SALVAJES" (1983) de Ferdinand Fairfax.
   "LA LUZ DEL FIN DEL MUNDO" (1971) de Michael Billington.
   "LA MUJER PIRATA" (1951)  de Jaques Tourneur.

   En cuanto a series de tv, han aparecido 2:
   "SANDOKAN" (1976) de Sergio Sollima.
    "BLACK SAILS" (2014-2017), creada por Jonathan E. Steinberg y Nathan Levine y producida por Michael Bay.

   Pues así a lo tonto, nos ha quedado un ciclo muy majo que aún puede disfrutarse en estas últimas semanas del verano climatológico.

   Pero, dirigiéndome a todos los que habéis prestado atención a este hilo, me gustaría saber si, además de Manuwar y Peckinpah, que vieron "El juramento del Corsario Negro" y contaron sus impresiones, si alguno más os habéis decidido a ver alguna de las películas aparecidas aquí y que os han parecido, por mi parte si he conseguido que alguien descubra un título cuyo visionado le ha producido disfrute, personalmente me sentiré muy satisfecho.

[PUNKRUNNER]

Yo ya tengo para ver proximamente El juramento del Corsario Negro  y EL PIRATA BARBANEGRA. 
Asi que ya comentare.

[rafaelgg]

Venga que estamos en verano, hora de resucitar este hilo.

   En estas pasadas semanas me ha dado por ver dos de las más  populares versiones de la adaptación de de Stevenson que servidor aún no había visionado:


       "La isla del tesoro" (1972) de John Hough




   En los años 60, Welles se encontraba preparando "Campanadas de medianoche" , un proyecto en el que empezó a trabajar ya en los años 30. Sin embargo no encontró demasiado entusiasmo por parte de los productores en lo referente a adaptar un drama shakespiriano de época. Es entonces cuando se plantea, ofrecer de forma conjunta, un proyecto de mayor viabilidad comercial en taquilla que permita a quien produzca "Campanadas de medianoche" eliminar los números rojos que deje el film. Siendo un enamorado desde niño de la novela de Robert Louis Stevenson, el cual leía a su hija por las noches, Welles ofrece sus servicios como director y guionista del film, y su imponente presencia física y profunda voz, para interpretar el personaje de Long John Silver. El director de "Ciudadano Kane" ya había interpretado el personaje de Silver en una adaptación radiofónica de su "Mercury theater on the air". En un principio el productor Emiliano Lapiedra aceptó producir ambos films, con la idea de usar los mismos sets y el mismo elenco para ambos films y así abaratar costes.

  Habiendo alquilado un barco usado en la producción "El capitán Jones" (1959) de John Farrow y con planes de rodar en las costas de Alicante en 1964,  tras rodarse algunos "dailies" el proyecto quedó abortado por diferencias entre Lapiedra y Welles y problemas de fondo, hay quien dice que en realidad Welles jamás tuvo intención de rodar la adaptación de Stevenson y que solo buscaba que financiaran su film sobre Shakespeare, el caso es que el proyecto se canceló. No obstante a finales de los 60, el productor Andres Vicente Gómez, lo revive, asociandose con productores italianos, franceses y con el británico Harry Alan Towers, el artírfice de la saga sesentera de Fu Manchú con Christopher Lee como protagonista. 

   En ese momento, la fama de Orson Welles como director incapaz de levantar proyectos que fueran económicamente rentables se había hecho más notable, por lo que prácticamente se le impuso a este que se limitara a ejercer de actor y guionista (Bajo seudónimo de O.J Welles) y cediera el sillón de la dirección a John Hough, habitual de la serie "B" de género británica que había colaborado con Hammer films recientemente rodando "Twins of Evil". Welles, que estaba ligado contractualmente al proyecto desde que se formalizó con Lapiedra, tuvo que aceptar dicha condición.

  El ser relegado de la silla de director amargó bastante a Welles, el cual al parecer, se presentaba al set de rodaje cada mañana ebrio tras haber desayunado dos botellas de vino, y protagonizó bastantes roces con Hough. Se daba la circunstancia además de que Hough, acostumbrado a películas como la Hammer que se rodaban en el cómodo ambiente controlado de un set de estudio, no tenía mucha experiencia en cuanto a rodar en el mar y en localizaciones naturales, por lo que hubo que recurrir a los servicios como director de segunda unidad del italiano Andrea Bianchi, quien, a pesar de que tuvo que soportar la misma actitud hosca de Welles al inicio del rodaje, consiguió confraternizar con él, a base de asumir que cuando Welles estaba frente a la cámara, era él quien asumía la voz de director y tomaba las decisiones.

   Un Welles amargado por no poder dirigir él mismo la película no fue el único gran problema del film. Para hacer las funciones de la goleta "La Española", Towers, alquiló un navío restaurante flotante que operaba en el Támeiss, sin embargo durante la travesía hacia el sureste de España, donde se rodaría el film, este se hundió y hubo que buscar a toda prisa un barco sustituto a última hora.  Además a pesar del dinero conseguido gracias a vender la distribución en USA a al estudio Seven Arts, esta versión carece de la holgura de medios de la de Victor Fleming de 1934 y la de Byron Haskins para Disney de los años 50 y se nota, porque aunque el entorno del cabo de Gata en Almeria es un entorno incomparable para rodar películas (Como de hecho se han rodado muchas) difícilmente hacerse pasar dicho entorno natural por el de una frondosa y paradisiaca isla caribeña. Si bien hay que decir que uno de las grandes armas que Hough y Bianchi para darle a la película un mayor empaque visual que lo que el ajustado presupuesto permitía, fue el tener a su servicio a uno de los mejores directores de fotografía de la Historia del cine español: Cecilio Paniagua, el cual, mediante el uso de la luz y color, consiguió bellos planos y que el segmento inicial ambientado en la costa británica, resultara creible a pesar de haberse rodado en la poco británica región italiana de Lacio. 

  De hecho, a diferencia de la ciudadanía actual de este país, Orson Welles tenía en alta estima el talento de los técnicos y artistas españoles, tras haber trabajado con ellos en múltiples proyectos y siempre abogó por la mayor participación posible de estos en sus películas, "La isla del tesoro" no es una excepción y junto a Cecilio Panniagua, en la fotografía, encontramos el concurso de varios secundarios míticos del cine español de género de la época. El recientmente fallecido Angel del Pozo, hace de doctor Livesey, el inconfudible rostro de Aldo Sambrelli, visto en los western de Sergio Leone y que compartió plano con prácticamente todas las estrellas de Hollywood que rodaron en España, desde Clint Eastwood a Sean Connery, hace del pirata Israel Hands, y otro Israel, el actor Victor Israel, clásico del fantaterror español en películas como "Terror en el Transiberiano" o "No profanar el sueño de los muertos", del pirata Morgan. La verdad es que con los dos últimos los señores de casting se lucieron porque difícilmente se pueden encontrar rostros más patibularios y adecuados para interpretar a piratas sanguinarios, prácticamente ni se necesita maquillaje para endurecer y ensombrecer sus rostros.

Angel del Pozo.

Aldo Sambrell

Victor Israel.

   Mención aparte merece la elección del (teóricamente) protagonista centrald de la historia, el joven Jim Hawkins, la pretensión de Towers era fichar a toda una estrella juvenil como Mark Lester,  protagonista de "Oliver" (1968) sin embargo la agenda del joven actor no lo hizo posible, por lo que tuvo que conformarse con el mucho menos conocido Kim Burfield, que aunque no tuvo una carrera muy boyante (Tras este film solo tiene acreditado una película más en 1977 en toda su filmografia) pero que consigue que un personaje que en casi todas las versiones es bastante cargante sea aceptablemente soportable.

   ¿Fue bien recibida y exitosa esta versión? Lo cierto es que en lo referente a como funcionó en nuestro país no es fácil saberlo, pero si hay constancia de que su lanzamiento en Estados Unidos a cargo de Seven Arts fue muy limitado y aún así no cubrió espectativas, quizás el problema estuvo en parte en la promoción comercial con un poster en el que Welles aparece con una indumentaria piratesca más clásica que la que luce en el film, prácticamente la misma que luce Robert Newton en la versión de Disney, lo que unido al propio estilo retro del cartel, pudo hacer creer a la audiencia que se trataba de un reestreno de una película "vieja". O simplemente es que el interés del público por los piratas en el cine había pasado. Al mismo tiempo la crítica, quizás condicionada por la condición de producción principalmente española y por tanto no anglosajona del film, literalmente la despedazó. De hecho al día de hoy solo tiene un 16% en "rotten tomatoes".

Un poster más propio de una versión de los 50 que de los 70 y una caracterización de Welles que nada tiene que ver con la de la pelíucla.

 
  Sin embargo a título personal debo decir que, estando a años luz de ser la mejor adaptación del libro, sea una película cuyo visionado haya que evitar a toda costa. Sí es cierto que se nota el inferior presupuesto con respecto a versiones previas más lujosas, que lleva incluso a tener que reutilizar la banda sonra del film "Motin en el Defiant"(1962), y que su escaso metraje hace que la novela esté excesivamente comprimida. Pero ello no borra el hecho de que Orson Welles está magnífico como Silver, devorando a la cámara desde su primera escena de presentación, siendo para mí muy superior al excesivamente histriónico y sobrevalorado Robert Newton. Eso, la dirección de fotografía, y la aparición de tanto rostro icónico del cine de género español y europeo, hace que merezca que se le de una oportunidad, al menos por completismo.

  Sin embargo a Harry Allan Towers el fracaso no pareció mermar su amor por esta historia ya que en 1999 volvió a producir otra versión esta vez con otra leyenda en el papel de Long John Silver: Jack Palance. No osbstante no es esa la otra versión que he visto y de la que hablaré en el siguiente post, sino de una de visionado mucho más satisfactorio que esta de 1972 y con otro gigante del cine como Long John Silver(Habrá quién ya haya deducido cual es)

  

[rafaelgg]

Modine pintado como una miniatura de Warhammer. 

Pero no me avergüenza decir que a mí la peli me mola. Y Langela se lo pasa de puta madre haciendo de malo más grande que la vida.

   La he visto recientmente  el tono tan peculiar de la piel de Modine se puede entender por el tratamiento de color que Harlin le da a la película, potenciando los verdes para las escenas de jungla, pero también dándole a la imágen un virado/tinte dorado para transmitir el calor caribeño, y aunque esta es una foto promocional tiene el mismo tratamiento (O a lo mejor es el fotograma de una escena eliminada).
 
   Porque desde los 90 para acá, que a los directores no les agrada la atmosfera y el color natural de los sitios donde van a rodar y tienen que alterarla a través de la paleta cromática. Si van a un stitio cálido dorados y ocres a cascoporro y si van a un sitio nórdico y/o con nieve, filtros azules....Porque claro ¿Cómo ibamos entonces nosotros a saber que en desierto y en el caribe hace calor y en el Himalaya o en la tundra rusa hace frio?.  Al final lo que consiguen es que paisajes reales parezcan artificiosos, como si fueran lienzos pintados o matte painting (Manuales o digitales).

  Los espectadores que iban a ver en los  60 películas como "Lawerence de Arabia" no lo necesitaban para saberlo, será que ellos eran más listo......No más bien que David Lean no era tan gilipollas como los directores del cine moderno.

[rafaelgg]

Bueno, ahora sí vamos con la otra versión del clásico de Stevenson que me he zampado días atrás:

   "La isla del tesoro" (1990) de Fraser Heston.

  Durante décadas, la televisión siempre fue considerada, de manera injusta como un medio bastante inferior. Lo cierto es que la pequeña pantalla, al no requerir sus mucho más económicas producciones los ingresos de taquilla que los grandes "blockbusters" necesitan para justificar su inversión, pueden tomar riesgos, tales como abordar temáticas que son ajenas a las inquietudes de la población más joven, que es la que mayoritariamente llena las salas de cine. Se puede tirar de historias que dicho público joven consdiera "pasada de modas" y a veces con actores que también se consideran viejas glorias de Hollywood que ya no tienen cabida en papeles de protagonista en las cintas para las salas de cine y como mucho, solo sirven ya como secundarios de lujo o para cameos cómplices.
    Todos esos factores pues conspiraron para que a la hora de realizar a las puertas de la década de los 90 una nueva adaptación de "La isla del tesoro" tuviera que ver la luz en forma de producción televisiva de lujo, ya que los que éramos jóvenes entonces, mayoritariamente queriamos ver en pantalla naves espaciales, no buques piratas del pasado (Bueno, en mi caso en concreto sí me hubiera gustado verlos, pero era de los pocos que valoraba los géneros e historias clásica). Sin embargo considerar la versión dirigida por Fraser C. Heston un producto para televisión sería algo bastante injusto, ya que la escala de dicha versión y sus valores de producción son de un nivel 100% cinematográfico, no porque tuviera un elevado presupuesto, sino porque la inteligentísima gestión de este hizo que la película luciera mucho más cara de lo que en realidad costó. De hecho, al día de hoy no me creo su presupuesto de solo 6 millones de dólares de la época.

   De hecho, aunque estamos ante una coproducción de la muy televisiva Turner Pictures, esta se hizo en asociación con la inglesa British Film Lions y en territorios fuera de Estados Unidos, incluida España, se exhibió en salas de cine. No obstante aquí Warner España no hizo mucho por promocionarla lo que es una verdader pensa, siendo la última vez que se pudo ver en pantalla grande a un mito como Charlton Heston en un papel de protagonista (Bueno, coprotagonista más bien).

 

   Porque el punto fuerte de un film dirigida de forma Fraser C. Heston es la participación de su mítico padre, Charlton Heston en el papel de Long John Silver. Heston senior prácticamente se había retirado de la gran pantalla a principio de los 80 y aprovechaba su madurez para dejar atrás sus protagonistas heroicos en cintas épicas históricas y/o biblicas o en films de ciencia ficción, para dar rienda suelta a su pasión por la literatura clásica interpretando a personajes como Sherlock Holmes (En un telefilm previo de menor presupuesto también dirigido por su hijo) secundarios shakesperianos (El monumental "Hamlet" de Kenneth Branagh del año 1996) o aquí interpretando al pirata más famoso de la literatura (Junto al capitán Garfio, claro) y donde quien fuera Ben-Hur aporta, ademas de su aún, a pesar de los años acumulados, gran presencia física, un entusiasmo con el que consigue  hablarle de tú a tú a intérpretes previos del personaje como Orson Welles. (De hecho para mí Welles y Heston empatan como los mejores Long John Silver cinematográficos).

 
    Pero es que además el resto del reparto es impresionante. Una de las decisiones más inteligentes es aumentar un poco la edad del personaje de Jim Hawkins, lo cual hace que sea más creíble su madurez y falta de miedo a la hora de enfrentarse a sanguinarios piratas asesinos como hace en el libro teniendo solo 8 ó 9 años. Aquí Jim ya es un adolescente de unos 15, por tanto mucho más creible en esas situaciones y además pudiendo formar parte activa en las escenas de lucha cuerpo a cuerpo entre bucaneros y la tripulación de "La Española". (Una de las cosas que hace Heston hijo es darle más peso a los momentos de acción de la Historia). Aquí tenemos el lujo de ver a un joven Christian Bale recién salido de "El imperio del sol", encarnando el personaje, demostrando el mismo talento precoz que demostraba en el film de Steven Spielberg.

El Moisés clásico y el Moises del siglo XXI dándose la réplica y mostrando una gran química.

   Pero es que los lujos en cuanto a reparto no terminan ahí: Tenemos a Oliver Reed prácticamente interpretándose a sí mismo como el borracho bronquista pirata Billy Bone, a un irreconocible Chritopher Lee en el pequeño pero impactante papel de Blind Pew, a Julian Glover, recordado villano de "Indiana Jones y la  última cruzada" y de las sagas de Star Wars y James Bond como el doctor Livesey, y a emblemáticos secundarios del cine británico como James Cosmos ("Los inmortales", "Braveheart", "Troya") y a Pete Postlethwaite como aguerridos bucaneros de la banda de Silver, la hermosísima banda sonora de ritmos celtas a cargo del grupo Chieftains, las bellisimas localizaciones en Jamaica y el lujo de tener al barco que fue usado como la Bounty para la versión de "Rebelión a bordo"(1962) haciendo las veces de buque "La española" y tenemos la que muchos consideran la mejor versión de la novela de Robert Louis Stevenson.

Oliver Reed y Chritopher Lee, a mi que me den piratas como ello y ahorrenme a Johnny Depp.

La "Bounty 2" del fim de 1962 con Marlon Brando,  usada en este film para hacer de "La Española" y que desgraciadamente se hundió durante un huracán en 2012.

   

 
 Opinión que yo comparto, ya que es una versión que, además de ser extremadamente fiel al texto original, carece de la excesiva teatralidad de la de 1934, del blanqueamiento disneniano de la de 1952 y de la falta de medios de la de 1972. Esto no es televisisón, es cine, un tipo de cine que tuvo que esconderse en la pequeña pantalla porque, desgraciadamente, al público no le interesaba ya ver estas historias en pantalla grande.

Fraser y Charlton Heston. Padre e hijo juntos en su amor por una forma de entender el cine de entretenimiento que ya no se estilaba.

 
   Bonus track: Dejo aquí el tracklist en youtube de la maravillosa banda sonora del film a cargo de The Chieftains (Que volverían a colaborar con el cine en la versión de "Robin Hood" de Ridley Scott). 
 
 https://www.youtube.com/watch?v=hoUl2IKNXhk&list=PLv4hN3Q16HUT6jRdgZ_Gazmhv63d-YXhU